Pelican + Slow Crush @ Hansa39, München, 2019-10-09

Unrunder Konzert-Abend zur vergangenen Wochenmitte im leidlich gut besuchten Hansa39-Saal des Münchner Feierwerk. Dabei war die Vorfreude zum Auftritt der US-amerikanischen Postmetal-Band Pelican groß, das Quartett zählt neben Formationen wie Russian Circles, Isis, Neurosis oder Jesu zur Speerspitze der Bewegung. Unvergessen ihr grandioser Auftritt beim belgischen dunk!Festival im Frühsommer 2016, der Gig in Flandern stach seinerzeit qualitativ weit aus dem dreitägigen Programm des alljährlichen Postrock-Gipfeltreffens heraus und veranlasste damit das Veranstalter-eigene Label zur Veröffentlichung des Mitschnitts auf limitiertem Vinyl. Der München-Auftritt 2019 wird hingegen kaum in die großen Momente der Pelican-Analen eingehen, das lautmalende Instrumental-Quartett aus Chicago erwischte im Feierwerk bei weitem nicht die besten Rahmenbedingungen ihrer Karriere für einen gelungenen Gig. Dabei startete die Formation um den entfesselt aufspielenden Gitarristen und Bühnen-Derwisch Trevor de Brauw furios, Nummern wie der Opener „Midnight And Mescaline“ funktionieren live wunderbar – wo das Material vom aktuellen, im vergangenen Sommer veröffentlichten Düster-Werk „Nighttime Stories“ so manche Fragezeichen nach der Sinnhaftigkeit einer weiteren Pelican-LP im immer gleichen Instrumental-Flow aufwirft, zeugte die konzertante Interpretation des fast komplett vorgetragenen neuen Werks von Funken-schlagender Energie und ungebändigter Spielfreude. Leider brachte defektes Equipment die zupackende Mixtur aus offensiven, stramm in den vordersten Fronten angreifenden Postmetal-Riffs, Sanges-freiem, Black-Sabbath-infiziertem Doom und großen Postrock-Dramen nach wenigen Stücken zum zwischenzeitlichen Erlahmen, der für die filigranere Gitarren-Arbeit zuständige Dallas Thomas zeigte sich ungehalten über seinen defekten Amp, das Gerät lieferte nicht das, was der Musiker wollte. Nach minutenlanger Unterbrechung und einem weiteren gescheiterten Versuch mit der defekten Marshall-Gerätschaft wurde mit dem Ersatz-Teil der Vorband improvisiert. Den regulären Set brachte die Band damit im strammen Drive zum glücklichen Ende, das Postmetal-Volk nickte gefällig mit bis zur einsetzenden Halsstarre. Finaler Stimmungstöter nach Bühnen-Abgang mit der Weigerung der Band, zusätzliches Material zur knappen Stunde als Zugabe zu kredenzen. Wo einer wie der gute alte Lou Reed selbst bei völlig verstimmten Saiten nur ein lakonisches „It’s good enough for Rock and Roll!“ knurrt und sein Gewerk zur Erbauung des Auditoriums unbeeindruckt fortsetzt, gaben sich die vier Wasservögel als Technik-Perfektionisten und verweigerten jedes weitere Zutun. Im Saal hätte außer den Musikern selbst wohl kaum jemand den Unterschied in der Wiedergabe des Gitarrenanschlags auf improvisiertem Equipment benennen können, anyway, so fährt man eine Nummer, die trotz widriger Umstände gleichwohl im Wesentlichen funktionierte, endgültig gegen die Wand. Schade.

Bereits zuvor eine durchwachsene Darbietung: Den Auftakt der Veranstaltung bespielte das belgische Quartett Slow Crush um die englische Sängerin und Bassistin Isa Holliday, zur Bewerbung der für den 25. Oktober geplanten Veröffentlichung des neuen Tonträgers „Ease“, im Opener mit einem hymnischen, melodischen, geradezu ergreifenden Hybrid aus Shoegazer-Romantik und Postpunk-Energie, dessen hohes Niveau im weiteren Verlauf des Auftritts bedauerlicherweise kaum gehalten werden konnte. Gegen Ende der guten vierzig Minuten ein weiterer Peak an euphorisierenden, Konzert-beschließenden Postrock- und Noisepop-Ergüssen, dazwischen reichlich, geradezu über Gebühr strapaziertes Shoegazer-Standardprogramm, das die engen Grenzen des Genres einmal mehr deutlich aufzeigte und wie bei vielen anderen Vertretern der Zunft unterstrich, warum das Songmaterial jedweder Combo dieser Spielart des Indie-Rock mit zu den austauschbarsten in der weiten Welt der lärmenden Pop-Musik zählt. Die Lichtshow und die gelegentlich zwischen Noise-Rock und Grunge taumelnden Eruptionen setzten unbedingt gefällige Akzente, das Potential der Band scheint jedoch (bisher) nicht ausgeschöpft, die Reise der vier Musikanten nahm vor zwei Jahren erst ihren Anfang, und es ist noch kein Meister vom Himmel gefallen…

Werbung

Amenra + Bait @ Hansa39, München, 2019-05-12

Fatum Nos Iunget – Der Wahlspruch vom Logo der Church Of Ra sollte sich am vergangenen Sonntag-Abend im Münchner Feierwerk für die Gläubigen einmal mehr erfüllen: das Schicksal hat die Kirchenvorstände der belgischen Postmetal-Institution Amenra wie im Mai vor einem Jahr mit den hiesigen Getreuen im Hansa39-Saal zur rituellen Reinigung zusammengeführt, ohne neues Material im Gepäck präsentierte die kultisch verehrte Band aus dem flandrischen Kortrijk eine repräsentative Werk-Auswahl aus den Teilen drei bis sechs ihres „Mass“-Zyklus.
Wer zu Amenra pilgert, dürfte gewahr sein, welch schwergewichtige Themen in kompromissloser Ausformulierung in dieser Messe zum Vortrag kommen: Bei Titeln wie „Am Kreuz“, „De Dodenakker“ oder „Deadborn And Burried“ liegt es unmissverständlich auf der Hand, dass hier kein Platz ist für Applaus-heischende Wohlfühl-Kommunikation mit dem Publikum, für Austausch der Konzert-üblichen Floskeln oder gar ein allseits gefälliges, lieblich ins Ohr schmeichelndes Klangbild. Auch wenn Sänger Colin H. Van Eeckhout die ein oder andere Nummer mit zart entrückten Klage-Gesängen einleitet, ist die Stoßrichtung des Quintetts doch stets eine eindeutige: Die radikale Würdigung und Auseinandersetzung mit der Trauer, mit dem physischen und psychischen Leiden, den dunklen und unverhandelbaren Seiten des Lebens. Aus jedem Amenra-Epos atmet der Hauch der Unausweichlichkeit, der Odem der letzten Wahrheiten aus den Gruben der Gottesacker und Gruften, aus den eigenen seelischen Abgründen, zum Ausdruck gebracht durch die innere, zerreißende Pein von Zeremonienmeister und Schmerzensmann Van Eeckhout selbst, gespeist aus seinen eigenen Erfahrungen und Emotionen, die er in reinigender, schierer Verzweiflung in die Welt hinausschreit. Der meditativen, spirituellen Katharsis gab sich CHVE wie stets in ritueller Übung zumeist vom Publikum abgewandt hin, in ausgelebter Fixierung auf den kaum greifbaren Wahnsinn, in gedeihlicher Symbiose mit dem lärmenden Beben seiner Mitmusiker. Ein erschütterndes, durch Mark und Bein gehendes Beben, dass Mathieu Vandekerckhove mit seinem harten Gitarren-Anschlag dominierte, mit voluminös berstenden Lärm-Kaskaden, die sich wie das wuchtige Implodieren eines brodelnden Stahlwerks ausnahmen, donnernd in der gebotenen Intensität von der Rhyhtmus-Abteilung mit Gitarrist Lennart Bossu, Basser Tim De Gieter und Drummer Bjorn J. Lebon potenziert. Stilistisch findet sich im Amenra-Sound das Erschütterndste wie Erbauendste aller Doom/Sludge- und Post-Metal/Core-Welten zu unvergleichlichen Lärm-Monolithen vereint, zu kollabierenden Sound-Wänden wie Momenten absoluten Friedens im Auge des donnernden Hurrikans. Der belgischen Ausnahme-Formation gelang am Sonntag-Abend zum wiederholten Male das seltene Kunststück, zutiefst anrührende, bisweilen verstörende Themen, die schwere Kost ihrer Song-Inhalte und die einhergehende tonale Radikal-Interpretation in atmosphärische Momente von erhebender und strahlender Schönheit zu verwandeln, und das wie stets aus einem Grundton des tief Schwarzen heraus. Knapp siebzig Minuten, die nach keiner Dreingabe verlangten: Es war alles gesagt zu den letzten Dingen und ihrer schwer zu akzeptierenden Unausweichlichkeit.
Bedauerlich, dass es auch in diesem Jahr nicht mit einem Amenra-Auftritt beim dunk!Festival im ost-flandrischen Zottegem klappt, die Band hätte quasi Heimspiel beim dreitägigen Postrock-Hochamt.

Vor dem großen Amenra-Requiem bespielte das Black-Core-Trio Bait aus Würzburg zur Einstimmung für eine halbe Stunde den Saal. Die Band schert sich wenig um stilistische Konventionen und lässt das beschleunigte Tempo des Hardcore auf Schwarzmalereien aus den finsteren Gemütslagen des Metal und Doom prallen. Schneidende Riff-Attacken, kompromissloser Drum/Bass-Antrieb und zwei Lautsprecher mit kehligem Gröhl-Gesang aus dem mentalen Höllen-Loch trafen auf ein zugewandtes Publikum, dass die Bemühungen der drei Unterfranken in ihrem donnernden Gewerk durchaus zu schätzen wusste. Mit ihrem Crossover der lauten Brachial-Attacken erfinden Bait das Schwermetall-Rad gewiss nicht komplett neu, bringen es in ihrer Gangart aber auf einem durchwegs ansprechenden Niveau zum Schwingen. Für eine gepflegte Runde gefälliges, hypnotisiertes Mitnicken hat es beim schwarz-gewandeten Volk allemal gereicht. Wo die ersten Nummern im rumpelnden Gepolter austauschbar blieben, steigerte sich die Combo mit zunehmender Tritt-Sicherheit zum Ende hin in Tempi-Wechseln, differenzierteren Klang-Gebilden, einer Hand voll Trash-Varianten, radikaleren, experimentelleren Wagnissen und einer kurzen, wunderschönen Postrock-Gitarren-Passage – unterm Strich eine grundsolide Bedienung in Sachen Feld bereiten für das Stahlbad der Emotionen aus Flandern. ​

Robert Forster @ Hansa39, München, 2019-05-09

Denn Länder, in denen man sorglos gelebt / verlässt man ohne Betrüben
Doch das Land, mit dem wir gehofft und gebebt / das werden wir ewig, ewig lieben
(Hanns Eisler)

A sort of homecoming oder: Helden-Gedenktag am vergangenen Donnerstag-Abend im Münchner Feierwerk. Die australische Indie-Legende Robert Forster war mit neuer Band zur Präsentation des aktuellen Albums „Inferno“ inklusive eingehender Würdigung der eigenen musikalischen Vergangenheit in der Stadt zu Gast, die altgediente Gefolgschaft dankte es gebührend mit einem ausverkauften Hansa39-Saal.

Nach der Veröffentlichung seines wunderbaren Solo-Werks „The Evangelist“ im Jahr 2008 war in Europa lange Zeit nichts mehr zu vernehmen von Robert Forster, der Songwriter aus Brisbane/Queensland verdingte sich in den folgenden Jahren journalistisch vor allem als Musik-Kritiker bei diversen australischen Magazinen, in jüngster Vergangenheit wie aktuell ist er dankenswerter Weise wieder präsenter in der Öffentlichkeit, mit neuen Aufnahmen, der lesenswerten Autobiografie „Grant & Ich“ über seine Zeit mit den Go-Betweens und dem 2006 verstorbenen Freund und Band-Mitbegründer Grant McLennan, mit einhergehenden Veranstaltungen zur Buch-Präsentation und feinen Solo-Konzerten.
Am Donnerstag dann Robert Forster nach über zehn Jahren wieder im vollen Band-Ornat in München, es sollte ein erinnerungswürdiger Abend werden. Begleitet von einer international besetzten und vor allem exzellent eingespielten Formation – eine grundsolide schwedische Rhythmus-Abteilung, der grandiose Lead-Gitarrist wie der Meister selbst aus Australien, mit Karin Bäumler aus dem bayerischen Regensburg die eigene Ehefrau als Klangbild abrundende Violinistin, so funktioniert Landes- und Kontinente-übergreifende Kooperation. Forster selbst gab als Frontmann wie stets den charmanten, bestens aufgelegten Con­fé­ren­ci­er, die Band zauberte zum Ohrwurm-artigen, ureigenen Indie-Pop- und Folk-Sound des profilierten Songwriters dezente Surf- und Alternative-Country-Zitate, die den Nummern keine neuen Wendungen, aber doch die ein oder andere zusätzliche ungeahnte Nuance angedeihen ließen. Selbst die fünf präsentierten Stücke aus dem eine Spur zu gefällig und austauschbar geratenen aktuellen Album „Inferno“ atmeten im Live-Vortrag einen anderen Geist, bekamen durch den unbehandelten Bühnen-Sound mehr Tiefgang, Ecken, Kanten und einen ansprechenderen Charakter verpasst, zweifelnde Bedenken hinsichtlich des jüngsten Outputs zerstreuten sich damit in Windeseile. Das vorangegangene Werk „Songs To Play“ aus 2015 war mit einer Auswahl auf der Setlist vertreten, daneben die nachdenkliche Ballade „Demon Days“ vom „Evangelist“-Album, sein solistisches Früh-Werk sparte Forster hingegen komplett aus. Dafür gab es zur großen Freude der an den Lippen des Sängers hängenden Getreuen einen pointierten Überblick über die komplette Schaffens-Phase der Go-Betweens, bei flott scheppernden Klassikern wie „Spring Rain“ oder „Man O’Sand To Girl O’Sea“, den emotional schwerst anrührenden Balladen „Finding You“ und „Dive For Your Memory“ oder der herrlich erhabenen Ode an die „Clarke Sisters“ ließ es sich angenehmst in Erinnerungen an große, lange zurückliegende Auftritte und Tonträger-Meilensteine der Indie-Pop-Institution von Down Under schwelgen, die ein oder andere Träne der Freude zerdrücken oder den großen Zeiten der alternativen Szenen in den Achtzigern gedenken, in denen die Australier neben Bands wie den Smiths, Felt, den Television Personalities oder den verehrten neuseeländischen Flying-Nun-Combos die Herzen der Melodie-verliebten Hörerschaft verzauberten.
Mit „Learn To Burn“ gab Forster gegen Ende als semi-scharfer Crooner den anheizenden Bühnen-Entertainer, und bei der heute noch ohne Abstriche schwerst schmissigen Indie-Perle „Don’t Let Him Come Back“ mochte man die Tatsache nicht fassen, dass seit Veröffentlichung des Songs als B-Seite der zweiten Go-Betweens-Single sage und schreibe vierzig Jahre ins Land gegangen sind. Wenn das Prädikat „Zeitlos“ zu vergeben ist, darf nach wie vor so ziemlich jeder jemals aufgenommene Song der australischen Indie-Ikonen unwidersprochen laut „Hier“ schreien.
Dem Münchner Publikum wird gerne und ab und an auch völlig zurecht eine gewisse Reserviertheit in der Reaktion auf großartigste konzertante Darbietungen nachgesagt, nichts davon am Donnerstag bei Forster und Co im Hansa39: Minutenlange, euphorische Dankbarkeit über diesen Auftritt mittels stürmischem Applaus zum Ende hin, und wenn das hiesige Volk mal aus sich herausgeht, dann bleibt es auch draußen aus dem Rahmen der eigenen Beschränkungen, egal ob beim alljährlichen Theresienwiesen-Massenbesäufnis, beim 1860-Aufstieg oder aktuell hier im ausgiebigen Mitsingen und Schunkeln zur finalen Nummer „Surfing Magazines“, zu der Robert Forster spontan im lokalen Bezug auch noch den Eisbach im Englischen Garten ins Spiel brachte.

Erhebende, herzergreifende Indie- und Folk-Rock-Auftritte wie diese völlig unaufgeregte, über jeden Zweifel erhabene 100-Minuten-Show vom vergangenen Donnerstag-Abend sind konzertante Sternstunden, die Songs des Robert Forster sind seit den Tagen der längst vergangenen Jugend, seit mittlerweile einem halben Menschenleben treue Begleiter, unvermindert Labsal für Seele wie Gemüt und musikalischer Anker in stürmischen Zeiten. Heimat in dem Sinn, dass Heimat immer dort ist, wo das Herz weh tut, und nachdem solche heiligen Momente des Sentiments langsam Seltenheitswert bekommen, ist die Deklaration des Werks vom Grandseigneur des australischen Indie-Pops zum immateriellen Weltkulturerbe längst überfällig.

Oneida @ Hansa39, München, 2019-03-14

Die New Yorker Experimental-Indie-Formation Oneida am vergangenen Donnerstagabend im Hansa39 des Münchner Feierwerks: Eine konzertante Klangreise, bei der nie vorhersehbar ist, was da an bunten Blüten, spontanen Auswüchsen und ungeahnten Mutationen auf die Hörerschaft zukommt. Bei ihrem letzten München-Auftritt im März 2013 hundert Meter weiter im Orangehouse verfranste sich die Band exzessiv ausufernd in rituellen Endlos-Schleifen-Wiederholungen und sprunghaftem, losgelöst lichterndem Improvisations-Gefrickel, feuerte damit das Atonal-Unkonventionelle zu großen Teilen in schwer verdaubaren Brocken in das Auditorium und warf für die Konsumenten mehr Fragen auf, als dass sie nachvollziehbare Antworten lieferte. Diese letzte, sechs Jahre zurückliegende Begegnung vor Ort oder das zeitgleich ab Donnerstag stattfindende, kostenfreie, dreitägige frameworks-Festival mit experimenteller Musik im Blitz-Club dürfte den ein oder anderen an tonaler/atonaler Avantgarde Interessierten (m/w/d) vom Besuch in der Feierwerks-Halle abgehalten haben. Sehr schade, das an diesem Abend von Oneida abgebrannte stilistische Sound-Feuerwerk hätte weitaus mehr Zulauf verdient als die überschaubare Schar an zugewandten Fans und Neugierigen mit offenem Geist und offenen Ohren.
Die nach einem Native-Americans-Volk der Iroquois Confederacy benannte Band gehört seit mittlerweile mehr als zwei Dekaden zum festen Stamm des experimentellen Brooklyn-Underground, wenn sie auch 2011 mit dem „The Ocropolis“-Aufnahmestudio ihre angestammte Homebase in Williamsburg an die fortschreitende Gentrifizierung des Hip-Viertels verlor. In München präsentierte die Band vorwiegend das Material des aktuellen, im März 2018 erschienenen Longplayers „Romance“, daraus mit „Economy Travel“ als Opener sofort vorneweg einen der ausuferndsten, erratisch am Nerv nagenden Titel des Abends zwischen psychedelischem Krautrock, bohrenden Keyboard-Drones als Heavy-Trance und Free-Jazz-lastigen Wendungen, mit den höheren Weihen vom interstellaren Cosmic-Gott Sun Ra gesegnet. Wer vermutete oder gar befürchtete, dies wäre dann für den weiteren Verlauf der Veranstaltung die dominierende, neue Sound-Galaxien erforschende Reise-Route in Sachen „Space Is The Place“, konnte sich entspannt dem weiteren Geschehen hingeben, die Band schaffte umgehend den Schwenk in vertrautere No-Wave- und Indie-Rock-Gefilde, in den unorthodoxen Alternative-Rock und Postpunk aus der New Yorker Nachbarschaft der Achtziger und Neunziger, mit für Oneida-Verhältnisse überwiegend griffigen und kurzen Songs, geradezu tanzbaren Grooves und wuchtigen Trance-Flows. Selbst das „The Way Of The World“-Cover vom Debüt der einflussreichen kalifornischen Achtziger-Jahre-Punk-Rocker Flipper als straighter Garagen-Trash-Stampfer fand hier seinen Platz. Oneida wären nicht bei sich, würden sie nicht sporadisch zu Progressive-Psychedelia-Exzessen in kaum zu fassender, losgelöster Form ausholen, in denen die verzerrt-schneidenden, hart rockenden und lärmenden Noise-Gitarren von Shahin „Showtime“ Motia und Hanoi Jane, das freie, virtuos überbordende, entfesselt antreibende Getrommel von Kid Millions mit dem lichternden Klangteppich der bewusstseinserweiternden Synthie-Drones, dem monotonen Maschinen-Rauschen und dem analogen Electronica-Schrauben Barry Londons wie mit Bobby Matadors intensiv-dröhnendem, aus der Zeit gefallenem Prog-, Kraut- und Jazzrock-Georgel eine unvergleichliche, höchst eigenwillige Symbiose eingingen.
Der Oneida-Klang-Kosmos ist ein sich permanent ausdehnender, wandelnder, in neue Parallel-Universen vorstoßender, Einschränkungen und strenge Fesseln im Sinne der Unendlichkeit negierender. Das nach wie vor Faszinierende am musikalischen Forschungsdrang der amerikanischen Ostküsten-Combo ist die Vielfalt der verwendeten Stilmittel in ihrer völlig unkonventionellen Umsetzung, die seltsamerweise trotz Driften in vielerlei Richtungen nie beliebig oder heterogen wirkt – ein permanentes Oszillieren zwischen mehr oder weniger vertrauten Song-Strukturen und losgelöstem Improvisations-Fortgang im ureigenen Spannungsfeld.
Ein Zehn-Stunden-Marathon – wie zu einer anderen Gelegenheit von der Band zelebriert – war’s am Donnerstagabend mit den dargebotenen achtzig Minuten beileibe nicht, aber auch in diesem knapp bemessenen zeitlichen Rahmen konnten die fünf über die Maßen sympathischen Weirdos aus der unabhängigen Künstler-Community Brooklyns ungebremst ihren sprudelnden Ideenreichtum ausleben, ihre tonalen Wundertüten aufreißen und mit bunten Konfetti-Explosionen den Saal herausfordernd wie anregend unterhalten.
Der 2019er-München-Auftritt von Oneida war mit ihrem vorangegangenen Gastspiel in der Stadt kaum zu vergleichen, damit in der Form schon fast Mainstream („fast“ ist natürlich ein dehnbarer Begriff und „Mainstream“ im Zusammenhang mit der New Yorker Experimental-Rock-Institution ein letztendlich flacher Witz), zweifellos komplexes, exzellentes Entertainment in einem korrespondierenden Austausch zwischen großer Indie-Kunst, Experiment und augenzwinkernd-durchgeknallter Spielfreude.

Chelsea Wolfe + Brutus @ Hansa39, München, 2018-07-30

Für gewöhnlich kippt in der Sauna irgendwer Kräuter-Aufgüsse oder ähnlichen Firlefanz auf den Glutstock, bei drückender Hitze zum Wochenstart im Brutkasten des ausverkauften Hansa39-Saals im Münchner Feierwerk hingegen: Intensive Befeuerung der Hitzewallungen mittels brachialer Klangwellen und emotionaler Sirenengesänge.
Aus Belgien ist in letzter Zeit vor allem aus den Musik-Sparten der härteren Gangart selten was Schlechtes gekommen, es verhält sich beim Trio Brutus aus dem östlich von Brüssel gelegenen Leuven/Löwen keinen Deut anders. Die Konzertabend-eröffnende Combo aus Flandern gab vom Start weg mächtig Druck auf den Kessel mit ihrer energetischen Mixtur aus treibendem Indie-Gepolter, unverstellten Hardcore/Punk-Reminiszenzen, auftürmenden Postrock-Gitarrenwänden und eingestreuten Doom/Black-Metal-Versatzstücken. Vor allem die Rhythmus-Abteilung leistete ganze Arbeit, Basser Peter zumeist in 70er-Punk-Rock-Manier breitbeinigst an der Grenze zum Spagat aufgestellt mit treibendem, unkompliziertem Anschlag der vier Saiten das Tempo am oberen Level haltend und den schneidenden Gitarrenattacken und der rudimentären Melodik von Nebenmann Stijn Form gebend, gekrönt vom permanent nach vorne gehenden Anschlag der trommelnden Sängerin Stefanie Mannaerts, die maximal Laut-gebend und leidenschaftlich ihre schöne Singstimme zum schreienden Einsatz brachte. Beim laut Pressetext schwer zu bewerkstelligenden, dennoch gelingenden Zusammenbringen der Einflüsse von Bands wie Slayer, Dillinger Escape Plan, Slowdive, Deus und The Smiths im Brutus-Sound war am Montagabend von mindestens den letzten beiden genannten Kapellen Gottlob nichts haften geblieben im gut halbstündigen Hinwegfegen über die Bühne des belgischen Gruppenbildes mit Dame. Zum anschwitzenden, gefälligen Mitzucken hat’s allemal gereicht, in diesem Konzertgänger-Leben sind schon viele weitaus schlechtere Opener durch die Münchner Konzerthallen gebrettert, und darum sagt der alte Römer-Julius in dem Fall: „Auch Du darfst wieder kommen, Brutus“, oder irgendwas Ähnliches in diese Richtung…

Die hochsommerlichen Außen- und dank Flutlicht und großem Besucherandrang bald auch Innen-Temperaturen waren alles andere als der passende Rahmen für den Headliner-Auftritt der kalifornischen Gothic-Queen Chelsea Wolfe, zu einem Sound, bei dem Assoziationen zu nordischen Schneelandschaften, Nebel-verhangenen Auen und mythischen, herbstlichen Finsterwäldern oder wahlweise Großstadt-Kälte und anonymer Isolation durch die Hirnwindungen zucken – die Biergarten-, Isarufer- und Strand-kompatible Hundstage-Witterung mochte nicht recht zusammengehen mit der Musik der in schwarzes Leinenkleid gehüllten amerikanischen Songwriterin, die in jüngster Vergangenheit neben einer Handvoll exzellenter eigener Tonträger in dunklen Klangfarben nicht minder gemessene Filmmusik-Beiträge zu fiktionalen Endzeit-/Fantasy-Drama-Serien wie „Game Of Thrones“ oder „Fear Of The Walking Dead“ lieferte und mit geistesverwandten Schweremütern wie Russian Circles, Deafheaven, Myrkur oder Converge zusammenarbeitete.
Der Güte des Vortrags waren die ins Extrem neigenden Subtropen-Verhältnisse indessen im weiteren Verlauf des Abends kaum abträglich, Chelsea Wolfe und ihr begleitendes, exzellent eingespieltes und aufeinander abgestimmtes Trio mit dem langjährigen Begleiter Ben Chisholm an Bass und Electronica, Bryan Tulao an Gitarre und der mit unbändiger Wucht trommelnden Perkussionistin Jess Gowrie transpirierten solidarisch mit der Fan-Basis und zelebrierten in dunkles Bühnenlicht getaucht, von grell zuckenden Scheinwerfern umflackert eine schwergewichtige finstere Messe in hart zupackender Noise/Goth/Industrial-Heftigkeit, dunkler Doom/Black-Metal-Heaviness, in der Herrlichkeit elegischer Postrock-Melodiebögen, die zu wenigen Gelegenheiten von tanzbarerer Darkwave-Electronica um wenige Intensitäts-Grade abgemildert wurde und den Soundtrack für das in den Bann ziehende leidenschaftliche Psalmodieren der archaischen Zeremonienmeisterin beisteuerte. Einer Zeremonienmeisterin, die als Hohepriesterin ihrer zu großen Teilen in gedeckten Farben gewandeten Gefolgschaft die in unserer westlichen Gesellschaft gerne verdrängten elementaren Themen wie Krankheit, Schmerz und Tod zumutet, hypnotisch, intelligent, mitunter dieser Welt entschwunden wie gleichsam musikalisch relevant im Hier und Jetzt der geschliffenen Postmetal-Härte verhaftet.
Die charismatische Songwriterin setzte als großartige Vokal-Künstlerin Kontrapunkt mit ihrem charakteristischen Gesang zwischen ätherischer Entrücktheit und klagenden, fordernden, verzweifelten Sopran-Sirenen-Beschwörungen, die als Kontrast in kalter, klarer Schönheit zum bedrohlich-beklemmenden, diffusen Unterton des instrumentalen Grollens stehen.
Vom auf älteren Tonträgern wie auch konzertant fast auf den Tag genau vier Jahre früher an selbem Ort sporadisch von der schillernden Performerin angestimmten Experimental-Neofolk war an dem Abend nichts zu vernehmen, dafür steht die aktuelle Tournee zu sehr im Kontext des zu großen Teilen aufgeführten, aktuellsten 2017er-Albums „Hiss Spun“ und seiner experimentellen Doom-Metal-Dominanz.
Wäre Ozzy Osbourne mit etlichen grauen Zellen mehr ausgestattet oder weitaus gezügelterem Suchtverhalten als Frau zur Welt gekommen, an der amerikanischen Westküste statt im Birmingham der englischen West Midlands, wer weiß, wie die Entstehungsgeschichte der Doom-Metal-Ursuppe geschrieben worden wäre?
Am Montagabend war nach knapp bemessenen 70 Minuten inklusive zweier Zugaben und finalem Herabsteigen der schwarzen Göttin in die Niederungen des Auditoriums die letzte Beschwörungsformel gebetet, und damit war’s unter den Bedingungen auch gut, der Großteil der Gefolgschaft inklusive aufführende Musikant_Innen dürfte zu dem Zeitpunkt in the heat of the night eh schon völlig dehydriert gewesen sein…

Finster-betörende Doom-Pracht von Chelsea Wolfe in unseren Breitengraden noch zu folgenden Gelegenheiten:

01.08. – Rijeka – Trsatska Gradina (+ Brutus)
02.08. – Budapest – A38 (+ Brutus)
04.08. – Wien – Arena (+ Brutus)
05.08. – Prag – Lucerna Music Bar (+ Brutus)
07.08. – Leipzig – Werk 2 (+ Brutus)
09.08. – Gothenburg – Way Out West Festival
10.08. – Oslo – Oya Festival
12.08. – Hamburg – Kampnagel Intnt’l Summer Festival
14.08. – Poznan – Tama
15.08. – Berlin – Popkulture Festival