Sunn O))) + Caspar Brötzmann @ Backstage, München, 2019-10-07

Dekonstruktion der Harmonien, Zersetzung der gängigen Songstrukturen und das Infrage stellen jeglicher Melodik in zwei experimentellen und vehementen Ansätzen zum Wochenstart in der großen Werk-Halle des Münchner Backstage. Den ersten Akt der lärmenden Klang-Erschütterungen bespielte der Wahl-Berliner Caspar Brötzmann, wer eine wie zu früheren Gelegenheiten zelebrierte, wuchtige Noise-Rock-Eruption in der Powertrio-Besetzung des Caspar Brötzmann Massaker erwartete, sollte sich am Montagabend ge- und bisweilen auch enttäuscht sehen. Statt seine jaulende Fender-Gitarre zu traktieren, angetrieben von massiv polternder Bass/Drums-Begleitung seiner früheren Mitmusiker, irgendwo zwischen ausgelebten, avantgardistisch improvisierten No-Wave/Krach-Phantasien und dem Transport wie der Fortschreibung des Hendrix’schen Genius, gab sich Brötzmann für dieses Mal solistisch die Ehre. Ohne Stromgitarre, mit einem elektrischen Sandberg-Bass, lotete der Musiker die Möglichkeiten der vier Saiten zur dissonanten Klang-Kollage aus, unter dem thematischen Aufhänger seines neuen Ein-Mann-Projekts Bass Totem, benannt nach einer Nummer vom 1992er-Album „Der Abend der schwarzen Folklore“ seiner ehemaligen Band. „Ich spiele aber nicht ganz normal Bass, das ist mir zu langweilig. Der Bass ist für mich eher wie eine Gitarre mit tiefer tönenden Saiten. Damit kann ich tolle Sachen machen“, äußerte sich Brötzmann im vergangenen Sommer in einem Interview mit der Berliner taz. Tolle Sachen hat er tatsächlich gemacht, virtuos und experimentierfreudig im forschenden Geist, mit schwer dröhnenden Sounds, erschüttenden Verzerrungen, verstörenden Feedbacks, in unkonventionellen Saitenanschlägen, mit Hämmern der Fäuste auf Gitarren-Hals und -Kopf. Das erratische Lärmen, Brummen und Rückkoppeln im freigeistigen Fluss zieht naheliegend seine Einflüsse aus dem charakteristischen, energischen Saxophon-Spiel seines Altvorderen Peter Brötzmann, der seit einem halben Jahrhundert unkonventionell „brötzenden“, international renommierten Gallionsfigur des deutschen Free Jazz, wie aus dem harten, psychedelischen Rock der Gitarristen-Helden der Siebziger Jahre, die Caspar Brötzmann beizeiten mit dem Einsatz von aufjaulenden Wah-Wah-Pedals zitierte. Nicht jeder mochte die Tragfähigkeit dieses rumorenden, in tiefen Dröhnungen, intensiv scheppernden Solo-Konzepts über die vollen 40 Minuten zugestehen, etliches an Phrasierungen fand keinen Ausweg aus der Wiederholungsschleife, wer damit im Vorprogramm bereits seine Probleme hatte, sollte beim monotonen Endlos-Flow des Hauptacts kaum Linderung erfahren.
Diejenigen, die das voluminösere Orkan-Wüten des Massakers an diesem Abend vermissten, können sich alternativ an den wiederveröffentlichten Longplayer-Perlen von Brötzmann und seiner Band wie „Black Axis“ oder „The Tribe“ schadlos halten, die Alben sind als remasterte Versionen kürzlich beim amerikanischen Experimental-Metal-Label Southern Lord der beiden Sunn-O)))-Gitarristen Greg Anderson und Stephen O’Malley erschienen, und damit war klar, warum sich der deutsche Ausnahmegitarrist aus Wuppertal als Begleiter für die Tour der US-Drone-Metal-Institution aus Seattle/Washington in hiesigen Landen förmlich aufdrängte.

Die Veranstalter des Münchner Feierwerks verlegten den Auftritt von Sunn O))) im Rahmen der aktuellen Tour in die geräumigeren Örtlichkeiten des Backstage-Areals, nachdem beim letzten rituellen Klangrausch im Herbst 2016 die Halle des Hansa39 hinsichtlich Besucherandrang aus allen Nähten platzte. Durch mehr räumlichen Komfort hielten sich die klaustrophobischen Anwandlungen in der obligatorisch dichten, die Sicht komplett verhüllenden Trockeneis-Suppe zu Beginn des Konzerts etwas in Grenzen – zum erwarteten, vollumfänglichen Angriff auf nahezu alle Sinnesorgane und die Physis als solche geriet die über 90-minütige Wall-Of-Sound-Erschütterung unter dem Motto „Let There Be Drone“ im mystischen Nebel trotzdem einmal mehr.
Spürbare Vibrationen im Vollkörper-Kontakt, unfassbare, berstene Lärm-Erschütterungen im Zeitlupen-Tempo, die das Hörvermögen trotz Ear-Plugs auch Tage später nicht verzeiht, bei gleichzeitiger Kontemplation und meditativer Versenkung in den dröhnenden Klangwellen, damit sieht sich das Konzertvolk gemeinhin konfrontiert, sollte es sich den rituellen Exerzitien der experimentellen Metal-Formation um die beiden Drone-Doom-Größen Greg Anderson und Stephen O’Malley hingeben. Wie stets einheitlich in mittelalterliche Kutten gewandet, geriet der diesjährige Auftritt der Musiker von Sunn O))) zur rein instrumentalen Aufführung, der gelegentlich bei Konzerten begleitende Sänger Attila Csihar war heuer nicht zu Gast.
Stephen O’Malley erging sich im steten Flow über eineinhalb Stunden in zähen, an der Nähe zur Unkenntlichkeit deformierten, dunkel schwärenden Gitarrenriffs, die weder Melodie noch Rhyhtmus erkennen ließen, „Musik“ in völligen Auflösung von Grenzen und Strukturen, seine an berstende Dämme und in sich zusammenfallende Mauern erinnernden Neudefinitionen von atonaler Langsamkeit begleitete Greg Anderson kongenial an seiner Gibson in gleicher Tempo-Reduzierung nahe am Stillstand in gedehnter Feedback-Aussteuerung. Weder auf Tonträgern der Band noch in der konzertanten Katharsis sind konventionelle Songs auch nur annähernd zu erkennen, der Sound der beschwörend gestikulierenden Drone-Mönche ist ein gründlich zermürbender Mahlstrom, eine einzige und vor allem einzigartige Herausforderung an die Hörgewohnheiten, die Negierung von allem, was in der herkömmlichen Rockmusik als konventioneller Standard gilt. Pausen und Tempi-Wechsel gibt es nicht in dieser gedehnten Grenzerfahrung für Leib und Seele, tiefes Bass-Brummen und diverse Ambient-Abtraktionen aus Moog und anderen Synthie-Gerätschaften verleihen dem schwergewichtigen, minimalistischen Gitarren-Mäandern lediglich mehr Volumen, lassen aber keineswegs weitere virtuose Blumen blühen. Die atonale Trance-Erschütterung erfährt erst gegen Ende des Konzerts einen Funken Farbe und Varianz durch gepflegten, gedehnten Doom-Jazz aus der Posaune, der sich – einem jüngsten Gericht gleich – in der finalen Sound-Apokalypse im weißen Rauschen und in übersteuerten Feedbacks auflöst.
Konzert-Enden bergen bei Sunn O))) vor allem etwas von Erlösung in sich, wo zu anderen Gelegenheiten nach Zugaben verlangt wird, hatten die am Montag zusätzlich angehängten zehn Minuten kaum Mehrwert, der reguläre Set reichte beim Publikum völlig zur Erschütterung der mentalen Grundfeste. Dreingabe wird es in diesem Jahr nach der im Frühjahr erschienenen LP „Life Metal“ und der laufenden Tour noch eine weitere geben, mit der zweiten 2019er-Veröffentlichung der Band, das Album „Pyroclasts“ ist für den 25. Oktober angekündigt.

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Reingehört (547): The Fifth Alliance

The Fifth Alliance – The Depth Of The Darkness (2019, Burning World Records / Init Records / Consouling Sounds / Bharal Tapes)

„It’s the end of the world as we know it, and I feel fine“: Hier wird mal wieder unser schöner Planet von der Apokalypse heimgesucht, nach allen Regeln der Kunst und ohne jegliche Aussicht auf Erlösung, auch wenn’s im Intro der meisten Songs fürs Erste nicht so hoffnungslos scheint, wie es später im Höllenschlund eingekocht wird. Das Quintett The Fifth Alliance aus dem niederländischen Breda veröffentlicht Ende des Monats ihren dritten Longplayer „The Depth Of The Darkness“, und mit dem Titel ist im Wesentlichen bereits alles gesagt: Rabenschwarze Finsternis als das Ende vom Bach, den diese Welt in ihrem desolaten Zustand hinuntergeht. Kultur- und jeglicher anderer Pessimismus zu kompromissloser Tonkunst in fünf ausladenden Sätzen komponiert. Wo melancholisch getragene, hypnotische Postrock-Opulenz in düsterer Gemütslage eingangs zusammen mit Karl Valentin darüber grübeln lässt, ob es am Ende vielleicht doch nicht so schlimm kommt, wie es bereits ist, sorgt die Band im weiteren Verlauf des massiven Dräuens mit unzweideutiger, geballter Doom/Sludge/Black/Post-Metal-Ansage für ernüchternde Endgültigkeit: es wird zappenduster. Die beklemmend lärmenden Brachial-Kaskaden der Instrumental-Abteilung deuten bereits in Richtung finstere Kerker und schaurige Untergeschosse, das kehlige Röcheln und Grollen von Sängerin Silvia Saunders räumt letzte Zweifel aus, wo der Dämon haust und der Bartel den Most holt. Titel wie „Black“, „Hellfire Club“, „Aleister“ und verbales Pentagram-Gefuchtel vom Schlage „Love 666, the new Religion“ sind mit dem gebotenen Abstand zur Thematik und einem ironischen Grinsen zu konsumieren, bei fehlender mentaler Distanz zu diesem Teufelszeug suchen Sie bitte umgehend den nächsten Exorzisten Ihres Vertrauens auf.
„The Depth Of The Darkness“ erscheint am 30. August, und jetzt wird’s tatsächlich kompliziert: Als Vinyl im alten Europa bei Burning World Records, in USA bei Init Records, als Compact Disk bei Consouling Sounds, und im Cassetten-Format bei Bharal Tapes. Die Höllentore sind derer viele, aber das ist im Albtraum der Parallelwelt jenseits der Klangmalerei nicht anders…
(**** ½ – *****)

Napalm Death, Misery Index, Full Of Hell, The Body @ Backstage, München, 2019-07-10

Die UK-Grindcore-Pioniere von Napalm Death am vergangenen Mittwochabend zu Gast in der Backstage-Halle, wie nicht selten zu diesen Veranstaltungen zur Aufführung der ultraharten Rockmusik an selbem Ort im Verbund mit mehreren Support-Bands. Extreme-Metal-Mini-Festival, quasi, mitten unter der Woche.

Wer beim Bandnamen The Body an das australische Supermodel Elle Macpherson dachte, konnte nicht falscher liegen zum Auftritt des amerikanischen Experimental-Metal-Duos aus Providence/Rhode Island, der voluminöse, durch die verzerrenden Gerätschaften gejagte, permanent zum Atonalen drängende Klangkörper der Formation oder der wuchtige Bauchumfang von Gitarrist/Brüller Chip King lagen da weit näher bei der Assoziation zur Etikettierung der Combo als weiblicher Liebreiz. The Body sind beim renommierten US-Indie-Label Thrill Jockey Records unter Vertrag und derzeit unter anderem mit Firmen-Kollege Marc Richter vom Hamburger Dark-Ambient-Ein-Mann-Projekt Black To Comm im alten Europa unterwegs, in München reihten sich King und sein trommelnder Kompagnon Lee Buford in anderer Konstellation in den Konzertbetrieb ein und eröffneten mit einem kurzen Set zu früher Stunde die lärmende Vollversammlung des Abends. Spoken-Word-Samplings und Ethno-Sounds aus der Konserve ergänzten das dissonante Dröhnen von Gitarrist Chip King, der in kurzen Nummern monoton mit gedehntem Gitarrenriff-Drone den experimentellen Doom-Noise für das Publikum körperlich spürbar durch die Anlage presste, im Ansatz den meditativen Lärm-Trance-Erschütterungen der Kollegen von Sunn O))) nicht unähnlich. Das „Singen“ beschränkte sich beim Gitarristen auf kurzes, abgehacktes, Slogan-artiges Plärren, inhaltlich nicht zu differenzieren und von Drummer Buford mit freier Rhythmik halbwegs in vertraute Strukturen geformt. Der von jeglichen Konventionen losgelöste Sludge/Doom/Drone-Ansatz im Spannungsfeld von DIY-Ethos und experimentellem Ausloten der Grenzen zwischen Song und formlosem Flow war ein kurzes, heftiges Fest für alle Freunde der Genre-übergreifenden Lärm-Avantgarde.

Noch weitaus mehr kompromissloser präsentierten sich die US-Ostküsten-Formation Full Of Hell im Ausleben ihrer Powerviolence-, Grindcore- und Death-Metal-Tobsucht. Atonaler Terror, der Veitstanz an der Grenze zum Irrsinn von Bandleader Dylan Walker als frontale und schonungslose Hardcore-Performance und ein Vokal-Vortrag, der weit mehr mit permanentem Brechreiz als mit verständlicher Artikulation gemein hatte – Mittel und Ausdrucksform zum Herausspeien der mentalen Befindlichkeiten, als große Radikal-Kunst und entsprechende Extrem-Reaktion auf den „Collapse of the Western Society“, wie Walker gegen Ende des intensivst vorgetragenen, brachial überwältigenden Sets anmerkt. Manchmal ist Krach einfach nur Krach und entfesseltes Gebrüll die einzige Alternative zum Talent-freien Vortrag, bei Full Of Hell jedoch weit mehr ein heftiges Entladen der aufgestauten Wut, der zornige Ingrimm in aberwitziger Raserei und Statement zum Zustand der Welt im ureigenen Sendungsbewusstsein.

Den dritte Streich der lautstarken Attacken des Abends vor dem Hauptact wuchteten Misery Index aus Baltimore auf die Bühnenbretter. Das Crossover der Band aus Death Metal und Grindcore bestach weit mehr durch sportliche Spitzenleistungen am Gitarren- und Bass-Griffbrett und große Metaller-Posen denn durch kompositorische Varianz, das Terrorizer-Cover fügte sich nahtlos und nicht zu unterscheiden ins eigene Gewerk aus Highspeed-Heavy-Gepolter und kehligem Gegröle, in dem sich Frontmann/Basser Jason Netherton kritisch mit den Verwerfungen der modernen Gesellschaft auseinandersetzt – Death-Brüller-Breitseite mit Message, so man sie denn verstehen würde. Das Neil-Young-Prinzip in die wundersame Welt des Metal transformiert: „It’s all one song“. Die Austauschbarkeit der Nummern war der zahlreich anwesenden Gefolgschaft einerlei, der in der zeitlichen Länge über Gebühr strapazierte Gig sowieso, und damit war das Feld bestellt für fröhliches Schubsen im ersten Mosh Pit des Abends.

„Art reflects life. Extreme times demand extreme responses. Silence sucks. Noise is always the answer“. Ein Statement, das Frontmann Barney Greenway und seine Mitstreiter der englischen Extreme-Metal-Institution Napalm Death ohne Abstriche unterschreiben und vor allem leben, heute wie in den vergangenen drei Dekaden, in denen die Band zahlreiche personelle Umbesetzungen und stilistische Wandel vom frühen Anarcho- und Crust-Punk hin zum ultra-schnellen Grindcore und beinharten Death Metal durchlief. Der Sound mochte sich ändern, linkes Bewusstsein und Aufbegehren gegen das Establishment blieb Inhalt. Am Mittwochabend ließ die Combo ihre Historie in einer repräsentativen Auswahl vom „Scum“-Debüt aus dem Jahr 1987 bis hin zu aktuelleren Nummern Revue passieren, in kurzen, vehementen Hauern, im Extrem in den berühmten, wenige Sekunden dauernden, Guinness-Buch-gewürdigten Song-Konzentraten, die in der schroffen und ruppigen Live-Präsentation weit mehr Anlehnungen an den amerikanischen Hardcore-Punk als an die gängigen Metal-Klischees offenbarten. Napalm Death sind 2019 unvermindert kompromisslos und radikal in schwer lärmenden, sich überschlagenden und kollabierenden Dissonanzen, im High-Speed-Tempo von Gitarre und Drums und den polternden, extrem dröhnenden Bassläufen. Frontmann Barney Greenway gibt sich unzweideutig und höchst unterhaltsam in seinen sozialkritischen und politischen Ansagen, im brachialen Grollen zum instrumentalen Überdrehen seiner Begleiter, wie im linkischen Monty-Python-Getänzel über die Bühne, mit dem sich der belesene Fürsprecher aller Free Thinker und Non-Believer als schwer sympathischer, Genre-untypischer Vorturner einer der extremsten und altgedientesten Death- und Grind-Metal-Combos präsentiert. Moshen, Crowdsurfing und Slammen mit hohem Spaß-Faktor und politisch klarer Kante gegen Rechts, da durfte selbstredend die bekannte Coverversion „Nazi Punks Fuck Off“ aus der Feder von Dead-Kennedys-Lautsprecher Jello Biafra in der einstündigen Werkschau nicht fehlen. Themen wie Globalisierung, Neoliberalismus und die gesellschafts/weltpolitischen Verwerfungen unserer Tage prangert kaum jemand radikaler, kompromissloser und lautstärker an als die vier Briten von Napalm Death, und in der Form ist das ohne Zweifel eindringlicher und nachhallender als alles Protest-Folk-Gejammer jeglicher dahergelaufener Schrammelgitarren-Klampfer.

dunk!Festival 2019 @ Zottegem/Velzeke, Belgien, 2019-05-31

#dnk19, Tag 2: Kick-Off auf großer Bühne mit der belgischen Formation Mantis, die gefälligen Postrock mit viel Druck, Postpunk-Drive und einem ausgeprägten Gespür für das dramatische Momentum präsentierte, unterlegt mit synthetischen Keyboard-Wallungen, irgendwo eingependelt zwischen einschmeichelnder Melodie und geschliffener Härte, und damit sicher nicht die schlechteste Wahl für eine schwungvolle Auftakt-Veranstaltung. Hätten sie mit dem von ihnen selbst postulierten „PogoJazz“ ernst gemacht, wären sie aus der Masse der aufwartenden, klassischen PR-Bands weit heraus gestochen. Auf der Main Stage folgten später Baulta aus Finnland, die solide Postrock-Kost nach allen Regeln der Kunst lieferten, Laut-Leise-Emotionen, melodische Dramen, wummernde Bässe und sphärischen Flow, was eben so die gängigen Muster dieses Genres vorgeben. Für sich betrachtet völlig respektabel, aber eben auch hier das Problem der latenten Beliebigkeit, wie tags zuvor beim Auftritt der US-Band Coastlands. Und das sollte sich an diesem Nachmittag beim Gig der amerikanischen Landsmänner von Pillars aus Indianapolis nicht viel anders verhalten: dichte Soundwände, sphärische Klanglandschaften und heftige Wallungen, oft in der oder ähnlicher Form gehört und damit in der Falle der Austauschbarkeit gelandet.

Den Reigen im Wald eröffnete zwischenzeitlich die Formation Wanheda aus Leuven, die ihrer Spielart des Postrock neben unvermittelten Tempi-Wechseln, geschliffener Postmetal-Härte und einem Reichtum an Melodien vor allem durch unkonventionelle Elemente wie sporadische Indie-/Prog-Rock- und moderne Blues-Phrasierungen eine individuelle Note angedeihen ließen, da waren speziell mit den Gitarristen geübte Könner am Werk, die getragen von einer soliden Rhythmus-Abteilung und eingewebten Keyboard-Klängen die Varianz aller möglichen Soli und Riffs aus dem Effeff beherrschten. Wanheda nutzen die Gelegenheit zur Vorstellung ihrer tonalen Kunst vor großem Publikum optimal und präsentierten sich als junge, aufstrebende Band mit viel Spielfreude und Engagement für das eigene Gewerk, so, wie die bis dato weithin unbekannten, exzellenten Bands wie Black Narcissus und Am Fost La Munte și Mi-a Plăcut tags zuvor, die später folgende Formationen Statue oder Summit in der finalen Festival-Runde. Das dunk! wird mit diesen Acts nach wie vor dem Ruf gerecht, neben prominenten Musikern den lokalen belgischen und internationalen Newcomern der Szene reichlich Raum und Zeit zur Vorstellung ihrer Werke zu geben, weit davon entfernt, die Bands der neuen Generation als füllendes Vorprogramm zu verheizen, und damit wiederholt für angenehmste Überraschungen zu sorgen.

Mit entspanntem Rumlümmeln vor der Waldbühne und Berieseln-lassen vom entrückten Postrock-Wall-Of-Sound war es vorbei mit dem Auftritt des deutsch-belgischen Trios Go March aus Antwerpen. Die Band veröffentlichte 2018 ihr aktuelles Album „II“ und tourte bereits mit Postrock-Größen wie Maserati oder Trans Am, ihre instrumentale Vollbedienung wird andernorts als „Mogwai meets Kraftwerk“ beschrieben, und damit lässt sich ungefähr auf den Punkt bringen, was den Sound der drei Klangtüftler ausmacht: Erbauliche Krautrock-Melodien treffen auf exzellent fließende Space-Electronica, Uptempo-Trance und Ambient, selbst die Welt der Siebziger-Disco ist Go March nicht gänzlich fremd, wie ein Giorgio-Moroder-Tribute in den Streaming-Diensten zeigt. Massiv getrieben und befeuert wird dieser instrumentale, experimentelle Progressive-Crossover vom analog erzeugten 120bpm-Techno-Beat von Drummer Antoni Foscez, der mit seinem stoischen wie intensiven Anschlag jede maschinelle Beatbox in ihre Einzelteile zerlegt und somit obsolet macht. Damit war der Aufforderung zum Tanz unmissverständlich Ausdruck gegeben, der die jungen Hüpfer in vorderster Bühnenfront postwendend gerne abzappelnd nachkamen und damit die alten Säcke zum gefälligen Mitnicken in die hinteren Hügelregionen der Forest Stage verwiesen. Großer Trance- und Tanz-Sport und damit ein absolutes Festival-Highlight.

Repetitiven Trance-Flow ließen auch die sechs belgischen Musiker von Statue durch das Harz-verklebte Geäst des Open-Air-Areals vor der Waldbühne schallen, mit vier Gitarren, Bass und Schlagzeug erging sich die Band in ausladenden, ineinander greifenden Soli, rhythmisch angeschlagenen Riffs und stoischem Beat, im selbstredend schwer Gitarren-dominierten Sound fanden sich psychedelische Krautrock-Elemente, lärmende, abstrakte Post- und Noise-Rock-Drones wie der für die Siebziger urtypisch krachende, latent dissonant knarzende, scharfe Anschlag des Glamrock und Protopunk, die Combo verstand es meisterhaft, das Publikum mit diesem schier endlos vor sich hin mäandernden Konglomerat hypnotisch in ihren Bann zu ziehen. No-Wave-Altmeister wie Glenn Branca oder Rhys Chatham wären wohl vor Freude durch den Baumbestand getanzt, und ausgewiesene Gitarristen-Granaten dieser Preisklasse wie Lee Ranaldo, Thurston Moore oder Tom Verlaine in Polonaise wahrscheinlich gleich hinterher…

Mit Wang Wen 惘闻 aus der chinesischen Hafenstadt Dalian präsentierte das Festival am späten Freitag-Nachmittag alte Bekannte der asiatischen Postrock-Szene. Die Stars aus dem Reich der Mitte brachten frischen Schwung in das Zelt und untermauerten einmal mehr die These, dass in China in größeren Dimensionen gedacht wird, sei es geopolitisch, historisch oder eben in der reichhaltigen Komposition der instrumentalen Postrock-Epen. Die Band verwebte melancholische Gitarren- und Keyboard-Schichten zu einem voluminösen Klangteppich, der durch Bläsersätze und Glockenspiel bereichert wurde, sich zuweilen zu einer wuchtigen Tsunami-Front auswuchs und in den entschleunigten Momenten nicht selten von einer entspannten Jazz-Lounge-Eleganz dominiert wurde. Die Musiker waren bei ihrem Vortrag völlig bei sich, die sprichwörtliche Ruhe im Auge des Hurrikans. Eine ähnlich facettenreiche, weit über die Grenzen des Genres hinaus denkende Spielart des Postrock sollten nur noch die chinesischen Landsmänner von Zhaoze 沼泽 am folgenden Tag zuwege bringen. Wang Wen 惘闻 veredelten das dunk!-Festival mit einem herausragenden, individuellen und unkonventionellen Ansatz, wie sie das vergangene Konzertjahr mit ihrer München-Premiere in weitaus kleinerem Rahmen bereicherten.

Die Spanier von Malämmar bezeichnen ihr lärmendes Gewerk selbst als „instrumental doom/metal by 3 assholes“ – sympathisches Understatement, dabei gehört kaum eine andere Band so zwingend zu diesem Festival wie die drei Rabauken aus Barcelona, Gitarrist Xavi Forne ist neben seinem Engagement in der Band der kreative Kopf hinter dem Studio Error! Design, das für die Entwürfe der Festival-Poster und LP-Cover des dunk!-Unternehmens wie für viele andere kunstvolle, surrealistische Konzert-Plakate und T-Shirt-Logos von renommierten Postrock- und Indie-Bands verantwortlich zeichnet.
Beim diesjährigen Auftritt gaben Malämmar wie bereits in der 2017er-Auflage von der ersten Sekunde an mächtig Druck auf den Kessel, mit energetischem Punk-Rock-Gebaren und einer überbordenden Leidenschaft für das vorgetragene Gelärme preschten die Katalanen kompromisslos durch ihre Doom-Sludge-Instrumentals, die Grundfeste und das Wurzelwerk im Wald erschütternd, bebend und mit radikaler Wucht, wie die experimentellen Kuttenbrunzer von Sunn O))) in ihren dröhnendsten Momenten, dabei mit weit mehr kompositorischer Struktur und Uptempo-Drive unterwegs. Nach derartig dissonanter und platt wälzender Schwarzmetall-Breitseite konnten die Auftritte von A Swarm Of the Sun und Jozef Van Wissem beim besten Willen nicht funktionieren…

Beim sich schier endlos hinziehenden Zeitlupen-Postrock der schwedischen Formation A Swarm Of The Sun war Essenfassen und Biertrinken als genehmere Alternative angezeigt, man kann nur hoffen, dass bei diesem nahezu ereignislosen, in Selbstmitleid und abgrundtiefer Melancholie ertrinkenden Depressiv-Schub im großen Zelt niemand Hand an sich legte und zur finalen Selbstvernichtung schritt. Ein bunter Strauß an musikalischer Vielfalt wurde auch beim Auftritt von Jozef Van Wissem auf der Waldbühne nicht präsentiert, der niederländische Komponist brachte sein barockes Lautenspiel solistisch in meditativem Gleichklang ruhig dahinfließend zu Gehör, nachdem in den ersten zehn Minuten der Funken auf dem trockenen Tannennadel-Teppich partout nicht zünden wollte, war die Messe zu der Nummer schnell gelesen.

Für die Duisburger Zebras hätte es in der vergangenen Saison nicht schlimmer kommen können, Platz 18 in der Schlusstabelle im Unterhaus der Fußball-Bundesliga und damit ab in die Niederungen der 3. Liga mit dem Meidericher Spielverein, bei den Nachbarn von Kokomo muss man sich dagegen kaum mit Abstiegs-Ängsten plagen, die Auftritte der einzigen deutschen dunk!-Delegation zählen nach wie vor zum Top-Format der internationalen Speerspitze. Nach einigen Jahren der Abstinenz kehrte die Postrock-Institution aus dem Ruhrpott auf das Festival zurück, zu dem das Quintett zuletzt 2016 gleich zwei Gigs beisteuerte, neben dem regulären Zelt-Auftritt eine weitere spontan anberaumte, sensationell durch die Baumkronen gehende Show im Grünen, die vermutlich nicht unwesentlich zum Konzept und zur Etablierung der Waldbühne in den kommenden Jahren beigetragen hat. Der aktuelle Gig zu bester Sendezeit im Abendprogramm lässt sich mit den Worten „satte Wucht, schwere Geschütze, eine Handvoll neue Nummern“ auf den Punkt bringen, Kokomo verstehen es nach wie vor blendend, die oft ausgetretenen Pfade des Gitarren-dominierten Postrock weiträumig und breitflächig zu umgehen, mit drei Gitarren haben die Soundwände neben brachialen Erschütterungen auch immer die ein oder andere filigrane Nuance oder den sonst woanders nicht gehörten Riff im dunkel schimmernden Klangbild parat. Neben der charakteristischen, hymnischen Dramatik ihrer Nummern überzeugte die Band mit einem Indierock-artigen Song inklusive Gast-Gesangspart, ein löblicher, Genre-Grenzen-sprengender Ansatz, der spätestens mit dem finalen Abfeiern des grandiosen Live-Klassikers „Kaputt Finker“ zur reinen Lehre des instrumentalen Emotionsausbruchs zurückkehrte.

Mit dem letzten Wald-Auftritt des Freitags ging ein lange gehegter Wunsch in Erfüllung: Nachdem JR Robinson und Esther Shaw die Münchner Gestade auf Konzertreisen mit ihrem US-Experimental-Projekt Wrekmeister Harmonies konsequent weiträumig umschiffen, musste der Berg wohl zum Propheten nach Flandern reisen, um endlich dieser pastoralen Postmetal-Pracht im Live-Vortrag beizuwohnen. Der dunkle und fortgeschrittener Nachtzeit kühle und klamme dunk!-Wald bot die perfekte Atmosphäre für die tonale Reise ins Herz der Finsternis, zu der das Duo vor allem das grandiose Material des aktuellen 2018er-Albums „The Alone Rush“ präsentierte – schwermütige, erhabene Songs über persönliche Verluste, Einsamkeit und die Konfrontation mit dem unausweichlichen eigenen Verschwinden, in der Hoffnung auf das erlösende Licht, von Gitarrist Robinson abgeklärt als düsterer Desert-Blues-Prediger in tiefer, klagender Tonlage vorgetragen, begleitet vom ureigenen Postrock-Drone-Crossover, von geheimnisvollen Melodien und atonaler Doom-Dringlichkeit bipolar durchwirkt, mit tief ins Bewusstsein schneidenden, nachhallenden, schwarzen Metal-Gitarrenriffs, in Trance-artiger Versenkung und einer nahezu sakralen, ernsthaften Größe, zu der Esther Shaw mit ihrem musizierenden Gewerk maßgeblich beitrug – die zierliche Frau erdet mit melancholischen Keyboard-Klängen und einem exzellenten, getragenen Violinen-Spiel die resignierte Entrücktheit der Wrekmeister-Harmonies-Kompositionen, reduziert die Schärfe und lindert den Schmerz. Dabei ließ JR Robinson selbst in einer kurzen Ansage sowas wie Humor aufblitzen, mit der Anmerkung, dass die meisten Leute meinten, es tummelten sich nur reiche weiße Menschen im New Yorker Central Park, ihm wären die dort lebenden Kojoten jedoch bei weitem näher – eine nachvollziehbare Einschätzung. Die Waschbären im nächtlichen Stadtpark des Big Apple sind auch nicht zu verachten, by the way. Selten ist bei einem dunk!-Auftritt die Zeit schneller wie im Flug vergangen als beim ergreifenden Gig des kongenial agierenden, gemischten Doppels aus Chicago, ein untrügliches Zeichen für die exzellente Güte dieses tonalen Wandelns durch die dunklen Abgründe der inneren Befindlichkeiten. Zur Nachbearbeitung sei das herausragende Gesamtwerk von Wrekmeister Harmonies dringlich ans Herz gelegt, wie ergänzend auch die Roman-Lektüre der lesenswerten Inspirationsquellen zu „The Alone Rush“, „Lincoln im Bardo“ von George Saunders und „Eine kurze Geschichte von sieben Morden“ von Marlon James – schwere Kost zuweilen, gewiss, aber die exzeptionelle Klangwelt von Robinson und Shaw ist ja auch nicht zur Beschallung für den nächsten Kindergeburtstag gedacht…

Wie die Headliner-Ankündigung von Ufomammut führte auch die Bekanntgabe des Auftritts von Efrim Manuel Menuck als Main-Act bei Teilen der dunk!-Fans im Vorfeld zu kontroversen Diskussionen, das äußerte sich letztlich leider auch im spärlichen Besuch vor großer Bühne zur finalen Veranstaltung der zweiten Festival-Runde. Wie in vergangenen Jahren bei den Tages-beschließenden Sets der großartigen Noise-Götter Swans um Zeremonienmeister Michael Gira und Dylan Carsons zäh dröhnendem Drone-Doom-Trio Earth zeigte sich der Großteil des Publikums obstinat und blieb der Aufführung fern, nach dem Motto „Wenn’s keine Gitarrenwände zu bestaunen gibt, dann kann es nix taugen“, dabei hätte der Auftritt des kanadischen GY!BE/Silver-Mt.-Zion-Masterminds Efrim Menuck und seines US-amerikanischen Kollaborateurs Kevin Doria mit dem gemeinsamen „are SING SINCK, SING“-Duo-Projekt soviel mehr an Aufmerksamkeit und Zuwendung verdient, mit dem Material des jüngst bei Constellation Records veröffentlichten, gleichnamigen Tonträgers wussten die Musiker von Beginn an für ihre experimentellen Klangforschungen zu begeistern, Doria hochkonzentriert an den elektronischen Gerätschaften schraubend, Menuck lässig mit der Selbstgedrehten im Mundwinkel sporadisch die Regler am eigenen Synthie-Apparat justierend. Abstrakte, in warmen Klangfarben mäandernde Electronica-Drones, synthetischer Trance und Ambient-Loops, maschinelle Samples und Outer-Space-Soundlayer steckten den tonalen Rahmen ab für die imaginäre, irgendwo in der jüdischen Mystik verhafteten Klagemauer, die Efrim Menuck mit seinen Sangeseinlagen errichtete. Mit dem ihm eigenen, unverwechselbaren Lamentieren, in Endlos-Schleifen den Statements zum Leiden an den Machtverhältnissen, an den Verwerfungen der westlichen Zivilisation freien Lauf lassend, wie vorwärts gewandt in der Hoffnung auf Veränderung und die Wendung zum Besseren dem Aufruf zum Widerstand Ausdruck gebend. Speziell die Nummer „Fight The Good Fight“ ragt bereits auf der Tonkonserve in kaum fassbarer Schönheit aus dem Electronica-Drone-Geflecht heraus, konzertant gerät das Stück zur schwerst anrührenden Ballade, umlichtert von diffuser Elektronik, irgendwo zwischen herzergreifender Wehmut und entrückter Hymne, Efrim Menuck zog hier alle Register seines Sermon-artigen Vortrags. Wer mit dem Werk seiner beiden Post/Experimental-Rock-Institutionen aus Montreal vertraut ist, wird im Electronica-Flow der kanadisch-amerikanischen Kooperation nur unschwer erkennen, dass Menuck zusammen mit Kevin Doria das Konzept seiner Stammformationen bereichert und vor allem weiterentwickelt, auf eine andere Ebene hebt und damit dem eigenen kreativen wie dem Stillstand des Postrock-Genres an sich Gewichtiges entgegensetzt. „What We Loved Was Not Enough“ oder „Slow Riot for New Zero Kanada“ mit anderen, neuen Mitteln, wenn man so will. Ein mehr als würdiges Finale für einen exzellenten Festival-Tag. Diejenigen, die das ewig gleiche Gitarren-Laut-Leise vorziehen, waren in dem Fall dann tatsächlich woanders besser aufgehoben…

dunk!Festival 2019 @ Zottegem/Velzeke, Belgien, 2019-05-30

Same Procedure As Every Year, James: Traditionell zum Himmelfahrts-Feiertag luden Vater und Sohn Lievens mittlerweile im 15. Jahr für die kommenden Tage zum internationalen Gipfeltreffen in Sachen Postrock, Postmetal und artverwandte Experimente auf das idyllisch von sattem Grün umrankte Vereinsgelände des Basketball-Clubs Helios Zottegem im flandrischen Hinterland nahe Gent. Das belgische dunk!Festival bot auch heuer über 3 Tage verteilt ein sattes Programm für die Freunde (m/w/d) der vorwiegend instrumentalen Rock- und Experimental-Musik – insgesamt 39 Bands, Duette und Solisten, da sollte sich für jeden Geschmack das Passende finden.

Mittlerweile zur guten Tradition scheint sich auch die Eröffnung des Festivals durch eine chilenische Formation zu entwickeln, wie die beiden Jahre zuvor bespielte den Auftakt-Gig eine Band aus Santiago, die beim südamerikansichen Label LeRockPsicophonique veröffentlicht, mit dem chilenischen Indie-Label ist über die Jahre eine gedeihliche Zusammenarbeit mit den dunk!-Verantwortlichen gewachsen. Das Trio Sistemas Inestables bezeichnet ihre instrumentalen Sound-Trips stilistisch selbst als „AvantRock“ und „PseudoJazz“, beim dunk! boten die Musiker eine gefällige Mixtur aus Synthie-lastigem Krautrock, groovenden Jazz-Vibes und ausgedehnten Electronica-Space-Passagen, die in der Form sicher kein Novum im weiten Feld des progressiven Art-Rock waren, für einen entspannten und unaufgeregten Kick-Off des Festivals aber gewiss nicht die schlechteste Wahl.
Kurz darauf sollten die chilenischen Landsmänner und die Landsfrau von Osorezan mit ihrem Auftritt auf der großen Zeltbühne folgen, über den exakt wie tags zuvor zum vehementen, komplexen Ausbruch im Muziekcentrum Kinky Star zu Gent nur in höchsten Tönen der Lobgesang angestimmt werden kann, siehe ausführlicheren Konzertbericht vom Vortag. Osorezan spielten den selben Set wie bei ihrer Europa-Premiere, die geheimnisvolle Melancholie und der euphorische, sinfonische Bombast-Overflow wurden im großen Rahmen nicht vom multimedialen Schwarz-Weiß-Film begleitet, ersatzweise bot die gigantische Lichtshow im großen Zirkuszelt mit infernalischem Stroboskop-Stakkato das perfekte optische Pendant zum nicht endend wollenden, von jeglichen Konventionen befreiten Noise-Ausbruch als atonale Klimax des exzellenten Postrock/Ambient-Sturms. Ein frühes Festival-Highlight, aber das war nach dem vehementen Auftritt im Kinky Star wenige Stunden zuvor keine wirkliche Überraschung.

Bereits zuvor gab es Erbauliches beim ersten Waldbühnen-Gig des Festivals zu begutachten, das belgische Duo Black Narcissus ist instrumental reduziert mit Drum & Bass zugange, ihre Klangreisen haben selbstredend nichts mit der gleichnamigen Jungle- und Rave-Mutation der Neunziger gemein. Trommler Thomas Wuyts gab den treibenden, straight angeschlagenen Beat als Taktgeber vor, zu dem Jesse Massant satte Bass-Linien als Sound-Layer sampelte und dazu seinen vier Saiten Staunenswertes an geschliffenen Post-Heavy-Riffs und herrlichen, melodramatischen Ennio-Morricone-Melodien für den nächsten Tarantino-Western entlockte – der Mann hat unbestritten Talent und kompositorisches Geschick im Bespielen seines klassischen Rhythmus-Instruments, damit unterstreicht er einmal mehr neben einer Schar berühmter Kollegen die Tatsache, dass ein herausragender Bassist auch immer ein respektabler Solist sein kann. Bei Black Narcissus sind zwei Könner am werken, die es verstehen, mit wenig Materialeinsatz eine massive, beeindruckende Wand an atmosphärischer Postmetal-Herrlichkeit aufzubauen, so geht Effizienz und Ressourcen-Schonung im Wald von Velzeke.

Das Doom- und Sludge-Grummeln im Wald von Welcome To Holyland aus dem belgischen Aalst musste zwecks Nahrungsaufnahme unerhört bleiben. Hæster aus Gent stießen in ein ähnlich lautes Horn, die Band formiert sich aus fünf Veteranen der belgischen Metal-Szene, die ihre Meriten zuvor bereits in diversen anderen Heavy-Formationen verdienten. Obwohl hier altbewährte Kräfte am Walten waren, blieb das geschmiedete Metall im Main-Stage-Auftritt des Quintetts ein erstaunlich stumpfes Schwert, zu austauschbar und ohne eigene herausragende Nuancen geriet das finstere Donnergrollen der Gitarren-Riffs und das kehlige Gegröle des posenden Vorturners Maarten Levecque im konzertanten Vortrag. Sowas geht woanders bei weitem inspirierter und ansprechender, darum war nach einigen Nummern das Bier vor dem Zelt die weitaus genehmere Alternative zum uninspirierten Postmetal-Gelärme der lokalen Helden.

Am Fost La Munte și Mi-a Plăcut ist rumänisch und wird sinngemäß mit „Am Fuß des Berges gefällt es mir gut“ übersetzt, oder so ähnlich, und damit hat die Band aus Bukarest zu ihrem Forest-Stage-Auftritt am Fuß des bewaldeten Berghangs den sprichwörtlichen Nagel auf den Kopf getroffen, das junge Postrock-Quartett fühlte sich sichtlich wohl bei ihrem dunk!-Auftritt, mit überbordender Spielfreude und – zurecht – vor Selbstbewusstsein strotzend lieferte die klassisch besetzte Formation in ihrem energiegeladenen Set einen herrlichen, instrumentalen Flow aus dröhenden Gitarren, filigranen Picking-Intermezzi und massiv vorwärts treibender Taktgebung. Die ausgetretenen Postrock/Postmetal-Pfade verließ die Band Spannungs-befördernd beizeiten in Richtung schmissiger Indie-Rock und melodische Shoegazer-Hymnen, womit sie wohltuend variantenreich aus der Masse des (beizeiten auch beim dunk! präsentierten) Postrock-Mainstreams herausragte und damit eine absolute Bereicherung wie erfreuliche Überraschung zum Festival-Line-Up lieferte. Auch dem aus allen Ecken dieser Welt angereisten dunk!-Publikum hat es vergangenen Donnerstag spätnachmittags am Fuß des Berges ausnehmend gut gefallen, beim Freiluft-Konzert der vier jungen Osteuropäer aus der Großen Walachei.

Zur oben erwähnten Masse des Postrock-Mainstreams muss sich das US-Trio Coastlands mit ihrem „Instrumental Sad Rock From Portland“ zählen lassen, zu oft ist dieses Laut-Leise / Ambient-Getragenheit wird von heftigen Post-Rock/Metal-Ausbrüchen erschüttert / Gitarren-Wände bauen und wieder einreißen durch die Anlagen gedrückt worden, als dass es sich groß vom Sound zahlreicher anderer Vertreter des Genres unterscheiden würde. Gewiss, State Of The Art im Postrock, und wenn man auf ein Festival unter diesem thematischen Aufhänger geht, darf es nicht verwundern, wenn ab und an eine Postrock-Formation der reinen Lehre um die Ecke kommt, aufgrund der Austauschbarkeit diverser Bands muss trotzdem die Frage erlaubt sein, ob im verbreiteten Statement vom Tod dieser Spielart nicht ein Funken Wahrheit mitschwingt, analog zum schönen Zappa-Satz „Postrock isn’t dead, it just smells funny“. Gut, lustig war der Sound von Coastlands tatsächlich nicht, zugegeben.
Zuvor bespielten Labirinto aus Sao Paulo die große Zeltbühne, die Brasilianer waren bereits zum dritten Mal beim Festival in Ostflandern zu Gast und bestachen mit breit aufgestellter Instrumentierung und einer exotischen Mixtur aus Ideen-reich lärmendem, dunklem Postmetal und komplexem Space-Rock, die von einem zusätzlichen Perkussionisten mit südamerikanischer Rhythmik unterfüttert wurde und damit diesem orchestralen Progressive-Crossover einen dezenten, unkonventionellen Dreh in Richtung brasilianischer Trommel-Folklore gab. Leidenschaftliches, technisch brillantes, variables und unvorhersehbares Offensiv-Spiel mit vielen gelungenen Abschlüssen und Experimenten, wie die Seleção zu ihren besten Zeiten – oder: like 7:1! Sete a um! @ Estadio Mineirao, Belo Horizonte never happened…

Das US-Trio Staghorn lieferte den Set mit dem aktuellsten Bezug zu den dringlichen Themen des Zeit-Geschehens, wo andere Postrock-Bands dunkle Gewässer, mystische Landschaften oder individuelle Seelen-Zerrissenheit in abstrakter Instrumental-Entrücktheit thematisieren, legen die drei extravagant gewandeten und geschminkten Musiker*Innen mit ihren Aussagen zur Klima-Katastrophe, zu Diversität, Artenschutz und solidarischem Handeln im radikalen DIY/Punk-Ethos den Finger in die brennendsten Wunden einer untergehenden Kultur, die Band aus dem Mittleren Westen der Vereinigten Staaten transportiert ihre Inhalte und Forderungen via gesampelter Spoken-Word-Erzählung, die der Hörerschaft die massive Bedrohung des natürlichen Lebensraums vor Augen hält, die wunderschöne Naturkulisse der dunk!-Waldbühne war dafür wie geschaffen. Musikalisch untermalt die Band ihre apokalytischen Bestandsaufnahmen mit vehementem, hymnischem, melodischem Postrock, sporadischen, heftigen Metal-Ausbrüchen und tieftraurigen Minimal-Ambient-Drones, zu denen mittels indischem Harmonium und durch das Anschlagen diverser Klangschalen und Glocken ein mystischer, bedeutungsschwangerer Unterton mitschwingt. Der Staghorn-Auftritt war einer der herausragendsten der 2019er-dunk!-Auflage, und ganz sicher neben der Headliner-Performance von Efrim Menuck und Kevin Doria am folgenden Tag der konzeptionell stimmigste der gesamten Veranstaltung.

Solide Doom-Kost boten FVNERALS aus Brighton/UK (mit derzeitigem Wohnsitz in Brüssel) – das konzertant von einem Drummer verstärkte, gemischte Doppel wandelt mit seinem finsteren, zähen Drone-Metal-Crossover im Geiste von Bands wie Earth oder Sunn O))) über nebelverhangene Friedhöfe, in geheimnisvollen Wäldern, durch die eigene, inwendige Pein der finsteren Seelen-Nacht, in der es nach F. Scott Fitzgerald immer drei Uhr morgens ist – das Unterholz hinter der Festival-Zentrale war für diese gedehnten Depressiv-Trip zwischen dunklem Postpunk, schwerem Gothic und nachhallendem Metal-Slowcore eigentlich noch viel zu hell, wenn sich auch an dem Tag etliche schwarze Wolken über das Firmament zogen. Sonnenschein und fröhliches Vogelgezwitscher wäre zu dieser massiv erschütternden Dark-Ambient-Nummer auch absolute Vollpanne gewesen. Haben sie sogar dahingehend wieder alles richtig gemacht, die Organisatoren…

Nach Meinung vieler der eigentliche Headliner des ersten Festival-Durchgangs (oder gar der gesamten Veranstaltung) dann zu bester Konzert-Zeit auf der großen Bühne mit der US-amerikanischen Formation This Patch Of Sky. Die Band aus Eugene/Oregon versteht es wie kaum eine andere, Melancholie und entrücktes Hinübergleiten in andere Sphären in eine wunderschöne, erhabene Tonsprache zu übersetzen, mit einem an die moderne Neo-Klassik angelehnten Cello-Part hebt sich das Sextett wohltuend aus der Masse der instrumentalen Postrocker ab, gleichwohl verstehen es die Musiker formvollendet, ihre sphärischen, Ambient-lastigen Gitarren-Elegien und atmosphärisch-cineastischen Breitband-Kompositionen zuweilen in hymnische, wuchtige, geradezu dramatische Attacken ausbrechen zu lassen. Wozu diese Band konzertant fähig ist, hat sie nicht zuletzt in beeindruckender Manier mit ihrem Audiotree-Auftritt im Oktober des vergangenen Jahres angedeutet, live erlebt und in Farbe steigert sich diese aus einem Guss vorgetragene Exzellenz nochmals um ein Vielfaches in Sachen intensiver Klangrausch, erhebende Beschallung und beglückende Erbauungsmomente.
Mit dem Statement „We play music without words to communicate without language“ bringt die Band selbst ihr Konzept simpel wie umfänglich auf den Punkt, am vergangenen Donnerstag ist ihnen dieser Ansatz ohne Zweifel gelungen, der euphorischen Reaktion des Publikums nach zu urteilen. Das dunk!-Team hat sich nach eigenen Worten seit längerem um einen Auftritt von This Patch Of Sky bemüht, nach diesem Auftritt war völlig klar, warum – und diejenigen, die es erlebt haben, dürfen einfach nur dankbar sein, dass es in diesem Jahr geklappt hat.

Celestial Wolves aus der Nachbarschaft in Herzele rockten in der Donnerstagnacht den letzten Waldbühnen-Gig der ersten Runde mit der Wucht dreier Gitarren, die lokalen Helden und Urgesteine des dunk!-Festivals mobilisierten mit geradlinigem, straightem Postrock, brachialem Postmetal und Prog-lastigen Tempi-Wechseln nach mittlerweile 10 Stunden Dauerbeschallung die letzten Reserven für den anstehenden, finalen Gig des italienischen Stoner-Trios Ufomammut. Die Verpflichtung der Band aus dem Piemont als Headliner hat im Vorfeld etliche Diskussionen in den Social-Media-Foren zum Festival ausgelöst. Man kann natürlich lange darüber streiten, ob es für derartigen Stoff nicht genügend andere, passendere Festivals gibt, im Sinne der Diversität konnte ein Durchbrechen der Postrock-Gitarrenwände mit dem langsam, aber gründlich zerfräsenden Doom-Sludge der altgedienten, mittlerweile seit zwei Dekaden werkelnden Psychedelic-Institution durchaus festgefahrene Hörgewohnheiten Horizont-erweiternd und -bereichernd erschüttern. Ufomammut ergingen sich ausladend mäandernd in zäh zelebrierten, dissonanten Gitarren-Riffs, wuchtig dröhnenden Basslinien und straight nach vorne drängendem Powertrio-Drive, in mentaler Anlehnung an die ersten Pink-Floyd-Ergüsse und die Klassiker von Hawkwind, aufgebohrt durch monolithische Metal- und Drone-Wucht, hypnotische Space-Halluzinationen und repetitive, verzerrte Endlos-Lärm-Schleifen. Der Stoff, der von dunkel flackernden Bildern träumen lässt und damit genau das richtige Präparat zum Hinübergleiten in den wohlverdienten Schlaf nach absolviertem Konzert-Marathon.