Reingehört (456): Mia Vita Violenta, Enob

„Am I As Different As I Wish?“
(Mia Vita Violenta, Grey Seas)

Mia Vita Violenta – Grey Seas EP (2018, Atypeek Music)

Tour de France, erste Etappe: Das Quartett Mia Vita Violenta mit ihrer bereits Ende 2017 in Frankreich erschienenen EP „Grey Seas“, seit vergangenen Donnerstag darf ganz Europa via Atypeek Music an der lärmenden Indie-Pracht teilhaben.
Die Band aus Paris erfindet das Rad in Sachen Post-, Noise-, Indie-Rock, Postcore/punk und Emo nicht neu, macht aber mit ihren scheppernden Bässen, Gitarren, Drums alles richtig im Zusammenkochen der einzelnen Einflüsse zu einem dräuenden, düster-verzweifelten Gebräu. Aus einem eingangs diffus lichternden Sphären-Drone schält sich langsam nüchterner, von emotionalem Gesang begleiteter Postrock, der unvermittelt an Heftigkeit gewinnt und neben dem typischen Gitarre-nach-vorne-drängen zahlreiche andere Einflüsse aus den Krachmusik-Spielarten der vergangenen Dekaden erkennen lässt, eigene Geschichten erzählt und im melodischen Fluss in individuelle Fahrwasser driftet. Schönes Franzosen-Akzent-Englisch auch, in der Sangeskunst.
Bandmitglieder von Mia Vita Violenta sind auch bei den Combos Enob und Saar involviert, mehr dazu gleich hier unten, guckst Du →
(**** ½ – *****)

Enob – La Fosse Aux Débiles (2018, Atypeek Music)

Tour de France, zweite Etappe: Enob, ein sich personell mit Mia Vita Violenta austauschendes Pariser Quartett, wie oben erwähnt, ← guckst Du. Drängen und brüllen neben englischem Idiom auch vermehrt in Muttersprache und krachen noch eine gehörige Portion mehr als MVV, die hierzu vergleichsweise introvertiert in dunklen Klangwelten versinken. Schätzungsweise daheim das Plattenregal mit Fugazi- über Jesus-Lizard- bis Mission-Of-Burma-Gesamtwerk löblich gefüllt, damit nicht mit den schlechtesten Einflüssen musikalisch sozialisiert worden und die vermuteten Vorbilder in gebührender Verehrung und Qualität zwar einerseits zitierend, treiben Enob die energetische Postpunk-/Postcore-/Indierock-Nummer auf dem dritten Longplayer „La Fosse Aux Débiles“ weit mehr in eine von eigenem Charakter geprägte Richtung/Mixtur, die vor allem den verzweifelten Ansagen und der unbändigen Wut Luft verschafft und den klirrenden, schneidenden, selten Lead und oft eine abgehackte Rhythmik spielenden Gitarren Raum gibt, semi-experimentell Spannungs-befeuert durch dissonantes Feedback-Überdrehen und lärmende Noise-Passagen, exzellent zusammengehalten durch dröhnende Bässe und straight forward trommelnde Taktgebung. Deutet man das Enob-Klangbild richtig, ist die Endzeit wohl schon angebrochen, die Band schreit der Welt vor dem großen Abwracken final die Verachtung mit gebührender tonaler Wucht begleitet unverstellt ins Gesicht, ab und an in klassischer Postpunk-Gangart, weit mehr in Genre-Barrieren-ignorierendem Radikal-Ausbruch.
Auf der Bandcamp-Seite von Enob steht ganz unten bei den charakterisierenden Schlagwörtern das treffende Wort „Schräg Rock“, die jungen Männer wurden in ihrem schulischen Werdegang scheints mit dem Erlernen der deutschen Sprache Völker-verbindend genauso gequält wie Legionen von Absolventen weiterführender Bildungsanstalten hierzulande mit der langue française…
(*****)

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Reingehört (445): Gulfer

Gulfer – Dog Bless (2018, Big Scary Monsters)

Vier aufgeweckte junge Burschen aus Montreal/Quebec, die wissen, wo der Indie-Hammer hängt. Großmauliges Auftreten im Sangesvortrag, wie er im Rock ’n‘ Roll seit vielen Dekaden bestens funktioniert mittels Herauskehren der jugendlichen Unbeschwertheit und Hinausposaunen der unverstellten Gedankengänge, orchestriert mit einer simplen, unkomplizierten wie effektiven und griffigen Melodik aus dem Alternative Rock, die heutzutage in der Sparte weitestgehend mit der Lupe zu suchen ist, und einer Präsenz an flotten, sprunghaften, die Rhythmik bestimmenden Tempi-Wechsel in allen möglichen nervösen Math-Rock-, Prog- und Emo-Spielarten, die die technischen Fingerübungen dankenswerter Weise nicht als sterile Demonstration der individuellen Fertigkeiten über Gebühr strapazieren, Tappings und Riffs führen eine gleichberechtigte Beziehung, sozusagen die friedliche Koexistenz der Math-Nummer neben den Emotionen, Herz und Hirn werden gleichermaßen stimuliert, die Hörerschaft darf sich neben intellektuellem Nachspüren des erratischen Sounds auch den großen Gefühlen hingeben, nicht wenig, was der zweite Longplayer „Dog Bless“ des kanadischen, seit 2011 aktiven Quartetts Gulfer in einer guten halben Stunde alles an Eindrücken parat hält.
Auf das erste Hören wie es scheint ein Album aus einem Guss, und doch stehen die Songtexte, die mit einer dem Punk der frühen Jahre entlehnten, quasi-euphorisierten Frische und Energie präsentiert werden, im krassen Gegensatz zur nicht minder druckvollen Beschallung, Sänger Vincent Ford lässt sich ergiebig über die Langeweile beim Abhängen in den eigenen vier Wänden und die Aspekte des Älterwerdens aus, wie über den bedauerlichen Umstand, dass Song-schreiben über Langweile und Älterwerden die Menschheit auch nicht groß vorwärts schmeißt.
Die Nummer hat seine große Zeit letztendlich auch schon wieder etliche Monde hinter sich und wird insofern in der Form heutzutage viel zu selten zum Vortrag gebracht, dabei hat es nichts Verwerfliches, wenn eine Band wie Gulfer mit diesem angereicherten Emo-Ansatz in einer Mischung aus Unverfrorenheit, Trotz und unbeugsamem Glauben an die eigene Sache munter vor sich hinschwadronieren und damit zwangsläufig selbst in die Jahre kommen, es ist schon so mancher Musikant aus der Steinzeit der Rockmusik mit weitaus schwindligerem Zeug Saison für Saison über die Runden gekommen, hat Literaturnobelpreise eingesackt oder Stadien mit dem immer gleichen Gedöns gefüllt…
(**** ½ – *****)

The World Is A Beautiful Place And I Am No Longer Afraid To Die + Kamikaze Girls @ Kranhalle, München, 2018-03-26

„Kamikaze Girls want you to know that it’s okay to be sad“ geben uns Lucinda Livingstone und Conor Dawson mit auf den Weg, dabei war am vergangenen Montag in der Kranhalle des Münchner Feierwerks nicht im mindesten Anlass zur Trauer geboten ob des Auftritts des gemischten Doppels aus Leeds UK. Auch wenn die Kamikaze Girls vor gut zwei Jahren eine Sad-/Slowcore-/LoFi-Version des Bowie-Klassikers „Heroes“ einspielten und diese Fassung schon mal das Taschentuch zwecks melancholischer Seelenpein zücken lässt, standen die Zeichen zur Eröffnung des launigen Indie-Abends zum Start in die Karwoche eindeutig auf Sturm. Die Sängerin/Gitarristin mit dem Michael-Jackson-Tourshirt und der Drummer mit dem naturroten Rauschebart griffen sich das Publikum vom Fleck weg mit beherztem Anschlag, und so zierte sich das Konzertvolk kaum, der Aufforderung Lucinda Livingstons Folge zu leisten, die hinteren Ecken der spärlich gefüllten Halle zu verlassen und den Platz vor der Bühne zu füllen, machte ja auch Sinn, von der Nähe betrachtet verfing der ungebremste Mix aus Enthusiasmus und ernsthafter Darbietung der jungen Leute aus Northern England noch weitaus mehr. Unverstellter Riot-Grrrl-Drive mit viel Wut im Bauch, die beizeiten auch unvermittelt herausgeplärrt artikuliert wurde, gehaltvoller, abgeklärter Postpunk mittels Sirenen-artiger Fuzz-Gitarren, melodischer Riffs, einer entfesselten Rhythmik und Klagen über den Zustand der Welt, inhaltlich untermauert durch die Auseinandersetzung mit Themen wie Depression oder Abhängigkeit und Statements für Toleranz, offene Grenzen und gegen sexuelle Übergriffe im Pub um die Ecke oder sonstwo, das Duo scheint hinsichtlich Haltung und musikalischer Umsetzung zu wissen, wo und wofür es steht. Damit nicht genug, Freund_Innen des gepflegten Postrock kamen mit dem gedehnten Ausklang durch entsprechendes Pedale-Bedienen und Effektgeräte-Schrauben zur Errichtung einer dezent von Feedbacks verzerrten Gitarrenwand als vehementem Schlusspunkt auch noch auf ihre Kosten.
So gab es dann zum Ende hin doch noch eine kleine Träne zu zerdrücken, und es war mehr als ok, traurig zu sein, da keine Zugaben geplant waren im knapp fünfzig-minütigen Opener-Programm, ein Seufzer des Bedauerns, da der schmissige Punk der beiden jungen Musikanten aus West Yorkshire gut und gerne noch eine Weile in der Güte und Intensität so weiterscheppern hätte dürfen. So blieb nur das Wort des großen deutschen Fußball-Philosophen Lothar M. im Geiste von „Wäre, wäre, Fahrradkette“ als schwacher Trost, der Gang zum Tresen zur Überbrückung des Wartens auf den Hauptact des Abends und das Hoffen auf eine Headliner-Tour der Kamikaze Girls in naher Zukunft.
(*****)

Allein mit der Niederschrift des ellenlangen Bandnamens The World Is A Beautiful Place And I Am No Longer Afraid To Die dürfte sich so mancher Zeilenschinder aus den Lohnsklaven-Abteilungen der Konzert- oder Platten-besprechenden Printmedien klammheimlich über quasi geschenkte Gage ohne großen Zusatzaufwand freuen, dabei schwebte über dem Konzert der amerikanischen Ostküsten-Formation aus Willimantic/Connecticut eindeutig über weite Strecken das Motto „Weniger wäre mehr“, mitunter war die Combo da in Linie, ob rein optisch beim jeweils gekürzten Haupthaar von Keyboarderin Katie Dvorak und Sänger David Bello oder dem reduzierten Lineup im Vergleich zum München-Konzert vor gut zwei Jahren, als TWIABPAIANLATD insgesamt zu acht mit sage und schreibe vier Gitarristen antanzten und damit eine orchestrale Eindringlichkeit an erhabenen Emocore-/Postrock-Momenten zu entfalten wussten – eine emotional ergreifende Intensität, die man am vergangenen Montag zuweilen etwas misste.
Es mag am unausgegorenen, größtenteils weit unter den Möglichkeiten der Band bleibenden Songmaterial des aktuellen, hier kaum auf ungeteilte Gegenliebe stoßenden Longplayers „Always Foreign“ liegen, das zu Teilen zum Vortrag kam und Gottlob im konzertanten Gewand nicht in Gänze an die Arcade-Fire-artige Belanglosigkeit der dokumentierten Tonkonserven heranreichte, es mochte aber auch einfach an einem Alles-sofort-auf-einmal-wollen der personell oft variierenden Formation liegen, dass die Qualität und Erhabenheit ihres letzten Auftritts an gleicher Örtlichkeit nur sporadisch erreicht wurde. Am Einsatz der Musiker_In mangelte es gewiss nicht, das Sextett engagierte sich wie vor zwei Jahren zelebriert mit Herzblut für die eigenen Klangentwürfe, und doch hatten ein exzellent aufgelegter Steven Battery an den Drums mit Unterstützung von Urmitglied Josh Cyr am fünfsaitigen Bass sprichwörtlich alle Hände voll zu tun, um den in viele Richtungen wegexplodierenden Laden halbwegs zusammenzuhalten. In einem erratischen, atemberaubenden Ritt bewegte sich die Band durch die Spielarten ihres wunderschönen, hymnischen Indie-Emocore, den opulenten Postrock und die experimentellen Gitarren-Noise-Drone-Intermezzi, die auf einer imaginären Überholspur den 70er-Prog-Rock hinsichtlich Tempi-Wechsel, Melodie-Breaks und unvermittelter stilistischer Launen weit hinter sich ließen und so für die Hörerschaft das ein oder andere Rätsel in den Raum stellten und manche Antwort schuldig blieben – die größte Ungewissheit nach diesem vehementen wie das Publikum beizeiten über Gebühr fordernden Auftritt dürfte die spannende Frage aufwerfen, wo die Reise dieser außergewöhnlichen, mit vielen Talenten gesegneten Vertreter des atmosphärischen Emocore künftig hinführt. Das KF bleibt dran an TWIABPAIANLATD und berichtet beizeiten, versprochen.
(**** – **** ½)

Reingehört (348): Aviator

Aviator – Loneliness Leaves The Light On For Me (2017, No Sleep Records)

Aviator aus Boston mit ihrem zweiten Longplayer. Schwer tauglicher, kompromisslos zupackender Post-Hardcore, garniert mit herzerwärmender, Härte-mildernder Gitarren-Melodik mittels Emocore- und Alternative-Rock-Einwürfen, veredelt mit dem komplexen Anschlag einer fähigen Rhythmus-Abteilung. Die Geschichten über Existenzängste und zerbrochene Beziehungen herausgejodelt mit verzweifeltem, entfesseltem Geplärre, wie sich das im Hardcore-Punk eben ziemt. Wer’s mal wieder zwischendurch oder grundsätzlich immer laut und energetisch braucht, wird mit der krachigen Spielart des US-East-Coast-Quintetts im Geiste früherer Emocore-Heroen wie At The Drive-In oder Drive Like Jehu glücklich werden, versprochen.
Schöne, originelle Song-Benamungen auch, wie „I Wouldn’t Leave Here If You Paid Me“, dem Gegenstück „I Wouldn’t Live There If You Paid Me“ oder Opener „I Wanna Make Movies, Heather“.
(**** ½ – *****)

Reingehört (322): Duct Hearts

Duct Hearts – Feathers (2017, Time As A Color / Broken Silence)

Im Frühling vor zwei Jahren gab es an dieser Stelle bereits Erfreuliches über die 7-Inch-Vinyl-Veröffentlichungen von Duct Hearts zu vermelden, jetzt legt das Trio aus dem Süden von München in unverminderter Qualität mit einem gut halbstündigen Klangfluss aus der wunderbaren Welt der progressiven Rockmusik auf dem dieser Tage erschienenen „Feathers“-Tonträger in durchwegs eindrucksvoller Manier nach.
Die Band entfaltet in den sechs ineinander greifenden Titeln eine bezaubernde Postrock- und Prog-Balladen-Epik, die ansetzend bei entrückten Sphärenklängen und Slowcore-artigem Indie-/Alternative-Rock immer wieder mit vehementeren Einschüben aufwartet, fernab von eindimensionaler Monotonie, hinter der nächsten durch entsprechende Rhythmus-Breaks gesetzten Wegscheide lauern wiederholte emotionale Ausbrüche in Form geballter Gitarren-Wände, die Band beweist ein feines Gespür für die effektvollen Postcore-, Metal- und Prog-Rock-Zutaten in der tonalen Umsetzung ihrer behutsam verwobenen Postrock-Eindringlichkeit und getragen-melancholischen Shoegazer-/Emo-Klage.
Die Spannungs-befeuernden Laut-Leise-Muster zeugen von internationalem Format, das gängige Postrock-Muster durchbricht nicht zuletzt der mitunter dezent unterkühlte Gesang, der sich perfekt in die artifizielle Grundstimmung des Gesamtwerks einfügt.
Duct Hearts sind seit 2009 aktiv und haben dem Vernehmen nach erstaunlicherweise trotz etlichen Tourneen bisher noch nie einen München-Auftritt absolviert, der Prophet gilt in dem Fall scheint’s mal wieder nix im eigenen Lande… da sollte sich doch in Gottes Namen mal ein Gig beim Maj Musical Monday oder zu anderer passender Gelegenheit auftun, darfjawohlnichtwahrsein…
(*****)