Soundtrack des Tages (208): Große Freiheit

Was aus der Nostalgie-Abteilung, nach dem Motto „Früher war alles besser, die Musik mutiger und wir selbst wilder & vor allem jünger“: Die Combo Große Freiheit wurde Anfang der Achtziger von den Hamburger Musikern Martin Georg Grunwaldt und Michael Wentzel gegründet, 1982 veröffentlichte das ZickZack-Label von Alfred Hilsberg ihre beiden Maxis/EPs „Piroschka“ und „Die Moschusfunktion“. Begriffe wie DIY oder LoFi geisterten zu jener Zeit noch nicht durch die Musikpresse, die Band bewegte sich auf diesem Level in einem Spannungsfeld zwischen experimentellem NDW-Elektro-Pop und Synthie-New-Wave. Auf „Die Moschusfunktion“ glänzt vor allem das Stück „Expressomaschine“, eine wunderbar gelungene und in der Form bis heute unerreichte Coverversion mit surrealem Text im Geiste des Elektro-Punk, das Original „Auf der Espresso-Maschine“ stammt vom Liedermacher, Rechtsanwalt und Alt-Kommunisten Franz Josef Degenhardt und findet sich auf seiner 1965er-LP „Spiel nicht mit den Schmuddelkindern“.
Von Große Freiheit war’s das dann auch schon mehr oder weniger mit Erwähnenswertem aus der Pop-Historie. Martin Grunwaldt trat in den späten Achtzigern mit dem Bassisten Johann Bley als Duo auf, neben zahlreichen Fernseh-Shows unter anderem im Vorprogramm der Red Hot Chili Peppers. Im Nachgang veröffentlichte Grunwaldt zwei Solo-Alben, das bis dato aktuellste erschien im Jahr 2001.

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dunk!Festival 2018 @ Zottegem/Velzeke, Belgien, 2018-05-12

#dnk18, Tag 3. Nach dem inzwischen traditionellen Biervorräte-Auffüllen mit Trappisten- und anderem höher-prozentigem belgischem Gebräu wartete der Festival-Tag zum Einstieg mit ordentlich Sludge- und Doom-Metaller-Gepolter auf. Die Belgier von Huracán vermochten zum Auftakt nicht zum längeren Verweilen im großen Zelt einladen, zwingendere Argumente dahingehend hatte die Würzburger Kapelle Cranial zu bieten, die unterfränkische Band überzeugte mit einem stringenten, zupackenden Postmetal-Konzept, in dem sie ihr gutturales Kehlgebrüll gnadenlos durchzog. Typische „Love it or leave it“-Nummer, in dem Fall hat es für beifälliges Wohlwollen gereicht, und zum letzten Kick in Richtung Wach-werden war’s allemal schwer tauglich.
Speziell die Münchner Interessenten können sich davon demnächst einen eigenen Eindruck vor Ort verschaffen, Cranial spielen nebst Bands wie Converge und Dark Buddah Rising am 16. Juni beim Saint Helena Festival 2018 im Feierwerk. Gehörgänge-schonende Ohrenstöpsel nicht vergessen…

Das Hamburger Drone-Doom-Duo Father Sky Mother Earth hat beim allerersten außerdeutschen Auftritt der noch jungen Bandgeschichte mit der Waldbühne des dunk!Festival selbstredend bei weitem nicht den schlechtesten Start in Richtung Auslandseinsätze erwischt, wie auch das Publikum kaum genehmer in die Open-Air-Runde im Grünen hätte einsteigen können. Bei angenehmsten frühsommerlichen Temperaturen ließ es sich gut vor die Waldbühne lümmeln und gebannt den Klängen der jungen Männer Seel und Gerull lauschen, die – das mochte die latent irritierende Salafisten-Gewandung erklären – eingangs mit orientalischen Elementen in ihren meditativen Kraut/Space/Psychedelic-Drones aufwarteten und die gedehnte Klangreise mit gesampelten Drums, gelooptem Noise-Gelichter und vor allem ihren analogen, fräsend-wummernden Gitarren/Bass-Läufen zu einer sich steigernden, zähen Doom-Metal-Intensität trieben, die Trance-artig in kontemplative Zustände zu versetzten wie begeistern wusste. Die bundesrepublikanischen Vertreter waren in diesem Jahr in Velzeke generell mit sicherer Hand verlesen, mit den beiden jungen Doom-Hanseaten ist dem Planungskomitee ein besonderer Griff gelungen. In der Form hoffentlich irgendwann auch in unseren südlichen Breitengraden zu genießen…

„One guitarist anchors a rock band’s sound. Two guitarists open space for the second to grow and expand a limited foundation, allowing for more freedom and experimentation. But the addition of a third guitarist makes a band really interesting – crazy, cataclysmic, soul-shaking interesting“. Die Kanadier von Appalaches haben sich für letztere Variante entschieden und kreieren damit wunderschönen, hymnischen Postrock nach allen Regeln der Kunst, eine verspielte und vielschichtige Instrumental-Kunst, mit der die Band aus Montreal höchsten Ansprüchen in der Liga von Mogwai, Explosions In the Sky oder Caspian gerecht wird. Von den „klassischen“ Postrock-Bands beim diesjährigen dunk! eine der angenehmsten und erhebendsten, was kann es an Lob mehr geben?
Appalaches spielen am kommenden Pfingstmontag, 21. Mai, im Rahmen des 8. Noise Mobility Festivals in der Münchner Glockenbachwerkstatt, Blumenstraße 7, die Konzerte beginnen ab 21.00 Uhr – dicker Tipp!

jeffk aus Leipzig setzten den in den fraglichen drei Tagen sich permanent verstetigenden #dnk18-Trend exzellenter „Forest“-Stage-Auftritte mit treibender Instrumental-Postrock-Energie fort, das Powertrio überzeugte völlig mit einem Bass-lastigen Drive, hartem wie filigranem Drängen in die vorderen Linien und heftigen, nervös-flirrenden Gitarren, speziell der pulsierende Saiten-Groove weckte Erinnerungen an Glanztaten der US-Kollegen von Maserati, was in dem Genre beileibe nicht die schlechteste Referenz ist. Dabei hingen jeffk keineswegs im Epigonentum fest, die Band paart ihre ausgewiesenen technischen Finessen mit einer eigenen PR/PM-Vision, die Härte, Seele und Gespür für die ausgewogene Balance zwischen Melodie und Rhythmik erkennen lässt.

Die südkoreanischen Kollegen von Jambinai 잠비나이 mussten im Vorjahr bedauerlicherweise ihren geplanten dunk!-Auftritt kurzfristig absagen, so war die chinesische Band Zhaoze 沼泽 nach den #dnk15-Auftritten der Landsmänner von Wang Wen 惘闻 und der japanischen Postrock-Götter Mono erst die dritte asiatische Formation in der dreizehn-jährigen Historie des Festivals. Das Quartett aus der südchinesischen Millionenstadt Guangzhou hat seit der Jahrtausendwende zahlreiche Tonträger veröffentlicht und zählt wie die kürzlich in München aufgetretenen Wang Wen 惘闻 zu den bekanntesten und besten Postrock-Bands im Reich der Mitte. Hoyliang, der Bandleader mit der Intellektuellen-Brille, war weltweit der Erste, der die Guqin, eine Griffbrett-Zither aus der jahrtausendealten chinesischen Musiktradition, als ein elektrisch verstärktes Instrument bespielte, dementsprechend ist der Hybrid-Sound von Zhaoze 沼泽 aus Ambient, westlichem Postrock, cineastischen Kompositionen im Geiste von Zamfir und Morricone und Prog-Psychedelic vor allem durch den Klang dieses Saiten-Instruments dominiert, was dem elegischen, beseelten Klangbild auf der Hand liegend den ureigenen asiatischen Charakter und einen hohen Wiedererkennungswert verleiht. Wunderschöne Musik und der wahre Soundtrack für Tarantinos „Kill Bill“-Doppelpack.

„Wir haben auch Wälder in der Slowakei, da gehen wir ab und an hin, pfeifen uns was ein, sinnieren über das Leben und warten, bis die Ideen zu unseren Nummern kommen“, meinten die Mannen von The Ills, damit passte das Quartett aus der Hauptstadt Bratislava wohl wie kaum eine andere ins satte Grün des Unterholzes, wie auch ihr romantischer Shoegaze-Math-Rock, mit dem die Combo so manch technische Trümpfe ausspielte und ihre organischen Klangwellen um die verharzten Baumstämme schmeicheln ließ.

Kurz nach der ersten chinesischen gab sich die erste indische Band beim dunk! ihr Stelldichein, nach eigenen Worten trachteten aswekeepsearching seit zwei Jahren nach einer Berücksichtigung im Festival-Lineup (daher rührend vielleicht der Bandname?), in der 2018er-Ausgabe hat es für die junge Band aus der Nähe von Bombay endlich geklappt, zur offensichtlich beidseitigen Freude von Musikanten wie Publikum. Wo sich eingangs noch dezenter Zweifel einschlich bei Gesangs-begleiteten, ätherischen Songs, die wiederholte Male in 80er-Wave-Belanglosigkeiten wegzukippen drohten, trieb das indische Quartett ihren emotionalen Vortrag schnell weitaus mehr überzeugend im Uptempo-Drive in Richtung Djent, Math-, und Postrock-Hymnen, die sich vor keinen großen Namen verstecken mussten. Das stetig sich steigernde Zutreiben auf eine finale Klimax entlud sich in frenetischem Applaus seitens der Zuhörerschaft, den sich die Band letztendlich redlich verdiente.
Schreit nach Wiederholung, und die gibt es beispielsweise am 1. Juni im Orangehouse des Münchner Feierwerks, asweekeepsearching werden an dem Abend zusammen mit den schwedischen Postrockern und letztjährigen dunk!-Teilnehmern pg.lost auftreten.

Eine Handvoll Bands vom 3. Festivaltag fehlt hier in der ausführlichen Würdigung: Die Amis von Tides Of Man konnten mit austauschbarem Postrock-Durchschnitt im großen Zelt nicht fesseln, zu Les Discrets als seinerzeit letzte für das #dnk18 angekündigte, lange zurückgehaltene, im Vorfeld mit viel Geheimnistuerei begleitete Band gab es bereits einige Woche zuvor nur ratloses Schulterzucken (im Vorjahr zauberte man über die Schiene mit den Swans einen echten Kracher zum Zungenschnalzen aus dem Hut!), live mochte die Shoegazer-Indie-Spielart des Genres aus dem Alcest-Umfeld auch nicht zu Begeisterungsstürmen hinreißen, und für den letzten Waldbühnen-Auftritt der UK-Synthetiker von Worriedaboutsatan aus Yorkshire fehlte im Vorfeld zum heraufziehenden Russian-Circles-Orkan schlichtweg der Nerv, obwohl das Electronica-Techno-Treiben der beiden Briten zu anderer Gelegenheit vermutlich viel Freude beim Abzappeln bereitet hätte.

„Love is not a Victory March“ hat Leonard Cohen einst in seiner später von John Cale veredelten Hymne „Hallelujah“ angemerkt, das mag so sein in den komplizierten Liebesbanden, ein Konzert der US-amerikanischen Postmetal-Götter von Russian Circles hingegen ist in der Regel stets ein einziger tonaler Siegeszug, so nicht anders beim großen dunk!-Finale in der Samstagnacht im großen, vollbepackten Festival-Zelt.
Zwei Jahre nach ihrem erschütternden, auch auf Tonträger konservierten Auftritt an selbem Ort unterstrichen die Herren Sullivan, Turncrantz und Cook einmal mehr, warum sie sich wie kaum eine andere Formation bei den Headlinern dieses Festivals quasi als Primus inter pares förmlich aufdrängten.
Wo die Band vor zwei Jahren atonale Interludien en masse zwischen die einzelnen Nummern packte und sich immer wieder den Weg freispielte in erkennbare Melodiebögen und Strukturen, stimmte das Trio am Samstag für individuelle Verhältnisse geradezu luftige Space-Intermezzi an, der Wucht, Virtuosität, den zentnerschweren Bass-Drones und der Erhabenheit der exzellenten Gitarrenwände Mike Sullivans in Instrumental-Preziosen wie „Vorel“, „309“, „Mota“ oder „Afrika“ tat dies keinen Abbruch. Russian Circles bleiben die Götter im Olymp des Postmetal, wenn auch in vergangenen Jahren in der konzertanten Vollbedienung ab und an eine Spur mehr Schärfe, Härte, kompromissloserer Zugriff, rauschhaftes Überwältigen war. Wer weiß, vielleicht muss der vielbeschäftigte Basser Paul Cook nach seinen jüngsten Attacken auf die Hörgewohnheiten im Verbund mit den Experimental-Metallern Sumac und dem japanischen Ausnahme-Experimentierer Keiji Haino einen Gang zurückschalten, wird ja keiner jünger…
Als quasi Schwanengesang auf die 2018er-Ausgabe des belgischen Postrock-Hochamts stimmten Russian Circles das großartige „Mládek“ vom rundum sehr großartigen Band-Meilenstein „Empros“ an, treffender hätte die Band nicht wählen können mit einem Stück, das den Flow des Postrock mit der Energie der instrumentalen Metal-Spielart wie kaum ein anders in Einklang bringt, und dann war Schluss, ein ungläubiges Staunen machte sich breit, bedauernd ob dem Umstand, dass Russian Circles nach einer begeisternden Aufführung zu keiner Zugabe mehr zu bewegen waren, leicht wehmütig aber vor allem dahingehend, dass drei wunderbare Festival-Tage unwiederbringlich wie im Flug dahinschwanden und der Konzert-Reigen tatsächlich an dem Punkt zu seinem Ende fand.

Wie oben erwähnt, die drei Tage dunk! 2018 vergingen viel zu schnell, ein untrügliches Zeichen dafür, dass einmal mehr wieder so ziemlich alles auf den Punkt gepasst hat am Platz und in den Räumlichkeiten des Jeugdheem der Populier in Velzeke/Zottegem. Von der exzellenten Organisation, den freundlichen und stets zuvorkommenden freiwilligen Helfern, dem leckeren Catering, der idyllischen Camping-Umgebung und dem sauberen Zustand der sanitären Anlagen ist man nach einigen dunk!-Runden nicht mehr überrascht, weiß es aber nach wie vor in höchstem Maße zu schätzen.
Die Rückkehr zum Zwei-Bühnen-Konzept kann nur gelobt werden, die zeitlichen Überschneidungen im Vorjahr führten zwangsläufig zu nicht gewollten Streichungen in der Konzertplanung. Ein Hoch auch auf die Beibehaltung der im letzten Jahr erstmals bespielten und bewährten Waldbühne, relaxter und in entspannterem Ambiente kann man experimentelle Musik kaum genießen als am Waldhügel vor der Naturkulisse.
Gleiches Lob gilt für die Umwandlung des ehemaligen „Stargazer“-Zelts als Merchandising-Butze, mit dem wunderbaren Stand der supernetten Leute vom Bielefelder Kapitän-Platte-Label neben dem dunk!Records-Verkaufsangebot an prominentester Stelle.
Kulturforum-Betriebsausflug-Begleitung und angetroffene Bekannte vor Ort: ohne Euch wär’s nur der halbe Spaß gewesen. Publikum: vorbildlich. Preise: gibt’s nix zu knurren. Wetter: Schauer erst in der letzten Nacht, damit alles im grünen Bereich.
Gefehlt haben: das heuer eingesparte Festival-Programmheft im Pocket-Format. Und die exzessiven, Semi-Luftgitarren-Auftritte vom Festival-Man, den haben sie scheint’s schwerst eingebremst, Waldbühne war augenscheinlich No-Go-Area für den Guten, und im großen Zelt hat man ihn bei vergangenen Veranstaltungen auch schon weitaus mehr in seinem Element gesehen.
Wunsch für’s nächste Jahr: Etwas mehr experimentelleres Wagnis auf der großen Bühne. Oder Godspeed You!Black Emperor. Oder Wrekmeister Harmonies. Oder… oder einfach jetzt hier das Jammern auf hohem Niveau einfach gut sein lassen ;-))))
#dnk18 – es wird – so Gott will – wohl nicht das letzte Mal gewesen sein – Ostflandern / Velzeke / Jeugheem De Populier – Postrock home is where the heart is ♥

Reingehört (436): HEADS.

HEADS. – Collider (2018, This Charming Man Records / Corpse Flower Records / Heart Of The Rat Records)

Sie haben vor gut zwei Jahren im Vorprogramm zum München-Gig der US-amerikanischen Neo-Postpunk-Truppe Protomartyr mit einer schwergewichtigen, intensiven Aufführung einen hochanständigen und nachhaltigen Eindruck hinterlassen, mit dem neuen Werk „Collider“ nimmt sich das nicht anders aus: Das Trio HEADS. zeigt für Anfang April die Veröffentlichung des zweiten Longplayers nach dem selbstbetitelten Band-Debüt vom Mai 2015 an. Chris Breuer, seines Zeichens Crazysane-Records-CIO und ehemaliger Bassist beim ex-Berliner/jetzt-Schweizer-Postmetal-Kollektiv The Ocean, Ed Fraser an Gitarre/Gesang und Drummer Peter Voigtmann lassen in den zehn neuen Songs mit partieller Unterstützung von Kevin Whitley (Cherubs), Luc Hess (Closet Disco Queen), Emilie Zoé (Autisti) und Fabian Bremer (Radare) eine geballte Ladung an Einflüssen aus allen möglichen Genres der härteren Rockmusik-Gangart erkennen, ohne je ins Beliebige, Diffuse, Undefinierte abzudriften oder eine klare, eigene, stringente Handschrift missen zu lassen. Mehr als die Summe ihrer Zutaten, wie man immer so schön sagt, und in jedem Fall ein homogenes, stimmiges, ausgereiftes und höchst anregendes Gesamtwerk, dass die Stärken der Band zu einem gewichtigen, tonalen Argument bündelt. Unverstellt, mit einer geradezu entwaffnenden Direktheit lassen HEADS. Postpunk-Gitarren durch die Betonwüsten der Großstädte heulen, alarmierenden Sirenen gleich, die Luft schneidend, begleitet von dröhnenden Bässen und hypnotischen Trommel-Anschlägen die Pein der Entfremdung in kräftigen Klangfarben skizzierend – eine völlig abgeklärte, in sich ruhende, zu keiner Gelegenheit aggressiv auftretende, sich nie in hysterischer Verzweiflung überschlagende Spielart der ureigenen Noiserock-Kunst, die trotz geschliffener Härte der Beigaben aus Postmetal/Postrock-Soundwänden, Art-Rock-/Progressive-Finessen und bezwingender Sludge-Wucht ohne Schmerzen hörbar/konsumierbar unbeirrt ihren Weg in die Gehörgänge und Hirnwindungen findet und sich dort für die nächste Zeit höchst willkommen einnistet. Wer den gedehnten, illusionslosen und latent morbiden Gesang des US-Schmerzensmanns Mark Lanegan zu schätzen weiß, wird den ruhigen und dunklen Vortrag von Ed Fraser lieben: Ein gleichmütiges, in Tonlage wie Inhalt tiefgreifendes Erzählen über die Unzulänglichkeiten und Unmöglichkeiten des Daseins.
Auf dem Zweitwerk der Berlin/Hamburg/Melbourne-Connection findet alles seinen angestammten Platz, raffiniertes Spiel mit der Laut/Leise-Intensität, das kontrolliert Brachiale, die nüchterne Gelassenheit. Dabei genügt der Band ein überwiegend angezogenes Midtempo-Mäandern, um ihre gesamte tonale Wucht zu entfalten, nur selten lassen die Musiker den Höllenhund losgelöst von der Leine. Das Titelstück selbst weist gar in eine völlig andere Richtung, eine rudimentär von akustischer Gitarre begleitete, lakonische, resignierte Ballade, in der Sänger Fraser die Bandbreite seiner emotionalen Gemütslage wie seiner stimmlichen Fähigkeiten auslotet, ein kurzes Innehalten und Reflektieren vor dem letzten, die Messe beschließenden Noise-Hammer „Youth“.
Das neue HEADS.-Album „Collider“ kommt am 6. April über das Münsteraner Indie-Label This Charming Man in die Schallfolien-Handlungen, in Nordamerika über Corpse Flower Records und Down Under über das australische Label Heart Of The Rat.
(*****)

Live sind HEADS. in nächster Zeit zu folgenden Gelegenheiten zu genießen:

11.04. – Hamburg – Astra Stube – w/Tera Melos (USA)
13.04. – Wiesbaden – Kreativfabrik – w/Tera Melos (USA)
14.04. – Berlin – Collider Release Show – Badehaus – w/Gewalt
15.06. – Saarbrücken – Studio 30 – w/The Yellow King
16.06. – Mannheim – Maifeld Derby Festival

Wang Wen 惘闻 + Saroos @ Import/Export, München, 2018-01-25

Der vergangene Donnerstag-Abend in der Münchner Import/Export-Kantine stand unter dem Motto „Post Rock trifft Alien Transistor“, die Veranstalter von Comecerts luden zum ost-westlichen Kulturaustausch in Sachen Instrumentale Rockmusik.
Wie bereits sporadisch in den vergangenen zwei Jahren schnürten die jungen Konzert-Organisatoren Adam Langer und Jonas Haesner ein stimmiges Doppelpack aus chinesischer und ortsansässiger Tonkunst.

Den Auftakt bespielte die Hamburg-Berlin-München-Connection Saroos, Florian Zimmer, Christoph Brandner und Max Punktezahl trieb das Energie-Level des Abends von Beginn an weit in den oberen Bereich, der Indie-Kraut/Postrock des Trios befeuerte vom Fleck weg den Bewegungsdrang des Publikums, die Musikanten, die ansonsten bei Bands und Projekten wie Driftmachine, Lali Puna, Console und The Notwist mitmischen, ergingen sich in einem treibenden Fluss in schweren Bass-Linien, feinen Keyboard-Pop-Melodien und einem aus dem Modular-Synthesizer entlockten Kosmos aus experimentellen Samples, Electronica-Gelichter und digital-artifiziellen Trance-Beats, die mächtig getrieben wurden vom wuchtig-stoischen Uptempo-Trommelanschlag von Christoph Brandner, der die Instrumental-Werke mit Maschinen-artiger Präzision zu einem hypnotischen Klangbild veredelte, dessen Sog sich im Saal kaum jemand entziehen konnte, wenn auch eine zuweilen sich einschleichende Monotonie in der steten Wiederholung der Rhythmik-/Melodik-/Drone-Intervalle nicht von der Hand zu weisen war.
(**** – **** ½)

Wang Wen 惘闻 zählen in ihrer chinesischen Heimat zu den bekanntesten Postrock- und Instrumental-Bands, was den großen, partiell auch aus anderen deutschen Städten angereisten Anteil der asiatischen Community am Donnerstag-Abend im Publikum erklären mochte. Das sechsköpfige Kollektiv formierte sich kurz vor der Jahrtausendwende in der Hafenstadt Dalian, auf der Halbinsel Liaodong am Gelben Meer und in Luftlinie circa mittig zwischen Peking und dem nordkoreanischen Pjöngjang gelegen. Die Band hat bis dato sieben Studio-Alben veröffentlicht, dazu ein Split-Album mit der schwedischen Ambient-/Postmetal-Band pg.lost und im Rahmen gemeinsamer Konzertreisen bereits die Bühne mit Größen des Genres wie Mogwai oder Mono geteilt.
Den ersten München-Auftritt der Formation machten die bereits eingangs erwähnten, rührigen Studenten Langer und Haesner mit Unterstützung des Konfuzius-Instituts möglich, Adam Langer pflegt seit seinem Schüleraustausch in Hangzhou, einem späteren Studienaufenthalt und diversen Reisen ein spezielles Verhältnis zum Reich der Mitte und dessen Musik-Szene.
Wang Wen 惘闻 boten in neunzig höchst kurzweiligen Minuten eine faszinierende und völlig gefangennehmende Demonstration ihrer Spielart des Postrock, die Band gewährte sich und dem Publikum die nötige Zeit zum Entfalten der tonalen Wucht ihrer ausgedehnten und komplexen Kompositionen. Einem Rinnsal gleich, dass sich minütlich immer weiter zu einem reißenden Fluss entwickelt, packten die Musiker Schicht um Schicht ihrer sich permanent in der Intensität steigernden Zutaten in ihren rein instrumentalen, nur einmal kurz von einer vehementen Brüll-Attacke durchbrochenen Vortrag, dabei mittels melancholischer Keyboard-Klangteppiche und wunderschön elegischer, getragener Tuba- und Trompeten-Einlagen unterstreichend, dass der Postrock nicht zwingend nur von gängigem Laut-Leise und überbordenden Gitarren-Wänden dominiert werden muss wie auch gelegentlich in Melodie-verliebten Jazzrock der angenehmeren Variante driften darf. Erfurcht gebietend war die disziplinierte Herangehensweise der Musiker, das tiefe Ruhen in der eigenen Kunst und ihre ausgeprägten handwerklichen Fertigkeiten, die die facettenreichen Monumental-Werke zu einem organischen, höchst gelungenen und harmonischen Gesamtbild formten.
Die „Hits“ von Wang Wen 惘闻 waren am freudig überraschten Jubilieren der chinesischen Verehrer der Band bei Intonation der jeweiligen Stücke zu erkennen, bei der ausgeprägten Kenntnis des Kanons der Landsmänner hatten sie gegenüber den Langnasen an dem Abend das Riechorgan eindeutig vorn.
Mit diesem rundweg grandiosen, die Völker-verbindende Kraft der Musik unterstreichenden Konzert dürfte mit etlichen Jahren Verspätung nun selbst in München die Erkenntnis gereift sein, das China neben der Geopolitik auch im Postrock als Weltmacht anerkannt werden muss.
Wie wichtig die Ausgestaltung dieser Kulturaustausch-Abende und der Wohlfühl-Faktor für die jungen Veranstalter ist, zeigte sich nicht zuletzt am kostenfreien Ausschank chinesischer, hochprozentiger Spirituosen und dem Bereitstellen von scharfen asiatischen Snacks nach Ende der musikalischen Aufführungen.
(***** – ***** ½)

Soul Family Tree (35): Early R’n’R Treasures

Der 14-tägige Black Friday von der Nord-Süd-Connection: Heute erinnert Stefan Haase vom Hamburger Freiraum-Blog nochmal gebührend an den kürzlich verstorbenen Fats Domino sowie weitere Pioniere des schwarzen Rock ’n‘ Roll – Shake your Moneymaker, here we go, Soul-Brothers and Sisters:

Es gibt unzählige Künstler, denen zugeschrieben wird, den Rock and Roll vorweg genommen, ihn musikalisch aus der Taufe gehoben zu haben. Im Soul Family Tree gab es dazu auch schon musikalische Beispiele, u.a. von Louis Jordan oder von Ike Turner. Doch die meisten Musiker sind heute vergessen. Geblieben sind Künstler wie u.a. Chuck Berry, Elvis Presley, Carl Perkins, Johnny Cash, Little Richard, Jerry Lee Lewis und der vor wenigen Wochen verstorbene Fats Domino, um den es heute im ersten Song gehen wird.

Fats Dominos Leben ist eng verbunden mit seiner geliebten Heimat New Orleans. Das Leben von Antoine Dominique Domino Jr. in wenigen Worten zusammen zu fassen ist eigentlich nicht möglich. Dennoch in aller Kürze einige Fakten: mit 10 Jahren begann er mit dem Klavierspielen. Mit 14 Jahren trat er bereits in lokalen Bars auf. Dabei fiel er anderen Künstlern nicht nur durch sein Äußeres, besonders auch durch seinen Stil auf und wurde schnell „Fats“ genannt, weil sein Klavierspiel dem von Jazz-Größen wie Fats Waller ähnelte.

1949 machte Fats Domino seinen ersten Schallplatten-Deal bei Imperial Records. Er musste dabei mit Produzent Dave Bartholomew zusammen arbeiten, da er sonst keinen Plattenvertrag bekommen hätte. Eine Methode der Plattenfirmen, die alle afroamerikanischen Künstler erfuhren. So wurde „The Fat Man“ aufgenommen und im Dezember 1949 veröffentlicht. Es wurde Fat Dominos ersten Millionenerfolg. „The Fat Man“ gehört zu dem Dutzend an Songs, die den Rock and Roll vorweg nahmen und deren Interpreten Pioniere ihrer Zeit waren.

Im Januar 1950 kam der Song in die Top 20 der damaligen R&B Charts und erreichte 1953 die Millionengrenze. Es war der Startpunkt für Fats Domino zu seiner großen Karriere, und so schrieb er in den 1950er Jahren allein mehr als 35 Hits, die seinen Back-Katalog begründeten und von deren Erfolgen er ein Leben lang zehren konnte.

Wir bleiben beim Klavier und kommen zu Lloyd Price und seinem Song aus dem Jahr 1952 „Lawdy Miss Clady“. Price stammt wie Fats Domino aus New Orleans, er hatte in den 1950/60er Jahren einige große Hits. Hier kann man Fats Domino am Piano hören. Da Price bei einem anderen Plattenlabel unter Vertrag war, wurde Fats Domino nie namentlich genannt. Es gibt von diesem Song mehr als 150 Cover-Versionen.

Mit Huey „Piano“ Smith aus New Orleans kommen wir zu einem der bedeutendsten Musiker der Piano-Tradition der Stadt. Er war erfolgreicher Session-Musiker und Komponist für andere Interpreten. Dann gründete er seine eigene erfolgreiche Band The Clowns in den 1950er Jahren. Sein größter Hit „Don’t You Just Know It“ kam im Januar 1965 unter dem Titel „Don’t ha ha“ von der britischen Beatband Casey Jones & The Governors heraus, diese Version war u.a. auch in Deutschland erfolgreich. Doch wir bleiben beim Original.

Bo Diddley fehlte bislang hier im Soul Family Tree, was heute nachgeholt wird. Er verknüpfte den Rock and Roll mit dem Blues, setzte schon früh Akzente und kreierte seinen eigenen Stil, der sehr viele andere Musiker bis heute inspirierte. In den 1950er Jahren baute er sein Markenzeichen: eine Gitarre mit einem rechteckigen Korpus. Obwohl sein Stern ab den 1970er Jahren sank, nahm er weiter Platten auf und tourte durch die Welt und spielte mit vielen anderen Musikern zusammen. Als der Punk aufkam, erinnerten sich einige Bands an seine Titel. So wurde sein Name und sein besonderer Gitarrenstil immer weiter getragen. 2007 starb er, fast 80 Jahre alt, in seinem Haus in Florida. Für heute habe ich seinen Titel „You Can’t Judge A Book By It’s Cover“ ausgesucht.

Der Rausschmeißer für diesen Monat kommt von der Blues-Legende Little Walter aus Louisiana. Der Chicago-Blues ist mit seinem Namen eng verbunden. Er kreierte einen einzigartigen elektrischen Blues-Sound. Mit nur 38 Jahren starb er 1968 zu früh in Chicago. Hier kommt Marion Walter Jacobs aka Little Walter mit „Off The Wall“ aus dem Jahr 1953.

Zum Schluß noch ein Hinweis. Alle bereits hier vorgestellten R&B-Songs plus Bonus-Songs habe ich in einer öffentlichen Playlist bei YouTube zusammengestellt. Zum Nach- und Wiederhören. Viel Spaß!

Und beim nächsten Mal in 4 Wochen gibt es u.a. ein Special um den legendären Savoy Ballroom Tanzclub in Harlem/New York. Dann heißt es „Stompin‘ at the Savoy“.

Peace and Soul.

Stefan aka Freiraum.