Pelican + Slow Crush @ Hansa39, München, 2019-10-09

Unrunder Konzert-Abend zur vergangenen Wochenmitte im leidlich gut besuchten Hansa39-Saal des Münchner Feierwerk. Dabei war die Vorfreude zum Auftritt der US-amerikanischen Postmetal-Band Pelican groß, das Quartett zählt neben Formationen wie Russian Circles, Isis, Neurosis oder Jesu zur Speerspitze der Bewegung. Unvergessen ihr grandioser Auftritt beim belgischen dunk!Festival im Frühsommer 2016, der Gig in Flandern stach seinerzeit qualitativ weit aus dem dreitägigen Programm des alljährlichen Postrock-Gipfeltreffens heraus und veranlasste damit das Veranstalter-eigene Label zur Veröffentlichung des Mitschnitts auf limitiertem Vinyl. Der München-Auftritt 2019 wird hingegen kaum in die großen Momente der Pelican-Analen eingehen, das lautmalende Instrumental-Quartett aus Chicago erwischte im Feierwerk bei weitem nicht die besten Rahmenbedingungen ihrer Karriere für einen gelungenen Gig. Dabei startete die Formation um den entfesselt aufspielenden Gitarristen und Bühnen-Derwisch Trevor de Brauw furios, Nummern wie der Opener „Midnight And Mescaline“ funktionieren live wunderbar – wo das Material vom aktuellen, im vergangenen Sommer veröffentlichten Düster-Werk „Nighttime Stories“ so manche Fragezeichen nach der Sinnhaftigkeit einer weiteren Pelican-LP im immer gleichen Instrumental-Flow aufwirft, zeugte die konzertante Interpretation des fast komplett vorgetragenen neuen Werks von Funken-schlagender Energie und ungebändigter Spielfreude. Leider brachte defektes Equipment die zupackende Mixtur aus offensiven, stramm in den vordersten Fronten angreifenden Postmetal-Riffs, Sanges-freiem, Black-Sabbath-infiziertem Doom und großen Postrock-Dramen nach wenigen Stücken zum zwischenzeitlichen Erlahmen, der für die filigranere Gitarren-Arbeit zuständige Dallas Thomas zeigte sich ungehalten über seinen defekten Amp, das Gerät lieferte nicht das, was der Musiker wollte. Nach minutenlanger Unterbrechung und einem weiteren gescheiterten Versuch mit der defekten Marshall-Gerätschaft wurde mit dem Ersatz-Teil der Vorband improvisiert. Den regulären Set brachte die Band damit im strammen Drive zum glücklichen Ende, das Postmetal-Volk nickte gefällig mit bis zur einsetzenden Halsstarre. Finaler Stimmungstöter nach Bühnen-Abgang mit der Weigerung der Band, zusätzliches Material zur knappen Stunde als Zugabe zu kredenzen. Wo einer wie der gute alte Lou Reed selbst bei völlig verstimmten Saiten nur ein lakonisches „It’s good enough for Rock and Roll!“ knurrt und sein Gewerk zur Erbauung des Auditoriums unbeeindruckt fortsetzt, gaben sich die vier Wasservögel als Technik-Perfektionisten und verweigerten jedes weitere Zutun. Im Saal hätte außer den Musikern selbst wohl kaum jemand den Unterschied in der Wiedergabe des Gitarrenanschlags auf improvisiertem Equipment benennen können, anyway, so fährt man eine Nummer, die trotz widriger Umstände gleichwohl im Wesentlichen funktionierte, endgültig gegen die Wand. Schade.

Bereits zuvor eine durchwachsene Darbietung: Den Auftakt der Veranstaltung bespielte das belgische Quartett Slow Crush um die englische Sängerin und Bassistin Isa Holliday, zur Bewerbung der für den 25. Oktober geplanten Veröffentlichung des neuen Tonträgers „Ease“, im Opener mit einem hymnischen, melodischen, geradezu ergreifenden Hybrid aus Shoegazer-Romantik und Postpunk-Energie, dessen hohes Niveau im weiteren Verlauf des Auftritts bedauerlicherweise kaum gehalten werden konnte. Gegen Ende der guten vierzig Minuten ein weiterer Peak an euphorisierenden, Konzert-beschließenden Postrock- und Noisepop-Ergüssen, dazwischen reichlich, geradezu über Gebühr strapaziertes Shoegazer-Standardprogramm, das die engen Grenzen des Genres einmal mehr deutlich aufzeigte und wie bei vielen anderen Vertretern der Zunft unterstrich, warum das Songmaterial jedweder Combo dieser Spielart des Indie-Rock mit zu den austauschbarsten in der weiten Welt der lärmenden Pop-Musik zählt. Die Lichtshow und die gelegentlich zwischen Noise-Rock und Grunge taumelnden Eruptionen setzten unbedingt gefällige Akzente, das Potential der Band scheint jedoch (bisher) nicht ausgeschöpft, die Reise der vier Musikanten nahm vor zwei Jahren erst ihren Anfang, und es ist noch kein Meister vom Himmel gefallen…

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Reingehört (534): Dommengang

Dommengang – No Keys (2019, Thrill Jockey Records)

US-Trio / Neues Album, über Thrill Jockey unters Volk gebracht / Out May 17 – die gleiche Kombi gab’s erst gestern mit zähem Doom-Metal vom anstehenden Aseethe-Longplayer, und weil’s so schön war, heute gleich nochmal die gleichen Eckdaten mit anderen Protagonisten und frischem Psychedelic-Sound: „No Keys“ als dritter Wurf der Brooklyn-Combo Dommengang ist ab Freitag nächster Woche beim renommierten Chicagoer Indie-Label am Start. „Passion Boogie“ und „Road Trip. Head Trip“ umschreiben die New Yorker Musikanten mit den wallenden Mähnen ihr Gewerk. Nicht nur optisch sind die drei Langhaarigen auf den ersten Blick aus der Zeit gefallen: Ihre Songs hören sich bisweilen an, als würden Iggy und seine Stooges als knackige Psychedelic-Blues-Combo durch die Lande ziehen. Jaulende, kreischende, süffige Gitarren und hypnotische Beats, die den Progressive-Sound vergangener Tage in einer Zeitreise frisch aus der Taufe heben oder vielmehr zur Wiedergeburt bringen, dabei weniger mit abgehobenem Space- und Experimental-Firlefanz in entrückten Sphären lichtern, viel mehr in der Indie-Garage und der offenen Prärie zugange, schwere Geschütze als Stoner- und Grunge-Anlehnungen auffahrend und vor allem einen üppigen Strauß prachtvollster Halluzinationen und bunter Bilder zum Blühen bringend. Die ausufernde Spielfreude von Gitarrist Dan “Sig” Wilson und seiner schwer groovenden Rhythmus-Begleiter Brian Markham und Adam Bulgasem ist in jeder Nummer evident, die Fuzz- und Prog-Gitarren-Hochämter dehnen sich zu ausschweifenden Instrumental-Passagen, der zweistimmige Gesang atmet mit jeder Strophe seligen Siebziger-Jahre-Spirit.
Und „Arcularius – Burke“ ist neben den ausufernden Trips der aktuellen Chris-Forsyth-LP der herrlichste Improvisations-Instrumental-Flow mit Cosmic-American-Explosion als Klimax, den die nimmermüden Nachlass-Verwalter gerne aus dem scheinbar unerschöpflichen Fundus der Grateful-Dead-Archive zaubern würden. Like Punk never happened.
„No Keys“ wurde live im Studio ohne große Nachbearbeitung und technisches Brimborium eingespielt, damit fangen Dommengang als exzellente Konzert-Kapelle spontan und vollmundig die berauschende Energie ihrer exzellenten Gigs ein.
„No Keys“ erscheint am 17. Mai beim US-Indie-Label Thrill Jockey Records, wie eingangs erwähnt.
(*****)

Mono, Årabrot, Jo Quail @ Strom, München, 2019-04-29

Die japanischen Postrock-Götter Mono als Headliner im Rahmen eines Dreier-Packs am Montagabend im Münchner Strom-Club, eine gern genommene Kombi, zuletzt auf den Tag genau vor zweieinhalb Jahren an selbem Ort präsentiert, wie seinerzeit im Vorprogramm mit einem Solo-Auftritt und einer Combo, die nicht recht in den Kontext der rein instrumentalen Musik passen mochte.

Überpünktlich noch vor offiziellem Konzertbeginn stand die fesche Engländerin Jo Quail mit ihrer Solo-Performance am elektrisch verstärkten Cello auf der Bühne, für drei ausgedehnte Instrumental-Nummern tauchte die klassisch ausgebildete Musikerin aus London den Strom-Saal in dunkle Klangfarben. Quail erwies sich wie bereits zu früheren Gelegenheiten als versierte Grenzgängerin zwischen minimalistischer Neo-Klassik und experimenteller Electronica. Die Rhythmik eingangs gesampelt über das Klopfen des Takts auf die Saiten des Streichinstruments, loopte die Musikerin den so erzeugten Beat und ließ ihn in Endlosschleifen zu finsterem Industrial-Pochen aus den Tiefen der geheimnisvollen Maschine mutieren, darüber legte sie in bewährter Manier ihre getragenen, filigranen, zu Teilen auch dissonanten Cello-Drones, die als organisches Element Kontrapunkt zum synthetisch generierten Trance-Loop setzten.
Wo die ersten beiden Instrumentals „White Salt Stag“ und „Gold“ geheimnisvoll in düsteren Stimmungslagen schwelgten und damit unheilvoll, hypnotisch dräuend in den Bann zogen, zeigte die letzte Nummer „Mandrel Cantus“ vom aktuellen Album „Exsolve“ eine etwas heiterere Seite aus dem Werk der Musikerin, deren notorisch schwarze Gewandung sowieso in völligem Kontrast zu ihrem freundlichen Wesen steht. Mit zusätzlichem Klatschen und perkussivem Trommeln auf der Bespannung ihres Instruments gestaltete sie das ausgiebig zelebrierte Stück zu einer nahezu tanzbaren Nummer mit abschließender, rein in der Neoklassik gehaltenen Coda. Eine weitere höchst erbauliche und erneut viel zu kurz gehaltene Solo-Aufführung der faszinierenden Soundscapes aus der Feder der jungen englischen Komponistin, Trost für Quail-Fans hielt der Abend gleichwohl bereit: Die Cellisitn sollte sich zum heimlichen Star des Abends mausern, mit ihren sporadischen Beiträgen zu den folgenden Auftritten war die Frau omnipräsent, avancierte damit quasi zum personifizierten rote Faden der Veranstaltung.

Der Mittelteil der dreiteiligen Aufführung gehörte dem norwegischen Trio Årabrot: Zu Klängen von Klaus Nomi enterte die Combo die Bühne, im Folgenden geriet die Beschallung im konzertanten Vortrag um etliche Grade derber. Årabrot und vor allem ihr Frontmann Kjetil Nernes haben etliches aus der Historie des Postpunk – hier schwer vermutlich vor allem die ersten PiL-Alben – des Noiserock, Gothic und Grunge und aus diversen krachenden Metal-Spielarten aufgesogen, halbgar verdaut speien sie das Zitierte der Hörerschaft mit Vehemenz vor die Füße. Sänger/Gitarrist Nernes trägt scheint’s die von Großvatern ererbte Mormonen-Gewandung auf und dominiert den Sound mit einer satt dröhnenden Glam-Gitarre, die selbst ein Mick Ronson zu Zeiten von „Ziggy“-Bowie nicht vollmundiger krachen ließ, dazu schwadroniert, rumort und marodiert er im Stile der großen britischen Punk-Krakeeler aus den Spät-Siebzigern auf dem soliden Gerüst seiner beiden Rhythmus-Begleiter. Mit der Nummer „Sinnerman“ durchbrach die Band das ergiebig präsentierte Noise-Schema, Jo Quail begleitete hier am Cello, das Stück mutete wie eine von Nick Cave komponierte Piraten-Ballade an, gesungen von Ober-Sister Andrew Eldritch oder einem extrem schlecht gelaunten Michael Gira – oder war es doch Helge Schneider, wie ein geschätzter Konzert-Begleiter sarkastisch anmerkte? Zum Ende hin riss die Combo das Ruder noch einmal herum und zelebrierte ein exzessiv abrockendes, ausgelebtes Lärmen als finalen Abgesang, zu dem der eingebrachte klassische Streicher-Satz der weiterhin involvierten schönen Jo keine zusätzlichen Akzente setzen konnte und letztendlich vergebene Liebesmüh blieb, zu dominierend war da das Feedback-geprägte Krachen der drei skandinavischen Berserker.
Irgendwas muss am eklektizistischen Gewerk von Årabrot dran sein, selbst der große Steve Albini hat bereits seine helfende Hand beim Platten-Produzieren angelegt, am Montagabend fielen die wertenden Meinungen der Hörerschaft über die vierzig-minütige Brachial-Beschallung hingegen alles andere als eindeutig aus – aber eine gepflegte Kontroverse hat der Wahrheitsfindung noch nie geschadet.

Business as usual aus dem Hause Mono, und das ist bei dem gewohnt hohen Niveau ihrer Konzerte alles andere als ein abfälliges Urteil – selbst der Amerikaner Dahm Majuri Cipolla fügte sich nahtlos und ohne Abstriche mit wuchtigem Anschlag in den zwischenzeitlich vakanten Platz hinter den Trommeln, nachdem der langjährige Drummer Yasunori Takada Ende 2017 zu neuen Ufern aufbrach.
Die japanische Postrock-Institution ist derzeit zur Promotion des aktuellen Tonträgers „Nowhere Now Here“ im Lande unterwegs, das Quartett aus Tokyo versteht nach wie vor wie kaum eine zweite Formation des Genres das austarierte Spiel zwischen getragenen, meditativen Ambient-Momenten in melancholischer Versunkenheit und dem unvermittelten Aufrichten der intensiv lauten, überbordenden Gitarren-Soundwände als monolithische Prachtbauten in den Sphären ihrer Klanglandschaften. Mono zählen damit weiterhin unangefochten zur internationalen Speerspitze des Genres, die das emotionale Wechselbad der lauten und leisen Töne in Perfektion beherrscht, das Vereinen von neoklassischen Kompositions-Elementen mit ihren wunderschönen, melodiösen, bis zur fühlbaren Glückseligkeit anschwellenden Gitarren-Crescendi und den finalen, in ihrer alles zersetzenden Radikalität explodierenden Noise-Drones. Am eindrucksvollsten demonstrierten Mono das am Montagabend mit den beiden letzten Nummern des regulären Sets, dem eingangs meditativ getragenen „Halcyon“ und dem Live-Klassiker „Ashes In The Snow“, ersteres kongenial von Jo Quail bereichert und an das Album „Hymns To the Immortal Wind“ erinnernd, zu dem Mono orchestral von einem kompletten Klassik-Orchester begleitet wurden, letzteres als sich langsam anbahnender Sound-Tsunami, in dem der laute Part des Mono-Klangkosmos zu einer alles mitreißenden Feedback-Flutwelle kulminierte.
„Breathe“ fiel mit dem ätherischen Gesang von Bassistin Tamaki Kunishi aus dem gewohnten, rein instrumentalen Rahmen, blieb leider jedoch im Live-Vortrag wie auch in der Studio-Version seltsam blass und austauschbar im gefälligen Wohlklang-Flow, letztendlich aber die einzige Passage, zu der sich die Begeisterung über dieses Konzert bedeckt hielt.
Mit der einzigen Zugabe „Com(?)“ zuletzt ein Werk aus der Frühphase der Band, in der das Quartett noch einmal alle Register ihrer Laut-Leise-Dramatik zog, beide Gitarristen so zum ersten Mal erlebt ihr Gewerk im Stehen verrichteten und Derwisch „Taka“ Goto gar in der Konzert-ausklingenden, atonalen Super-Nova seine Saiten wie einst Hendrix selig mit den Zähnen bearbeitete, bevor er die Komposition durch massives Einwirken auf Regler, Wah-Wahs und andere Effekt-Geräte im atonalen Klangrausch vernichtete.
Mono liefern nach wie vor den hochdramatischen Soundtrack für den Martial-Arts-Eastern, in dem der grausame Rächer mit seinem Hattori-Hanzō-Schwert eigenhändig dem ärgsten Feind die Rübe abhackst…

Cog + sleepmakeswaves @ Kranhalle, München, 2019-03-28

Laut und heftig im Doppelpack from down under: Die australischen Bands sleepmakeswaves und Cog machten am vergangenen Donnerstagabend im Rahmen der gemeinsamen „Distant Lands Tour 2019“ zum letzten Termin ihrer Deutschland-Gigs in der Kranhalle des Feierwerks Halt. Während die Postrocker aus Sydney zum wiederholten Male als gern gesehene Gäste über Münchens Bühnenbrettern hinwegfegten, waren Cog seit ihrer Band-Gründung vor über 20 Jahren hierzulande zum ersten Mal auf Konzertreise unterwegs.

Die erste Halbzeit der zweistündigen Co-Headliner-Veranstaltung bespielten die vier Bewegungsdrang-Fanatiker von sleepmakeswaves mit ihrer vehement offensiven „Crescendo Core“-Spielart des instrumentalen Gitarren-Flows. Wie bereits einige Male zu früheren Gelegenheiten eindrucksvoll demonstriert, kennt das Quartett in seiner klassischen Postrock-Gangart nach wie vor nur eine Richtung: immer straight forward, permanent intensiv in vorderster Front aus der Masse der gängigen Laut-Leise-Klangmalereien ausbrechend. Zuweilen bedient sich die Band zur Erweiterung des Sound-Spektrums beim brachialen Post-Core/Metal und bei komplexeren Prog-Rock-Elementen, die für den Postrock typischen Kontemplations-Passagen, die Tempo-zurückgenommenen Intermezzi und Ambient-verwandten Ruhephasen zum Kräftesammeln und Anlauf-Nehmen für den nächsten Ausbruch sparen sleepmakeswaves in ihrer Bühnenpräsentation hingegen nach wie vor nahezu komplett aus. Downtempo: völlig überschätzt und in dem Kontext weitgehend obsolet. Ein vierköpfiger Unruheherd, eine sich permanent – physisch wie musikalisch – in Bewegung befindliche Formation, die den dröhnenden Bass-Druck von Frontmann Alex Wilson, die befreit und überschwänglich aufspielenden Gitarren von Otto Wicks-Green und dem seit mehreren Jahren Tour-begleitenden Lachlan Marks mit den losgelöst entfesselten, permanent antreibenden Uptempo-Rhythmen von Drum-Berserker Tim Adderley zu einem rasant donnernden Klang-Orkan bündelte. Den sporadisch von Alex Wilson platzierten Keyboard-Wohlklang in progressivem Kraut- und Space-Format konterkarierte der Schlagwerker kompromisslos, ein mittlerweile optisch wie in der ausgeübten Profession würdiger Nachfolger des Muppetshow-Animals wie dessen rabiat wütenden Motörhead-Widergängers Philthy Taylor.
Für das kurze Anbiedern beim Mitläufer-Volk des FCBää in der Anmoderation von Gitarrist Wicks-Green gibt’s ein paar Abzüge in den Haltungsnoten – das Auditorium reagierte indes erfreulich souverän auf diese befremdliche Anwandlung: hat eh niemand applaudiert, Charakter- und Geistesmenschen, ausnahmslos.
Mehr Laune machte da neben einer breiten Auswahl an eigenen Werken aus allen Schaffensphasen der Band die Coverversion der Nummer „Children“, im Original ein Electronica-Trance-Hit des 2017 verstorbenen Musikers, DJs und Produzenten Robert Miles, der sich in der Postrock-Bearbeitung nahtlos in den sleepmakeswaves-Kosmos einfügte.
Trotz intensiv enthemmter Gangart mit abrupten Breaks und lärmendem Grundtenor kommt das Melodische in den instrumentalen Kompositionen der Band aus Sydney nicht zu kurz, quasi ein Sound zum Schwelgen und Durchschütteln gleichermaßen, darin sind die Australier nach wie vor Meister in ihrer eigenen Liga, mit ihrer hyperaktiven, mitreißenden Bühnenshow im Postrock nur von wenigen Bands erreicht, die erst kürzlich vor Ort aufspielenden Madrilenen von Toundra mögen sich da noch am ehesten als Mitbewerber auf Augenhöhe hervortun.
Einmal mehr: Ein ordentliches Postrock/Prog-Crossover-Brett aus New South Wales, ohne Zweifel. Und das FC-Bayern-Geschmarre sparen wir uns beim nächsten Mal, dann gibt’s auch wieder die vollen hundert Punkte…

München-Premiere in Runde zwei der Aussi-Parade: Zum ersten Mal auf hiesiger Bühne präsentierte sich das wie sleepmakeswaves in Sydney beheimatete Trio Cog. Die Band wurde 1998 von Gitarrist/Sänger Flynn Gower und Drummer Lucius Borich aus der Taufe gehoben, zur Jahrtausendwende reihte sich Gowers jüngerer Bruder Luke zunächst als Tour-Bassist und später als festes Bandmitglied ein. Cog zählen zu den erfolgreichsten und exzessivst tourenden Indie-Bands des australischen Kontinents, 2016 nahmen die Musiker nach einer fünfjährigen Auszeit zwecks diversen Engagements in anderen Formationen den gemeinsamen Betrieb wieder auf, in der Heimat haben sie seitdem bereits wieder drei ausgedehntere Tourneen bespielt, in der Kranhalle waren nicht wenige erwartungsvolle Fans nur aus Anlass des hiesigen Premiere-Gigs zugegen. Enttäuscht sollte den Saal kaum jemand verlassen, Cog zündeten ein exzellentes wie ausnehmend individuelles Crossover-Feuerwerk in einer weit ausholenden Bandbreite an Spielarten des Progressive Rock. Die Band selbst benennt ihre Einflüsse mit dem Soul, Jazz und Blues der großen Nina Simone über den Reggae von Bob Marley und den artifiziellen Prog-Rock von Tool bis hin zur Postmetal-, Sludge- und Noise-Härte von Combos wie Isis und Helmet, Einflüsse, die in mancherlei Form auch Widerhall im fulminanten Sound des Trios finden, somit eine eindeutige Kategorisierung der Cog-Klangwelt schwierig bis unmöglich machen.
Flynn Gower als finster feixender Sänger könnte mit seinem in den Tonlagen kunstvoll variierenden, zunächst gewöhnungsbedürftig extrovertierten Gesang jeder hart groovenden Soul- und Funk-Combo vorstehen, dazu entlockt er schneidend scharfe, lärmend angeschlagene, mithin erratische Stoner- und Grunge-Riffs, die Drummer Borich mit seinem groß angelegten, reichhaltigen Instrumentarium virtuos, wuchtig wie filigran mit komplexer Mathrock- und Progressive-Polyrhythmik auszukontern und facettenreich zu ergänzen weiß. Zusätzliche Gitarren-Samples und das ein oder andere eingeflochtene Gelichter an Electronica-Space und -Beats treiben das vertrackte Crossover-Hardrocken an die Grenze der Reizüberflutung. Der dritte Mann im Bunde glänzt mit einer Kompetenz, die man ihm auf den ersten Blick nicht zutraut: Der hyperaktive Luke Gower kennt in der Stunde des konzertanten Vortrags scheint’s kein In-sich-Ruhen, hält aber das in viele Richtungen drängende Gewerk mit seinen stoischen, druckvoll antreibenden, dunklen Bass-Tönen zusammen, ein klar strukturiertes Erden, dass der oft kaum zu fassenden stilistischen Vielfalt Form und Rahmen gibt und für die Hörerschaft in eine konsumierbare Textur bringt.
Die Band beherrscht auch die Eleganz der einfachen Linien: Im mittleren Teil ergingen sich Cog mit einer ausladenden Instrumental-Jam-Passage in klar definierter, schnörkelloser Postrock-Hymnik, mit der sie die Brücke zum Konzert der Tour-begleitenden Landsmänner von sleepmakeswaves bauten – wenn auch der weitaus größte Teil ihrer imposanten, Genre-übergreifenden Progressive-Demonstration das spannungsgeladene Kontrast-Programm zum ersten Auftritt des Abends bot.
Durch permanente, Jahrzehnte-lange Abstinenz macht man jeder Gefolgschaft die Zähne lang, darum kaum verwunderlich, dass der Applaus für den ersten München-Gig der drei Cog-Musikanten besonders dankbar ausfiel.

MC50 + Taskete! @ Backstage Halle, München, 2018-11-23

„Fred Smith und ich gründeten kurz darauf eine super Gruppe, die wir mit den besten Musikern aus unseren beiden Bands besetzten. Später kam noch Rob Tyner dazu, ein Beatniktyp. Von ihm stammt auch der Name MC5. Rob fand, das würde sich anhören wie eine Seriennummer – es passte also hervorragend zum Leben zwischen Autofabriken. Immerhin kamen wir aus Detroit, und die MC5 hörten sich an, als wären sie auf dem Fließband entstanden.“
(Wayne Kramer in: Legs McNeil, Gillian McCain, Please Kill Me: The Uncensored Oral History Of Punk)

„Kick Out The Jams, Motherfuckers!“, von den Motor City Five vor einem halben Jahrhundert im radikal links-revolutionären Geist dem amerikanischen Hippie-Volk im Grande Ballroom zu Detroit um die Ohren geblasen, kurz darauf bei Elektra als heute noch ohne Abstriche gültiger Meilenstein der Rockmusik für die Nachwelt auf Vinyl gepresst, zu der Gelegenheit dem benachbarten Iggy und seinen Stooges zum Plattenvertrag bei der selben Firma verholfen, und damit der Musik-konsumierenden Welt erstmalig eine ungefähre Ahnung gegeben, was da ein paar Jahre später unter dem Label „Punk“ an roher Energie auf sie einwirken sollte.
50 Jahre MC5 und die Veröffentlichung ihres Protopunk-Debüt-Jahrhundertwerks, Grund genug, für Gitarrist Wayne Kramer mit einer handverlesenen Schar an Indie-/Alternative-Größen unter dem hochgezählten Band-Namen MC50 zum würdigen Zelebrieren des Jubiläums auf große Konzertreise zu gehen, vergangenen Freitag machte der US-amerikanische All-Star-Tross auch im Münchner Backstage Halt.
Im Vorfeld gehegte Zweifel hinsichtlich lauer Darbietungen aufgewärmter, abgestandener Rock-Dinosaurier-Kost zwecks Aufbesserung der Musikanten-Rentenkasse zerstreuten sich umgehend mit Konzert-Start, die Band legte furios los mit dem ersten Teil der Setlist, die alle acht Stücke des Debüts in leicht veränderter Reihenfolge präsentierte, herausragend dabei neben solider bis mitreißender Aufführung von „Ramblin Rose“ über den allseits bekannten Titeltrack „Kick Out The Jams“ und aller weiteren Heavy-Perlen vor allem das Platten-beschließende „Starship“ als großartige, ausgedehnte Space-Rock-Jam zwischen experimentellem Free Jazz, Cosmic American Music und lichternder Acid Psychedelic in Anlehnung an „Dark Star“-Exerzitien der Vorzeige-Hippies von Grateful Dead.
Die Band ließ zu keiner Sekunde Zweifel an der Ernsthaftigkeit ihrer Unternehmung aufkommen, Mastermind Wayne Kramer selbst als einzig verbleibendes Gründungsmitglied der MC5 offenbarte geradezu lichterlohes Brennen für sein Werk und eine fulminante Bühnenpräsenz, wohlgemerkt für einen mittlerweile Siebzigjährigen. Der Ausnahmegitarrist hat sich offensichtlich von persönlichen Rückschlägen wie seiner früheren Drogensucht, einem Gefängnisaufenthalt, durchwachsenen Solo-Erfolgen und Jobs als Handwerker zur Finanzierung des Lebensunterhalts nicht unterkriegen lassen, Kramer gibt trotz lichter werdendem Haupthaar im fortgeschrittenen Rentneralter den bestens aufgelegten, Energie-geladenen Springteufel, hinsichtlich Fingerfertigkeiten an den Saiten seiner elektrischen Gitarre ist der Mann ohnehin über jede Zweifel erhaben, wie sein begleitendes, prominentes Tour-Personal nicht minder.
Soundgarden-Gitarrist Kim Thayil glänzte als spielfreudiger, versierter Ersatzmann für den 1994 dahingeschiedenen Fred „Sonic“ Smith, die gleichsam nicht mehr unter den Lebenden weilenden MC5-Musiker Rob Tyner und Michael Davis wurden imposant von Zen-Guerilla-Sänger Marcus Durant und dem Faith-No-More-Bassisten Billy Gould vertreten, erster nebst der Optik durch explodierendes Afro-Haar vor allem auch wegen seinem voluminösen Sanges-Organ für den Job mehr als prädestiniert, zweiter mit unermüdlichem Druck ein herausragender Rhythmusgeber an den wummernden Bass-Saiten, im kongenialen Verbund mit ex-Fugazi-Drummer Brendan Canty, den man mit seinem virtuosen Getrommel nach mehreren vergangenen Dekaden endlich wieder einmal in München begrüßen durfte.
Das Quartett beeindruckte mit einer beseelten Mixtur aus technisch brillantem Prä-Grunge, unsentimentaler Punk-Härte und schneidigem Garagen-Rock, in selten so differenziert gehörtem, glasklaren Sound, ohne den Schmutz der alten Rock-Hauer vermissen zu lassen, neben dem kompletten Material des 1969er-Debüt-Albums mit einer Auswahl an Songs aus den beiden Folge-Werken „Back In The USA“ und „High Time“, Sänger Durant gab nebst grundsolider Performance vor allem in der zu einem hart rockenden Blues-Bastard anschwellenden Ray-Charles-Nummer „I Believe To My Soul“ als einziger Cover-Version des Abends und im schwergewichtigen Bluesrock von „Let Me Try“ im Zugabenblock den extrovertierten, mächtig beeindruckenden Soul-Shouter, ganz Frontmann der alten Schule.
Da hat eine Zusammenkunft aus alten Haudegen dem Nachwuchs eine mustergültige Lehrstunde an handfestem, enthusiastischem, substanziellem Rock-Entertainment im historischen Kontext ohne Verfallsdatum verpasst, wem das am vergangenen Freitag keinen Respekt abnötigte, der- oder demjenigen war dann hinsichtlich Geschmacksverirrung oder Taubheit wohl kaum mehr zu helfen…

„Die MC5 waren die Typen, die die Bäume gefällt haben, um die Feldwege anzulegen, damit die Straßen gepflastert werden konnten, um die Highways zu bauen, damit der Rest von uns im Cadillac spazierenfahren konnte.“
(Cub Koda)

MC50 live in unseren Landen noch zu folgenden Gelegenheiten, highly recommended:

27.11. – Köln – Luxor
28.11. – Berlin – Columbiahalle
29.11. – Hamburg – Fabrik

Die zwei jungen Mannen aus dem Vorprogramm können sich zweifellos noch einiges abschauen von den alten Hasen, da heißt es Augen und Ohren auf zur Gelegenheit der gemeinsamen Tour. Drummer Flo Weber von den Sportfreunden Stiller hat die Komfort-Zone des deutschsprachigem Mainstream-Indie-Pop seiner Stammcombo verlassen und sich mit Aren Emirze, dem ehemalige Frontmann der hessischen Noise-Rock-Kapelle Harmful im Sommer zum gemeinsamen Duo-/Seiten-Projekt Taskete! formiert. Druckvolles, entfesseltes Getrommel und lärmende Stromgitarre sorgten für leidlich gefällige Unterhaltung zwischen Garage und Grunge, die dem lautmalenden, oft zu Gehör getragenen  Alternative-Rock-Gedröhne vergangener Dekaden im Wesentlichen nicht allzu viel Neues hinzuzufügen hatte und fürderhin ein gerüttelt Maß an breitgefächertem, ergänzendem Ideen-Input zur durchaus brauchbaren Basis benötigt, um den Weg aus Einheitsbrei und dreißig-minütigem Vorprogramm-Beschallen zu finden.