Country-Swing

Reingehört (470): Kinky Friedman

„That’s a sure sign of depression. Turn ‚Matlock‘ off, Kinky, and start writing!“
(Willie Nelson)

Kinky Friedman – Circus Of Life (2018, Echo Hill Records)

„First album of new, original material in four decades“ schreibt die Fachpresse dieser Tage über den neuen Tonträger des Kinksters, das 2015er-Album „The Loneliest Man I Ever Met“ war seinerzeit das erste Studio-Album seit 39 Jahren, hatte aber demnach neben bekanntem Fremd- nur ältere Eigen-Kompositionen des Texas Jewboys auf der Titel-Liste, wer da hinsichtlich historischer Einwertung des Song-Materials noch durchblickt, darf zur Belohnung einen Schluck Jameson aus dem berühmten Stierhorn nippen.
Anyway, jetzt gibt es neuen Country-, Bluegrass- und Western-Swing-Stoff von Kinky Friedman, der Legende nach aufgrund massiver Aufforderung und Feuer-unter-dem-Allerwertesten-machen von Country-Songwriter-Spezi Willie Nelson. Der Zirkus des Lebens ist in seiner ganzen Vielfalt mit entsprechenden Ausschlägen nach oben wie unten in der individuellen Befindlichkeits-Skala ohne Zweifel immer ein lohnendes Motiv für eine Songsammlung, für einen man of many talents wie den ex-Governor-of-Texas-Kandidaten, ex-Peace-Corps-Zivi, ex-Dylan-Tourbegleiter, ex-Wahl-New-Yorker, Zigarren-Manufakturisten, Ranch-Betreiber, Tier-Schützer, Kriminalliteratur-/Song-Schreiber und Country-Musiker Kinky Friedman in der Rückschau auf ein erfülltes und ereignisreiches Dasein allemal.
Zumeist sehr nachdenklich, mitunter in melancholischen, anrührend schönen Balladen, mit trockenem Witz und illusionsloser Klarheit erzählt der Kinkster in den zwölf Songs der von ihm benannten „Matlock Collection“ vom verrückten Jesus im Pyjama, dem Ihr gern einen ausgeben dürft, sollte er mal an Euren Tisch im Diner oder an den Tresen Eurer Stamm-Kneipe treten, von Weisheit und Lebenserfahrung geprägte Geschichten, wie sie nur ein alter Outlaw-Country-Haudegen wie der texanische Kauz mit dem Stetson und der Zigarre zu erzählen weiß, von gescheiterten Beziehungen, den falschen Abzweigungen am Lebensweg, der versetzten Gitarre im Pfandhaus, von der Wahl zwischen Erlösung und einem Glas Bier, was im Zweifel zwei Seiten der selben Medaille sind.
Die Kinky-Krimis aus der Vandam Street und ihrer näheren Umgebung in Lower Manhattan haben mit fortlaufender Serie mehr und mehr an Thrill und Spannung hinsichtlich ausgefeilter Whodunit-Fälle verloren, gelesen hat man sie wegen lieb gewonnenem – real existierendem – Stammpersonal wie Ratso Sloman, Steven Rambam oder Dylan Ferrero trotzdem weiter gern, und nicht zuletzt auch wegen des ausgeprägten Kinkster-Talents, seine Geschichten so zu erzählen, dass Tragödie und Komödie stets nah beieinander liegen, im Drama immer einen Funken Hoffnung lassend wie im Humorigen das Nachdenkliche nicht vernachlässigend, so wie er es auch in seinen besten Songs auf „Circus Of Life“ mehr als ordentlich hinkriegt.
Have A Cigar, aber bitte keine mit den Bombast-Prog-Mainstreamern von Pink Floyd, eine feine Toro Grande mit dem Kinkster und seinen aus dem Leben gegriffenen Geschichten muss es sein.
(**** ½ – *****)

Kinky Friedman – Jesus In Pajamas → youtube-Link

Kinky Friedman – Live @ SXSW, Austin/Texas, 2018-03-15 → youtube-Link

Kinky Friedman @ Rag Radio, KOOP 91.7-FM, Austin/Texas, 2012-10-19 → archive.org-Link

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Raut-Oak Fest 2018 @ Riegsee, 2018-06-10

The third and final report from ROF 2018: Am Vormittag wär’s traditionell mit Riegseer Blasmusik und frischen Weißwürscht aus dem Kessel plus zwingend dazugehörigen Brezen und Weißbier in die letzte Raut-Oak-Runde gegangen, unsereins war da noch fern jeglicher urbajuwarischer Kulinarik im heimatlichen Minga zwecks übernächtiger Regeneration zugange, aber wo’s dann wieder ernst wurde, da war ma dann da, wia a Brezen (oder wie der Weber Max), frei nach Gerhard Polt.
Der dritte und letzte Raut-Oak-Tag sollte sich noch einmal zu einem einzigen Flow an schöner bis überwältigender Musik auswachsen, diejenigen, die bei Williams Wetsox mit einer dem Vernehmen nach deplatzierten Jazz-Sängerin und dem österreichischen New-Wave-of-Volksmusik-Duo Kirschhofer zugegen waren, mögen das etwas anders bewerten, aber spätestens mit dem Auftritt der Donkeyhonk Company – dem Regulären nach dem Spontanen vom Vortag – waren erst mal alle Zweifel über tonale Qualitäten des letzten Festivaltags ausgeräumt, und sie sollten sich auch zu keiner Sekunde mehr einstellen, soviel sei bereits verraten.

Wenn eine hiesige Band aus dem weiteren Umland zwingend auf das Line-Up eines Raut-Oak-Fests gehört, dann dürfte das die Donkeyhonk Company sein. Wig Drumbeat, Basser Don Pedro und der Grimassen-schneidende Frontman Lametto suggerierten einmal mehr, dass die Sümpfe Louisianas, Schwarzbrenner-Kaschemmen im Niemandsland der amerikanischen Prärie und die Ausläufer der Appalachen irgendwo im oberbayerischen Delta Wolnzach/Neuburg/Aichach zu suchen sind, das Trio bot wie zu vielen früheren Sternstunden eine feine Auswahl an Alternative Country Folk, Uptempo-Bluegrass und knarzenden Muddy-Roots-Moritaten, in denen Sänger/Gitarrist Lametto in rauen, schneidenden Blues-Howlern seine kritischen und düsteren Gedanken und Geschichten im eigenen bayerischen Dialekt fernab jeglicher Neue-Volksmusik-Peinlichkeiten neben Roots-geerdeten Tom-Waits-Covers, alten Folk-Traditionals und eigenem Blues-durchtränkten Americana-Gepolter zum Vortrag brachte.
Der Donkey ließ beschwingt seine Hufe klappern zum stampfenden Honkrock der drei oberbayerischen Outlaws, und wenn er nicht irgendwann zum Bocken angefangen hat, dann steppt er da noch heute irgendwo zwischen den weidenden Rindviechern im Riegsee-Umland durch die Gegend.
Die grandiose Coverversion „Abend in der Stadt“, im Original von der ostdeutschen Polit-Band AufBruch, haben sie leider wieder nicht gespielt, die Herren Musikanten, da kannst hinreden wie an eine kranke Kuh oder in dem Fall einen störrischen Esel, aber es sei unumwunden zugegeben: die Nummer hätte in diesem Raw-Blues-Kontext beim ROF auch nicht reingepasst…

Was kann es an einem lauschigen, Sonnen-beschienenen Sonntag-Nachmittag Schöneres geben als den wunderbaren, weitläufig ausgedehnten, seltsamen wie faszinierenden Bigband-Sound von G.Rag Y Los Hermanos Patchekos als Begleitmusik zum entspannten Nichtstun und verträumten Blick-schweifen-lassen über das herrliche Riegseer Voralpen-Panorama?
Mit Bandleader Andreas Staebler als einem unserer profiliertesten, beständigsten, in zahlreichen Formationen federführend mitmischenden Münchner Musikanten und seiner mit zahlreichen versierten und bestens ausgebildeten Instrumentalist_Innen besetzten Hermanos-Patchekos-Truppe ist man hinsichtlich beseelter Hank-Williams-Melancholie, beschwingter Polka mit unüberhörbarem Karibik- und Cajun-Einschlag, scheppernder Texas Bohemia, immer leicht ins Schräge kippendem Funeral-Band-Gebläse und groovendem Swamp Blues noch nie fehl gegangen, vergangenen Sonntag solle es sich keinen Deut anders fügen.
Wo sonst findet sich eine Kapelle, die eine Nummer wie „Rags And Bones“ der kanadischen Hardcore-Punk-Combo NoMeansNo derart gekonnt und unangestrengt als ausgedehntes, schwer groovendes 70er-Soul/Funk-Brodeln einkocht, sie damit in ihre ureigene Klangwelt übersetzt und vom ursprünglichen Jazzcore der Wright-Brüder nicht mal mehr das abgenagte Gerippe übrig lässt?
Daneben ergingen sich die satten Bläsersätze im Verbund mit allerlei Percussion, Melodik und anderweitig Spannungs-beförderndem wie ultra-entspanntem und wunderschönem Geschrammel schwer vermutlich im Material des demnächst angezeigten neuen Tonträgers „How Sweet The Sound“ (Gutfeeling Records, 22. Juni), es wird wohl ein höchst hörenswerter werden, den ersten konzertanten Eindrücken nach zu urteilen.
Rhythmisch begleitet wurden die Hermanos Patchekos von Special Guest Delaney Davidson, die Bigband intonierte die Nummer „Five Bucks“ des neuseeländischen Songwriters als voluminöse Coverversion, zu der Davidson selbst mit zum Mikro griff und süffisant anmerkte, für in selber wär’s ja nun alles andere als ein Fremdwerk.
Ein exzellenter ROF-Auftritt von Kapellmeister Staebler und den Seinen, der demnächst an anderer Stelle beim Gutfeeling Festival im Münchner Feierwerk am 22. Juni nebst weiteren G.RagInkarnationen und anderen ortsansässigen Exzellenzen wie The Grexits, 4Shades oder der wunderbaren Hochzeitskapelle seine Wiederholung finden wird.

Nicht minder bereichernd zu einem entspannten Sommertag spielten Pelo Mono aus Andalusien auf, Guadalupe-Plata-Gitarrist Pedro de Dios als Bankräuber mit der grünen Maske und Drummer Antonio Pelomono als Gorilla verkleidet swingten mit feinem Instrumental-Surf-Blues, der jedem Tarantino-Streifen als alternativer Soundtrack gut zu Gesicht stehen würde. Das Schöne am gedehnten wie verhallten Grooven der beiden Spanier ist der Umstand, dass sich diese extrem relaxte Nummer nicht stilistisch eindeutig an die Wand nageln lässt, hier ein psychedelischer Grundton, dort Anleihen bei Country und Rhythm & Blues in einem gespenstischen, diffusen Trance-Flow, mit dem sich die Gesang-freien Perlen auch als passende tonale Untermalung für schräges B-Movie-Horror-Trash-Fiction-Zeug aufdrängen – ein stimmiges Gebräu, in dem nichts beliebig wirkt und zu dem es sich extremst tiefenentspannt mitgrooven und abhängen lässt, und wenn dann zur Abwechslung beim Raut Oak auch noch das Wetter der gleichen Meinung ist und die entsprechende Beleuchtung zum gedehnten Desert/Surf-Sound liefert, kann einem mindestens für die Stunde der genehmen Beschallung das irdische Schlamassel am Allerwertesten vorbeigehen…

Als einer der großen Namen für das ROF 2018 wäre für den Sonntag kein Geringerer als „The Dirty Old One Man Band“ Scott H. Biram geplant gewesen, der texanische Primitive-Blues/Punk/Country-Songwriter musste bedauerlicherweise bereits vor Wochen seine Europa-Tour abblasen, mit unserem liebsten Schlangenbeschwörer Brennt Burkhart aka Reverend Deadeye fand sich ein mehr als würdiger Ersatzmann zum Heimleuchten des Festival-Volkes auf den rechten Pfad des Gott-gefälligen Lebenswandels, den der Blues-Preacher mit seiner unzählige Male bespielten Resonator-Gitarre in vehementen Soul-Shakern wie der Garagen-/Gospel-Blues-Perle „Drunk On Jesus“ oder dem knarzenden „Train Medley“ voranschritt. Nach intensivem, tief im Blues verwurzelten Solo-Vortrag als Wanderprediger der alten Schule schaltete der Reverend in Begleitung seiner Lebensgefährtin Nicotine Sue einen Gang zurück, im Duett-Gesang und gemeinsamen Gitarrenanschlag zelebrierte das Paar die gepflegte Kunst des geerdeten Country Blues/Folk fern der vehementen Eindringlichkeit diverser in der Vergangenheit erlebter Deadeye-Solo-Auftritte oder den intensiven Erweckungspredigten mit Drummer Brother Al Hebert.
Einziger Wermutstropfen: Der Reverend stimmte keine seiner wunderschönen, Herz-anrührenden Balladen an, keine „Anna Lee“, kein „Coldest Heart“, und auch nicht das schmerzlich vermisste „Her Heart Belongs To The Wind“, die Tränen der beseelten Ergriffenheit ersetzte ein leichtes Bedauern – on the other hand: besagtes Liedgut gab es bereits beim letztjährigen ROF-Gig des Wanderpredigers zu hören, und so ist es doch auch ein löbliches Unterfangen, dass ein Künstler nicht jedesmal den gleichen Zopf spielt.

It’s only rock ’n‘ roll but I like it: The Hooten Hallers aus Columbia/Missouri rockten ein letztes Mal die Bühnenbretter der ROF-Stage, bevor es an die große, beschließende Krönungsmesse des Festivals ging, in dem Fall Gottlob vor weitaus mehr Publikum als im Sommer 2015 in der Münchner Kranhalle, wo sich seinerzeit zum exzellenten Dreierpack der Hallers zusammen mit den beiden One-Man-Band-Koryphäen Joe Buck Yourself und Viva Le Vox gerade mal beschämende 20 Hanseln hinverirrten. Mit dem Liedgut des aktuellen, vor einigen Monaten veröffentlichten, selbstbetitelten Tonträgers im Gepäck spielten Kellie Everett am Bass-Saxofon, Stand-Schlagzeuger Andy Rehm und Gitarrist John Randall einmal mehr groß auf in Sachen schmissiger Fifties-Rock’n’Roll, der die Pforten zur gepflegten Tanzveranstaltung im Gemeindesaal links liegen lässt und sich statt dessen in der Trash-Blues-Garage ein Bier aufmacht und sodann genüsslichst austobt. „One of the best live Rock & Roll bands around today“ lässt die Band-Homepage über die konzertanten Qualitäten des Trios verlauten, kann man getrost ohne Abstriche so unterschreiben – was die Band am vergangenen Sonntagabend zu bester Sendezeit an gepflegtem Entertainment und schmissigen Songs in grundsympathischer Manier zum Besten gab, war einmal mehr aller Ehren wert. Müssig zu erwähnen, dass die von John Randall mit allem herauspressbaren Herzblut im rohen Grollen vorgetragenen, beseelten Rocker und ein paar Balladen-Heartbreak-Schmachtfetzen vor allem durch das geerdete Getröte von Kellie Everett ihren individuellen, satten Soul-Groove verpasst bekamen. Heavy groovy Footstomp auf und noch weit mehr vor der Bühne, to kill the last Grashalm standing…

We welcome you home: Niemand hätte das große ROF-Finale schöner bespielen können als der großartige Konrad Wert aka Possessed By Paul James, einer der schlichtweg aufrichtigsten, intensivsten und begnadetsten Musiker, Geschichtenerzähler und Alleinunterhalter in der weiten Welt der akustischen Folk-Musik. Denjenigen, die mit dem Schaffen des amerikanischen Muddy-Roots-Veterans und Social Workers seit Jahren vertraut sind, muss man das nicht weiter erläutern. Und jene, die bisher mit dem grandiosen Underground-Folk des Barden nicht in Berührung kamen, dürften bereits beim Soundcheck geahnt haben, was da auf sie zukommen mochte, schon beim Instrumente-Stimmen und Tonanlage-Ausloten legte Konrad Wert Energie und Entertainer-Qualitäten sondergleichen an den Tag, die viele Musikanten-Kollegen in ihren regulären Sets nicht auch nur annähernd zu erreichen vermögen.
Nochmalige Steigerung sodann in allen Belangen beim Vortrag seiner Minimal-Folk-artigen Instrumental-Fiddle-Drones, ein wildes wie wunderschön fließendes Uptempo-Geigen, das sein Pedant fand im berauschten Banjo-Spiel des Musikers, im entrückten A-Cappella-Gospel wie in seinen eindringlichst vorgetragenen Folk-Songs über religiöse Erfahrungen und irdische Beziehungen.
Ein Konzert von Possessed By Paul James ist religiöses Erweckungs-Erlebnis wie praktische Lebenshilfe, spirituelle Erfahrung und Handbuch für die Achterbahn des Lebens, der vor schierer Energie berstende Vortrag des charismatischen One-Man-Band-Intensiv-Musikers bringt emotionale, inwendige Resonanzräume zum Schwingen, löst los von dieser Welt und lässt in seinen ergreifendsten Momenten über dem Boden schweben, dargereicht in einer Form, die selbst dem am Weitesten vom Glauben Abgefallenen das Urvertrauen in die amerikanische Folk-Musik zurückgibt.
In der Welt des Konrad Wert ist alles ungeschminkt aus dem Leben gegriffen, harmonische Melodien, ruppigste Verwerfungen, Schmutz, Leid, Streit, Freude, das Geschrei Deiner Feinde, Versöhnung, Tod und Wiederauferstehung.
Die wahrhaftige Underground-Volksmusik des Suchenden und Getriebenen aus Florida kann Einstellungen und Ansichten verändern, neue Denkanstöße geben, vielleicht sogar nachhaltig und dauerhaft. Mindestens für ein paar Tage nach einem PBPJ-Live-Orkan betrachtet man die Mitmenschen wohlwollender und rückt die wirklich relevanten Dinge des Lebens fernab von irdischem Flitter und Tand in den Fokus der Reflexion. Was kann man von einem Konzert, das in dem Fall weit über die Grenzen des herkömmlichen Musik-Entertainments hinausgeht, mehr erwarten? Resolve all my demons…
Einmal mehr in diesem Zusammenhang schwerst ans Herz gelegt sei im Nachgang der exzellente, semi-dokumentarische Film „The Folk Singer – A Tale Of Men, Music & America“ von Independent-Filmemacher M.A. Littler – der im Übrigen höchstselbst die drei Festival-Tage vor Ort war, great to meet you, El Commandante!

Wenn’s am Schönsten ist, soll man aufhören, die Nummer hat beim Raut-Oak Fest 2018 funktioniert wie selten sonst wo. Auch wenn sich eine nicht zu unterdrückende Wehmut über das Ende eines lange herbeigesehnten großartigen Musik-Wochenendes und über das Abschiednehmen für eine ganze Weile von vielen Freunden und Bekannten einstellte, es konnte nach einem derartigen Auftritt nichts mehr kommen, was da noch einen draufzusetzen vermochte.

Immerwährender und herzlicher Dank an Veranstalter Christian Steidl und seine vielen helfenden Hände beim Aufbau, Catering, Organisieren, Stemmen gegen die Widrigkeiten der Witterung, very special thanks an Jay Linhardt für einmal mehr fantastischen Sound, an Mark „Eisi“ Icedigger für charmanteste Anmoderationen, und schlichtweg an alle, die da waren, anregend kommuniziert, wunderbarst musiziert und aufmerksam zugehört haben.

Diejenigen, die nicht dabei waren, dürfen sich jetzt dranmachen, ihre dritten Zähne aus Ober- und Unterkiefer zu fieseln und sich sodann damit selbst in den Allerwertesten beißen – denjenigen Gesegneten aber, die es erleben durften, wird es noch viele Monde lang Tränen des Glücks in die Augen treiben, wenn sie in Erinnerungen an dieses feine, familiäre, mit Sachverstand und Brennen für die Musik zusammengestellte Festival schwelgen, und sie werden in vielen in der Zukunft liegenden Jahren noch ihren Enkelkindern davon erzählen.

Raut Oak 2019: Die 2018er-Ausgabe wird kaum mehr zu toppen sein (andererseits: das stand bereits hier vor einem Jahr zum 2017er-Aufgalopp zu lesen, insofern: dem sehen wir völlig entspannt und zuversichtlich entgegen), aber selbst wenn es im nächsten Jahr auch nur annähernd so gut wird wie heuer, wird es immer noch absolut grandios sein. Versprochen. Auch wenn es (wieder) geschliffene Handbeile schiffen sollte. Insofern Vorfreude pur auf 2019 – so Gott & Christian Steidl & der Grundstückseigner vom Open-Air-Gelände wollen: we’ll meet again!

Soul Family Tree (44): Mississippi John Hurt

„The whole sound & vision just nailed me & here I am now, 34 years later, still looking & listening to John Hurt for strength, inspiration & rock & roll/blues transcendentalism. I’ve taken his music with me everywhere I’ve gone, over the last three decades of touring & wandering the planet, & it’s never let me down.“
(Peter Case)

„If it wasn’t for Mississippi John Hurt, I would not be making music at all.“
(Ben Harper)

Die Legende will wissen, dass dem großen spanischen Klassik-Gitarristen Andrés Segovia einst ein begeisterter Schüler Songs von Mississippi John Hurt vorspielte, worauf der Meister verwundert wie begeistert fragte, wer denn der zweite Gitarrist auf den Aufnahmen sei. Die simple Wahrheit war: da war kein zweiter Musiker an den Einspielungen beteiligt, und das sagt im Wesentlichen eigentlich bereits alles über das erstaunliche Talent des kleinen Mannes aus Carroll County/Mississippi: John Smith Hurt, im März 1892 in dem US-amerikanischen Südstaat geboren, den er als Musiker als zweiten Vor- bzw. Künstlernamen benutzte – der großartige Mississippi John Hurt, herausragende Figur des Country-, Folk- und Piedmont-Blues, der hinsichtlich musikalischem Background eigentlich aus einer weitaus älteren, Prä-Blues-/Ragtime-Tradition kam und diese Old Time Music auch Zeit seines Lebens mitpflegte, um ihn dreht sich die heutige Black-Friday-Ausgabe.

Segovia konnte man seine Unkenntnis kaum vorwerfen, zu der Zeit, in der ihm die Hurt-Aufnahmen vorgestellt wurden, war über den Blues-Musiker kaum etwas bekannt. Außer einer Handvoll Songs, die in den Jahren 1928 und 1929 von Mississippi John Hurt eingespielt wurden, gab es von ihm keine Tonträger auf dem Markt, dieses Schicksal teilte er in jenen Jahren mit Stil-prägenden Delta-Blues-Größen wie Charlie Patton, Robert Johnson, Son House oder Skip James.
Hier zum Einstieg der Song „Stack O‘ Lee“ in historischer Aufnahme aus dem Jahr 1928:

Die wahre Geschichte vom Mord an Billy Lyons durch den Spitzbuben „Stag“ Lee Shelton in St. Louis/Missouri zur Weihnachtszeit 1895 ist erstmals 1911 in Text und Noten veröffentlicht und 1923 in einer Aufnahme der Waring’s Pennsylvanians auf Schallplatte gepresst worden. In den folgenden Jahrzehnten wurde der Song als „Stagger Lee“, „Stagolee“ oder „Stack O‘ Lee Blues“ unzählige Male von unterschiedlichsten Interpreten wie Cab Calloway, Woody Guthrie, Wilson Pickett, Taj Mahal, den Grateful Dead oder Nick Cave (um nur einige wenige zu nennen) neu eingespielt, die Fassung von Mississippi John Hurt gilt als „definitive version“. Bereits die wenigen Aufnahmen vom Ende der Zwanziger Jahre des letzten Jahrhunderts zeigen Hurt als absolutes Ausnahmetalent, niemand sonst spielte zu der Zeit die akustische Gitarre mit einem exzellenten, synkopischen Picking wie er, gepaart mit diesem völlig tiefenentspannten, für ihn typischen Gesang ragte er damit aus dem Gros der anderweitig sicher alles andere als untalentierten Blues-Urväter heraus.
Das Gitarrenspiel brachte sich Hurt im Alter von neun Jahren selbst bei, in seiner Jugend spielte er Old-Time Folk Music auf Tanzveranstaltungen und im privaten Rahmen, ab und an begleitet von zwei weißen Mitmusikern an Fiddle und Gitarre, von denen ihm der Geiger zu seinen ersten Plattenaufnahmen in Memphis im Februar 1928 und später im Dezember im fernen und kalten New York verhalf, eine vom Heimweh geprägte Erfahrung im weihnachtlichen Big Apple, die John Hurt zum „Avalon Blues“ inspirierte, davon wird noch die Rede sein. Seinen Lebensunterhalt verdiente sich Hurt als Pächter einer Farm, dabei blieb es bis auf weiteres auch nach seinen ersten Plattenaufnahmen, die in den späten Zwanzigern alle floppten, rare 78-rpm-Schellacks, von Okeh Records veröffentlicht und vertrieben, einem auf den afroamerikanischen Markt spezialisierten Race-Records-Label.

Ab 1952 erfreute sich die Musik von Mississippi John Hurt wieder eines gesteigerten Interesses, ausgelöst durch die „Anthology Of American Folk Music“, einer Sammlung von sechs Alben mit historischen Folk-, Blues- und Country-Aufnahmen, die in den Jahren 1927 bis 1933 entstanden und vom experimentellen Filmemacher Harry Smith aus seinem privaten Schellack-Fundus zusammengestellt und beim renommierten New Yorker Folkways Label von Moe Asch veröffentlicht wurden. Die Compilation gilt gleichermaßen als Auslöser, Bibel und Meilenstein des amerikanischen Folk Revivals in den Fünfzigern und Sechzigern, Mississippi John Hurt war darauf mit den beiden Nummern „Frankie“ und „Spike Driver Blues“ vertreten, neben bekannteren und zum Teil heute auch völlig vergessenen Musikern wie der Carter Family, Furry Lewis, den Alabama Sacred Harp Singers, Blind Willie Johnson und vielen anderen.

1963 entdeckte der Musikwissenschaftler Dick Spottswood eine Kopie des „Avalon Blues“, was ihn und die beiden Folk-Forscher Tom Hoskins und Mike Stewart nach jenem ominösen Avalon in den Atlanten suchen ließ, das ein vom Heimweh geplagter armer Farmer namens John Hurt auf einer geborgten Gitarre begleitet als seine Heimstatt besang, „always on my mind“, dummerweise war dieser Ort auf den aktuellen Mississippi-Landkarten nicht zu finden. Ein historischer Atlas aus dem Jahr 1878 gab schließlich Hinweis auf ein entsprechendes Nest irgendwo zwischen Greenwood und Grenada, was Hoskins und Stewart die Koffer plus Aufnahmegerät packen und Richtung Süden aufbrechen ließ, den Ort Avalon gab es tatsächlich noch in Form eines Country Stores, in dem die beiden bei ihrer Ankunft ein paar Laden-Rumlungerer fragten, ob sie je von einem Mississsippi John Hurt gehört hätten, worauf einer der Hang-Arounds prompt mit der Adresse des Gesuchten herausrückte: „A mile down that road, third mailbox up the hill. Can’t miss it“, und der erste, vom unerwarteten Auftauchen der Weißen verschreckte Traktor-Fahrer, den sie dort antrafen, war dann prompt der legendäre Blues-Musiker – wie sagt der Amerikaner in so einem Fall immer so schön: It seemed like a million-to-one shot had just paid off.

Der Rest ist Geschichte: Hoskins überredete Hurt zu neuen Aufnahmen, nachdem er sich davon überzeugte, dass der Musiker nach wie vor über diese außergewöhnlichen Fähigkeiten an der Gitarre verfügte, Mississippi John Hurt nahm ab 1963 unter professionellen Bedingungen neues Material und Interpretationen seiner frühen Blues-, Country-, Folk- und Gospel-Songs für das von Dick Spottswood gegründete Indie-Label Piedmont Records, das Vanguard-Label und die Library Of Congress auf, grandiose Auftritte beim berühmten Newport Folk Festival, seinem Ableger in Philadelphia und in der Johnny-Carson-Show ließen zahlreiche Konzerte in Coffee Houses und Universitäts-Hallen folgen und machten den sanften kleinen Mann mit der weichen Stimme und dem sensationellen Saiten-Anschlag im Zuge des Folk-Revivals im gesetzten Alter von 71 Jahren zum Star und zur lebenden Legende des Folk-Blues.

Allzu lange konnte sich der Ausnahme-Musiker leider nicht mehr an seinem späten Ruhm erfreuen. Am 2. November 1966 haben ihn die Engel an die Pforten des himmlischen Avalon geleitet, der großartige Mississippi John Hurt, einer der begnadetsten Musiker, der je über diese Erde wandelte, ist an dem Tag im Alter von 74 Jahren im Krankenhaus seines heimatlichen Grenada County einem Herzinfarkt erlegen.
Sein Widerhall in der nachkommenden Musikwelt ist bis heute kaum zu ermessen, Einflüsse seines Stils finden sich im Blues, Folk, Swing, Country, Bluegrass und Rock ’n‘ Roll, seine Songs wurden von Größen wie Jerry Garcia und den Grateful Dead, Gillian Welch, Rory Block, Doc Watson und Bob Dylan gecovert, American-Primitive-Guitar-Meister John Fahey widmete ihm das „Requiem For Mississippi John Hurt“.

2001 erschien beim traditionsreichen New Yorker Folk- und Jazz-Label Vanguard Records der Sampler „Avalon Blues: A Tribute To The Music Of Mississippi John Hurt“, eine würdige Verneigung nachgeborener Musiker_Innen vor dem Werk der Country-Blues-Legende, unter Federführung von Folk-Rocker Peter Case interpretierten Größen wie Steve Earle, Taj Mahal, Gillian Welch und John Hiatt nebst weiteren eine Auswahl an John-Hurt-Songs, die herausragende, mit Abstand ergreifendste Arbeit der Sammlung steuerte Alternative-Country-Ikone und Grande Dame des Genres Lucinda Williams mit ihrer Version von „Angels Laid Him Away/Louis Collins“ bei. Bereits 1979 glänzte sie auf ihrem Debüt-Album „Ramblin'“ mit dem Traditional „Make Me A Pallet On The Floor“, das Mississippi John Hurt ein halbes Jahrhundert zuvor erstmals einspielte und das auf jeder halbwegs vernünftigen Best-Of-Sammlung des Musikers enthalten ist.

Mit der Empfehlung beziehungsweise dem Erwerb einzelner Tonträger von Mississippi John Hurt kann man im Grunde nicht daneben greifen, nachdem der aufgezeichnete Output des Musikers letztendlich überschaubar ist, liegt man weder bei der exzellenten Vanguard-Zusammenstellung „Rediscovered“ (1998) falsch noch bei der im letzten Jahr erschienenen Sony-Legacy-Sammlung „American Epic: The Best Of Mississippi John Hurt“ mit allen erhaltenen, historischen, restaurierten Aufnahmen aus dem Jahr 1928, genauso wenig wie mit regulären Veröffentlichungen wie „Today!“ (1966), „Worried Blues“ (1964), der Library-Of-Congress-Serie oder letztendlich jeder einigermaßen sorgfältig zusammengestellten Best-Of-Compilation: Wo Mississippi John Hurt draufsteht, ist pures Gold drin.

Zum Schluss ein historisches Gusto-Stück der Fernseh-Geschichte: Episode 36 aus Pete Seegers TV-Show „Rainbow Quest“, unter anderem mit dem grandiosen Mississippi John Hurt als Gast: