dunk!Festival 2019 @ Zottegem/Velzeke, Belgien, 2019-05-30

Same Procedure As Every Year, James: Traditionell zum Himmelfahrts-Feiertag luden Vater und Sohn Lievens mittlerweile im 15. Jahr für die kommenden Tage zum internationalen Gipfeltreffen in Sachen Postrock, Postmetal und artverwandte Experimente auf das idyllisch von sattem Grün umrankte Vereinsgelände des Basketball-Clubs Helios Zottegem im flandrischen Hinterland nahe Gent. Das belgische dunk!Festival bot auch heuer über 3 Tage verteilt ein sattes Programm für die Freunde (m/w/d) der vorwiegend instrumentalen Rock- und Experimental-Musik – insgesamt 39 Bands, Duette und Solisten, da sollte sich für jeden Geschmack das Passende finden.

Mittlerweile zur guten Tradition scheint sich auch die Eröffnung des Festivals durch eine chilenische Formation zu entwickeln, wie die beiden Jahre zuvor bespielte den Auftakt-Gig eine Band aus Santiago, die beim südamerikansichen Label LeRockPsicophonique veröffentlicht, mit dem chilenischen Indie-Label ist über die Jahre eine gedeihliche Zusammenarbeit mit den dunk!-Verantwortlichen gewachsen. Das Trio Sistemas Inestables bezeichnet ihre instrumentalen Sound-Trips stilistisch selbst als „AvantRock“ und „PseudoJazz“, beim dunk! boten die Musiker eine gefällige Mixtur aus Synthie-lastigem Krautrock, groovenden Jazz-Vibes und ausgedehnten Electronica-Space-Passagen, die in der Form sicher kein Novum im weiten Feld des progressiven Art-Rock waren, für einen entspannten und unaufgeregten Kick-Off des Festivals aber gewiss nicht die schlechteste Wahl.
Kurz darauf sollten die chilenischen Landsmänner und die Landsfrau von Osorezan mit ihrem Auftritt auf der großen Zeltbühne folgen, über den exakt wie tags zuvor zum vehementen, komplexen Ausbruch im Muziekcentrum Kinky Star zu Gent nur in höchsten Tönen der Lobgesang angestimmt werden kann, siehe ausführlicheren Konzertbericht vom Vortag. Osorezan spielten den selben Set wie bei ihrer Europa-Premiere, die geheimnisvolle Melancholie und der euphorische, sinfonische Bombast-Overflow wurden im großen Rahmen nicht vom multimedialen Schwarz-Weiß-Film begleitet, ersatzweise bot die gigantische Lichtshow im großen Zirkuszelt mit infernalischem Stroboskop-Stakkato das perfekte optische Pendant zum nicht endend wollenden, von jeglichen Konventionen befreiten Noise-Ausbruch als atonale Klimax des exzellenten Postrock/Ambient-Sturms. Ein frühes Festival-Highlight, aber das war nach dem vehementen Auftritt im Kinky Star wenige Stunden zuvor keine wirkliche Überraschung.

Bereits zuvor gab es Erbauliches beim ersten Waldbühnen-Gig des Festivals zu begutachten, das belgische Duo Black Narcissus ist instrumental reduziert mit Drum & Bass zugange, ihre Klangreisen haben selbstredend nichts mit der gleichnamigen Jungle- und Rave-Mutation der Neunziger gemein. Trommler Thomas Wuyts gab den treibenden, straight angeschlagenen Beat als Taktgeber vor, zu dem Jesse Massant satte Bass-Linien als Sound-Layer sampelte und dazu seinen vier Saiten Staunenswertes an geschliffenen Post-Heavy-Riffs und herrlichen, melodramatischen Ennio-Morricone-Melodien für den nächsten Tarantino-Western entlockte – der Mann hat unbestritten Talent und kompositorisches Geschick im Bespielen seines klassischen Rhythmus-Instruments, damit unterstreicht er einmal mehr neben einer Schar berühmter Kollegen die Tatsache, dass ein herausragender Bassist auch immer ein respektabler Solist sein kann. Bei Black Narcissus sind zwei Könner am werken, die es verstehen, mit wenig Materialeinsatz eine massive, beeindruckende Wand an atmosphärischer Postmetal-Herrlichkeit aufzubauen, so geht Effizienz und Ressourcen-Schonung im Wald von Velzeke.

Das Doom- und Sludge-Grummeln im Wald von Welcome To Holyland aus dem belgischen Aalst musste zwecks Nahrungsaufnahme unerhört bleiben. Hæster aus Gent stießen in ein ähnlich lautes Horn, die Band formiert sich aus fünf Veteranen der belgischen Metal-Szene, die ihre Meriten zuvor bereits in diversen anderen Heavy-Formationen verdienten. Obwohl hier altbewährte Kräfte am Walten waren, blieb das geschmiedete Metall im Main-Stage-Auftritt des Quintetts ein erstaunlich stumpfes Schwert, zu austauschbar und ohne eigene herausragende Nuancen geriet das finstere Donnergrollen der Gitarren-Riffs und das kehlige Gegröle des posenden Vorturners Maarten Levecque im konzertanten Vortrag. Sowas geht woanders bei weitem inspirierter und ansprechender, darum war nach einigen Nummern das Bier vor dem Zelt die weitaus genehmere Alternative zum uninspirierten Postmetal-Gelärme der lokalen Helden.

Am Fost La Munte și Mi-a Plăcut ist rumänisch und wird sinngemäß mit „Am Fuß des Berges gefällt es mir gut“ übersetzt, oder so ähnlich, und damit hat die Band aus Bukarest zu ihrem Forest-Stage-Auftritt am Fuß des bewaldeten Berghangs den sprichwörtlichen Nagel auf den Kopf getroffen, das junge Postrock-Quartett fühlte sich sichtlich wohl bei ihrem dunk!-Auftritt, mit überbordender Spielfreude und – zurecht – vor Selbstbewusstsein strotzend lieferte die klassisch besetzte Formation in ihrem energiegeladenen Set einen herrlichen, instrumentalen Flow aus dröhenden Gitarren, filigranen Picking-Intermezzi und massiv vorwärts treibender Taktgebung. Die ausgetretenen Postrock/Postmetal-Pfade verließ die Band Spannungs-befördernd beizeiten in Richtung schmissiger Indie-Rock und melodische Shoegazer-Hymnen, womit sie wohltuend variantenreich aus der Masse des (beizeiten auch beim dunk! präsentierten) Postrock-Mainstreams herausragte und damit eine absolute Bereicherung wie erfreuliche Überraschung zum Festival-Line-Up lieferte. Auch dem aus allen Ecken dieser Welt angereisten dunk!-Publikum hat es vergangenen Donnerstag spätnachmittags am Fuß des Berges ausnehmend gut gefallen, beim Freiluft-Konzert der vier jungen Osteuropäer aus der Großen Walachei.

Zur oben erwähnten Masse des Postrock-Mainstreams muss sich das US-Trio Coastlands mit ihrem „Instrumental Sad Rock From Portland“ zählen lassen, zu oft ist dieses Laut-Leise / Ambient-Getragenheit wird von heftigen Post-Rock/Metal-Ausbrüchen erschüttert / Gitarren-Wände bauen und wieder einreißen durch die Anlagen gedrückt worden, als dass es sich groß vom Sound zahlreicher anderer Vertreter des Genres unterscheiden würde. Gewiss, State Of The Art im Postrock, und wenn man auf ein Festival unter diesem thematischen Aufhänger geht, darf es nicht verwundern, wenn ab und an eine Postrock-Formation der reinen Lehre um die Ecke kommt, aufgrund der Austauschbarkeit diverser Bands muss trotzdem die Frage erlaubt sein, ob im verbreiteten Statement vom Tod dieser Spielart nicht ein Funken Wahrheit mitschwingt, analog zum schönen Zappa-Satz „Postrock isn’t dead, it just smells funny“. Gut, lustig war der Sound von Coastlands tatsächlich nicht, zugegeben.
Zuvor bespielten Labirinto aus Sao Paulo die große Zeltbühne, die Brasilianer waren bereits zum dritten Mal beim Festival in Ostflandern zu Gast und bestachen mit breit aufgestellter Instrumentierung und einer exotischen Mixtur aus Ideen-reich lärmendem, dunklem Postmetal und komplexem Space-Rock, die von einem zusätzlichen Perkussionisten mit südamerikanischer Rhythmik unterfüttert wurde und damit diesem orchestralen Progressive-Crossover einen dezenten, unkonventionellen Dreh in Richtung brasilianischer Trommel-Folklore gab. Leidenschaftliches, technisch brillantes, variables und unvorhersehbares Offensiv-Spiel mit vielen gelungenen Abschlüssen und Experimenten, wie die Seleção zu ihren besten Zeiten – oder: like 7:1! Sete a um! @ Estadio Mineirao, Belo Horizonte never happened…

Das US-Trio Staghorn lieferte den Set mit dem aktuellsten Bezug zu den dringlichen Themen des Zeit-Geschehens, wo andere Postrock-Bands dunkle Gewässer, mystische Landschaften oder individuelle Seelen-Zerrissenheit in abstrakter Instrumental-Entrücktheit thematisieren, legen die drei extravagant gewandeten und geschminkten Musiker*Innen mit ihren Aussagen zur Klima-Katastrophe, zu Diversität, Artenschutz und solidarischem Handeln im radikalen DIY/Punk-Ethos den Finger in die brennendsten Wunden einer untergehenden Kultur, die Band aus dem Mittleren Westen der Vereinigten Staaten transportiert ihre Inhalte und Forderungen via gesampelter Spoken-Word-Erzählung, die der Hörerschaft die massive Bedrohung des natürlichen Lebensraums vor Augen hält, die wunderschöne Naturkulisse der dunk!-Waldbühne war dafür wie geschaffen. Musikalisch untermalt die Band ihre apokalytischen Bestandsaufnahmen mit vehementem, hymnischem, melodischem Postrock, sporadischen, heftigen Metal-Ausbrüchen und tieftraurigen Minimal-Ambient-Drones, zu denen mittels indischem Harmonium und durch das Anschlagen diverser Klangschalen und Glocken ein mystischer, bedeutungsschwangerer Unterton mitschwingt. Der Staghorn-Auftritt war einer der herausragendsten der 2019er-dunk!-Auflage, und ganz sicher neben der Headliner-Performance von Efrim Menuck und Kevin Doria am folgenden Tag der konzeptionell stimmigste der gesamten Veranstaltung.

Solide Doom-Kost boten FVNERALS aus Brighton/UK (mit derzeitigem Wohnsitz in Brüssel) – das konzertant von einem Drummer verstärkte, gemischte Doppel wandelt mit seinem finsteren, zähen Drone-Metal-Crossover im Geiste von Bands wie Earth oder Sunn O))) über nebelverhangene Friedhöfe, in geheimnisvollen Wäldern, durch die eigene, inwendige Pein der finsteren Seelen-Nacht, in der es nach F. Scott Fitzgerald immer drei Uhr morgens ist – das Unterholz hinter der Festival-Zentrale war für diese gedehnten Depressiv-Trip zwischen dunklem Postpunk, schwerem Gothic und nachhallendem Metal-Slowcore eigentlich noch viel zu hell, wenn sich auch an dem Tag etliche schwarze Wolken über das Firmament zogen. Sonnenschein und fröhliches Vogelgezwitscher wäre zu dieser massiv erschütternden Dark-Ambient-Nummer auch absolute Vollpanne gewesen. Haben sie sogar dahingehend wieder alles richtig gemacht, die Organisatoren…

Nach Meinung vieler der eigentliche Headliner des ersten Festival-Durchgangs (oder gar der gesamten Veranstaltung) dann zu bester Konzert-Zeit auf der großen Bühne mit der US-amerikanischen Formation This Patch Of Sky. Die Band aus Eugene/Oregon versteht es wie kaum eine andere, Melancholie und entrücktes Hinübergleiten in andere Sphären in eine wunderschöne, erhabene Tonsprache zu übersetzen, mit einem an die moderne Neo-Klassik angelehnten Cello-Part hebt sich das Sextett wohltuend aus der Masse der instrumentalen Postrocker ab, gleichwohl verstehen es die Musiker formvollendet, ihre sphärischen, Ambient-lastigen Gitarren-Elegien und atmosphärisch-cineastischen Breitband-Kompositionen zuweilen in hymnische, wuchtige, geradezu dramatische Attacken ausbrechen zu lassen. Wozu diese Band konzertant fähig ist, hat sie nicht zuletzt in beeindruckender Manier mit ihrem Audiotree-Auftritt im Oktober des vergangenen Jahres angedeutet, live erlebt und in Farbe steigert sich diese aus einem Guss vorgetragene Exzellenz nochmals um ein Vielfaches in Sachen intensiver Klangrausch, erhebende Beschallung und beglückende Erbauungsmomente.
Mit dem Statement „We play music without words to communicate without language“ bringt die Band selbst ihr Konzept simpel wie umfänglich auf den Punkt, am vergangenen Donnerstag ist ihnen dieser Ansatz ohne Zweifel gelungen, der euphorischen Reaktion des Publikums nach zu urteilen. Das dunk!-Team hat sich nach eigenen Worten seit längerem um einen Auftritt von This Patch Of Sky bemüht, nach diesem Auftritt war völlig klar, warum – und diejenigen, die es erlebt haben, dürfen einfach nur dankbar sein, dass es in diesem Jahr geklappt hat.

Celestial Wolves aus der Nachbarschaft in Herzele rockten in der Donnerstagnacht den letzten Waldbühnen-Gig der ersten Runde mit der Wucht dreier Gitarren, die lokalen Helden und Urgesteine des dunk!-Festivals mobilisierten mit geradlinigem, straightem Postrock, brachialem Postmetal und Prog-lastigen Tempi-Wechseln nach mittlerweile 10 Stunden Dauerbeschallung die letzten Reserven für den anstehenden, finalen Gig des italienischen Stoner-Trios Ufomammut. Die Verpflichtung der Band aus dem Piemont als Headliner hat im Vorfeld etliche Diskussionen in den Social-Media-Foren zum Festival ausgelöst. Man kann natürlich lange darüber streiten, ob es für derartigen Stoff nicht genügend andere, passendere Festivals gibt, im Sinne der Diversität konnte ein Durchbrechen der Postrock-Gitarrenwände mit dem langsam, aber gründlich zerfräsenden Doom-Sludge der altgedienten, mittlerweile seit zwei Dekaden werkelnden Psychedelic-Institution durchaus festgefahrene Hörgewohnheiten Horizont-erweiternd und -bereichernd erschüttern. Ufomammut ergingen sich ausladend mäandernd in zäh zelebrierten, dissonanten Gitarren-Riffs, wuchtig dröhnenden Basslinien und straight nach vorne drängendem Powertrio-Drive, in mentaler Anlehnung an die ersten Pink-Floyd-Ergüsse und die Klassiker von Hawkwind, aufgebohrt durch monolithische Metal- und Drone-Wucht, hypnotische Space-Halluzinationen und repetitive, verzerrte Endlos-Lärm-Schleifen. Der Stoff, der von dunkel flackernden Bildern träumen lässt und damit genau das richtige Präparat zum Hinübergleiten in den wohlverdienten Schlaf nach absolviertem Konzert-Marathon.

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NAQ/Nobody Answers Questions + Trrma‘ @ KAP37, München, 2019-04-11

Postrock, Multimedia und abstrakte Töne zur April-Veranstaltung des KAP37 am vergangenen Donnerstagabend: Wo sonst für gewöhnlich die Songwriter-, Folkmusiker- und Kellergospler-Zunft ihr Liedgut beseelt zum Vortrag bringt, war für diese Runde das experimentelle Musizieren der thematische Aufhänger im kleinen, feinen Saal der Nachbarschaftshilfe Westermühlbach.
Dass diese Nummer in dem Rahmen auch exzellent funktionieren kann, stellten bereits im vergangenen Oktober die beiden lärmenden Neuseeland-Kiwis von Earth Tongue und vor allem der Münchner man of many talents  Josip Pavlov mit seinem Solo-Postrock-Outfit Ippio Payo eindrucksvoll unter Beweis.
Pavlov war es auch, der am Donnerstag zusammen mit Lichtkünstler Gene Aichner aka Genelabo und ihrem gemeinsamen Multimedia-Projekt NAQ/Nobody Answers Questions den ersten Teil der rein instrumentalen Performance-Aufführungen bestritt. Mit ihrer audio-visuellen Duo-Präsentation werfen die beiden ortsansässigen Experimental-Künstler Fragen zu ihrer Klangreise auf: Wo wird sie hinführen? Wer weiß die Antwort? Vielleicht niemand, weitaus wahrscheinlicher jedoch das Duo selbst. Am Donnerstagabend blieben sie während ihrer knapp einstündigen, mehrdimensionalen Mixtur aus erratischen Lichteffekten und überwältigenden Instrumental-Entwürfen kaum eine Antwort schuldig auf die Frage, wie ein improvisierter Klangrausch im Crossover aus Postrock und intensivster Trance-Hypnose, visuell in den Effekten verstärkt durch fiebriges Blitz-Geflacker, zur perfekten Form streben kann. Der musikalische Ansatz von Josip Pavlov ist ein lebender Organismus, im ständigen Fluss, permanent neue Ufer suchend und Grenzen austestend. In diesem Leben gleicht kein Ippio-Payo- oder NAQ-Konzert dem anderen. Das Handwerkszeug bleibt dasselbe, die Richtung des musikalischen Flows ist im Groben vorgegeben, im Detail jedoch nicht vorhersehbar: Geloopte Bass- und Gitarrenläufe, in ständiger Wiederholung als Grund-Rhythmus angelegt, der Takt wird von elektronischen Beats oder gesampelten, live eingespielten Floortom-Paukenschlägen bestimmt. Darüber legt Pavlov mit zweiter Gitarrenlinie seine harten Riffs, zuweilen filigrane Melodien und den sich stetig weiterentwickelten, hypnotischen, Trance-artigen Postrock-Ausbruch, der sich von exzellenten Eno-Zitaten aus der Frühphase des englischen Experimental-Pioniers, herrlich mäandernden Klangschönheiten zwischen Progressive und Ambient über metallen klingenden Postpunk und Industrial-Kälte bis hin zum lautmalenden Noise-Exzess ausdehnt. Das alles verdichtet der Multiinstrumentalist zu einer massiv ergreifenden, komplexen Ein-Mann-Orchestrierung, deren in den Bann ziehende Wirkung zu keiner Komposition lange auf sich warten lässt. Gene Aichner korrespondiert und antwortet spontan mit abstrakten Lichtinstallationen, über die er mittels PC und Beamer die Bühne in eine nervös flimmernde, abstrakte Lichtflut taucht, Psychedelic mit modernen Mitteln, wenn man so will. Und in jedem Fall immer wieder aufs Neue faszinierend und die Sinne anregend. Dieser NAQ-Farben- und Klangrausch war einmal mehr ein höchst erbaulicher, die sogleich aufgeworfenen Fragen nach der weiteren Entwicklung der Kollaboration werden dann bei nächster Gelegenheit beantwortet.

Bereits im April des Vorjahres trafen NAQ mit der süditalienischen Experimental-Formation Trrmà im Rahmen einer Veranstaltung des Zwischennutzungs-Projekts Köşk zusammen, am Donnerstag waren Giovanni Todisco und Giuseppe Candiano aus Bari auf Einladung der befreundeten Münchner Künstler erneut zu Gast an der Isar.
Die Klangforscher aus Apulien sind aktuell von einer ausgedehnten Japan-Tour zurück, zu der sie während eines Monats täglich einen Auftritt absolvierten. Das Trrmà-Konzept ist gleichermaßen simpel wie schwer greifbar, damit hochspannend: Die völlig abstrakten, von jeglicher Melodik losgelösten Digital-Töne aus den Synthesizern und verbundenen Modulen von Giuseppe Candiano treffen auf das analoge Trommeln seines Mitmusikers Giovanni Todisco, das sich von einer archaischen Rhythmik, Stammes-Trommeln gleich, über wuchtigen Paukenanschlag bis hin zu den leisen Tönen der Triangel erstreckt.
Im ersten Stück mochten die Electronica-Töne noch als eine Ahnung von synthetisch erzeugten Flöten- oder Klarinetten-Pfeifen durchgehen, im Verbund mit dem wuchtigen, Trance-artigen Getrommel und Klappern der Tablas als musikalische Untermalung für einen rauschhaften nordafrikanischen Tanz-Ritus, später löste sich das Erkennbare oder mit welchen Reminiszenzen und Assoziationen auch immer Verbundene in den Interferenzen, im sequenziellen Maschinenpfeifen, in einem undefinierbaren weißen Rauschen völlig auf, einzig die Perkussion gab den frei lichternden Elektronik-Funken und den nebulösen Klangwolken eine greifbare Form. Mehr Physik als Musik, von halbwegs konventioneller Rhythmik konsumierbar und verständlich gemacht. Das mit dieser Art der Klangmalerei und der experimentellen Töne-Generierung kein einfaches Hören und Konzerterlebnis im hergebrachter Form möglich ist, dürfte auf der Hand liegen. Konzentrierte Auseinandersetzung mit dem Gehörten war Voraussetzung, um Genuss aus dieser Präsentation zu ziehen. Intellektuell anspruchsvoll wurde es zum Ende hin, als Giuseppe Candiano als letztes Werk eine stochastische Komposition ankündigte, die Maschinen übernahmen die Regie zum Erzeugen der atonalen Experimental-Drones nach dem Zufallsprinzip – wer den Unterschied zum vorher Gehörten fundiert benennen könnte, sollte sich an dem Abend ein Heiligenbild zur Belobigung verdient haben…

Das nächste Konzert im KAP37 fällt dann zur Abwechslung wieder eine Spur konventioneller aus, am 16. Mai ist der schwedische Garagen-Trash-Folk-Blueser Bror Gunnar Jannson als One-Man-Band zu Gast, highly recommended and approved by the Dad Horse Experience. Kapuzinerstraße 37, München, 20.00 Uhr.

Josip Pavlov tritt demnächst unter seinem Alter Ego Ippio Payo zu folgenden Gelegenheiten auf: Am 3. Mai im Köşk, zusammen mit dem Drummer Tom Wu und der Electronica/Kraut-Formation Bosch, Schrenkstraße 8, München, 20.00 Uhr. Und am 20. Mai in der Münchner Glockenbachwerkstatt im Rahmen des Maj Musical Monday #96, zusammen mit der neuseeländischen Band Mermaidens, Blumenstraße 7, 19.00 Uhr.

Daughters + Arto @ Backstage Club, München, 2019-04-08

Denkwürdiger Abend am vergangenen Montag im Club-Saal des Münchner Backstage: Zum konzertanten Wochenstart war die amerikanische Ostküsten-Formation Daughters angekündigt, die Band setzte Ende 2018 nach längerer Bühnen-Abstinenz und über achtjähriger Veröffentlichungs-Pause mit dem grandiosen Album „You Won’t Get What You Want“ ein dickes Ausrufezeichen in Sachen ambitionierter Noise-Rock. Fort vom Grind- und Mathcore früherer Tage, entwickelte die Formation aus New England vor Veröffentlichung des allseits hochgelobten, aktuellen Tonträgers in zahlreichen Studio-Sessions über mehrere Jahre hinweg einen neuen, komplexen Sound, der sich neben klassischem Noise und Hardcore bei Elementen aus No Wave, Industrial und dem experimentellen Postpunk der frühen PiL bedient. Diesen vehementen Stil-Mix wusste die Band auch in einer im Tempo angezogenen Version, um etliche Härtegrade veredelt und in hoch-energetischer Gangart vorgetragen im vollbepackten Backstage-Saal zu präsentieren, als Sirenen-Alarm-artige, heftig lichternde und intensiv lärmende Orchestrierung zur exzessiven Bühnenshow ihres Frontmanns Alexis Marshall. Drummer Jon Syverson, Basser Samuel Walker und Nicholas Sadler, der musikalische Ideen-Geber an der Gitarre, werden im konzertanten Betrieb von Lisa Mungo an diverser Electronica-Gerätschaft und Tour-Gitarrist Gary Potter begleitet, zusammen errichten sie die Lärm-Wände, die einen Berserker wie Alexis S.F. Marshall nicht in Zaum zu halten vermögen. Marshall ist einer, der dem Begriff „Frontmann“ in einer Art gerecht wird, wie es nur wenige vor ihm im hart lärmenden Rock-and-Roll-Gewerbe zuwege brachten. Henry Rollins in seinem früheren Leben als Sänger, Iggy zu Zeiten der Stooges, der bedauerlicherweise vor zehn Jahren dahingeschiedene Cramps-Wüterich Lux Interior oder ein komplett Irrer wie der auch bereits längst in die ewigen Jagdgründe eingegangene GG Allin mögen sich vielleicht als Brüder im Geiste aufdrängen, allzu viele waren oder sind nicht unterwegs von derartigem Kaliber, die ein vergleichbar extrovertiertes und extremes Stakkato an Bühnen-Gebaren abfeuern wie der spindeldürre Derwisch der Daughters. Andere gehen zum Therapeuten, Marshall lebt die innere Pein unbetreut und exzessivst im Konzertsaal aus und lässt den „Satan In The Wait“ von der Leine, direkt frontal auf das Publikum gehetzt. Lange hat sich niemand mehr in derartiger Manie durch seine Songtexte schwadroniert, geplärrt und marodiert, in permanenter Bewegung, in permanenter Offensiv-Konfrontation mit dem Auditorium, spuckend, rotzend, sich am Boden wälzend und mit dem Mikro-Kabel strangulierend, mit dem Instrumentarium unvermittelt auf das Equipment wie auf den eigenen Schädel einprügelnd, bis unvermeidlich Blut fließt.
Die Bühne allein war für den Sänger als Austragungsort und Kampfzone bei weitem zu eng, zum Ende der einstündigen Tour de Force hatte Marshall mehrfach jede Ecke des gesamten Saals überfallen, der Aufschwung zum Club-Balkon scheitere einzig an der fehlenden Muskelkraft, ansonsten war kein Platz vor den spastischen Zuckungen und der durch Mark und Bein gehenden, physisch wie psychisch fühlbaren Energie des rasenden und tobenden Vollblut-Performers sicher, eine Energie, die ständig und ohne Abstriche eine latente Bedrohung und das Unvorhersehbare des nächsten Tobsuchtsanfalls mitschwingen ließ. Dabei muss nicht explizit erwähnt werden, dass dieses Austesten der Grenzen des Bühnen-Entertainments hohen Unterhaltungswert hatte, der Mosh Pit vor der Bühne, in dem Marshall nicht selten selbst involviert war, legte beredtes Zeugnis ab, der frenetische Applaus zum Ausklang der letzten, hingebrüllten Lyrics zum finalen, großartigen „Ocean Song“ sowieso.
In Sachen musikalische Erbauung ist mit dem Daughters-Konzert im laufenden Jahr das letzte Wort vermutlich noch nicht gesprochen, ob allerdings in nächster Zukunft nochmal ein sich völlig verausgabender Kamikaze-Maniac wie der fiebrig-besessene Vorturner der begnadeten Noise-Band aus Providence/Rhode Island um die Ecke kommt, darf ernsthaft in Zweifel gezogen werden.

Mächtig in den Bann zogen den Laden vorab bereits für eine halbe Stunde die vier Tifosi der Band Arto. Das Rhyhtmus-gebende Brüderpaar Luca und Simone Cavina wie die beiden Linkshänder-Gitarristen Bruno Germano und Cristian Naldi bringen einen ganzen Sack voller Erfahrungen und Ideen aus ihrem jeweiligen Engagement in diversen anderen norditalienischen Indie- und Experimental-Bands mit, im gemeinsamen Verbund als Arto sind sie seit 2017 unterwegs, seit März vergangenen Jahres haben sie ihr Debüt-Album „Fantasma“ am Start. Die Combo aus der Emilia-Romagna beschreibt ihren Stil selbst als „Instrumental Cinematic Gloomscapes“, mit dem sie vom Start weg einen hypnotischen Sog aus zeitloser, Gesangs-freier Space-, Kraut- und Prog-Rock-Seligkeit entwickelte. Die stilistischen Grenzen dieser Spielart dehnt die Band mit ihrem vehement drängenden Experimental-Lärmen permanent in Richtung Noise-Rock, No Wave und artifizieller Doom/Postmetal. Das Quartett gibt den Einflüssen aus ihren Stamm-Formationen umfangreichen Raum und stülpt dem komplexen Crossover eine finstere, bedrohliche Grundstimmung über, die trotz diffuser, unterschwelliger Düsternis weit mehr faszinierend in den Bann zieht denn beängstigend für Beklemmung sorgt.
Schweres Bass-Geläuf, das immer wieder in Nähe zum Amp die Störgeräusche des Feedbacks auslotete, und ein kompromissloser Anschlag der Trommeln zimmerten das Grundgerüst für die experimentellen Soundscapes, die atmosphärischen Crescendi und die frei lichternde, gespenstische Gitarren-Psychedelic, die in der konzertanten Gangart um einiges druckvoller, knochentrocken härter rockend und direkt zupackender ausfielen als in der nicht weniger gelungenen, Trance- und Ambient-verwandteren Mystik der Tonträger-Konserve.
Arto präsentierten sich als einer jener seltenen Opening Acts, die ausgedehntere Möglichkeit zur Präsentation und Würdigung als den zeitlich knapp bemessenen Rahmen verdient hätten und in der Form bei Gelegenheit gerne auch als Headliner wieder vorbeischneien dürfen.

Daughters und Arto sind dieser Tage noch zu folgenden Gelegenheiten im Rahmen ihrer kurzen Europa-Tournee zu sehen:

10.04. – Paris – Point Ephémère
11.04. – Brussels – Botanique/Orangerie
12.04. – Berlin – Cassiopeia
13.04. – Hamburg – Hafenklang

Reingehört (496): Noise Trail Immersion

Noise Trail Immersion – Symbology Of Shelter (2018, Moment Of Collapse Records)

„Hoch und weid is am Bauern sei Freid“ sagt ein altes bajuwarisches Sprichwort, mit einem ähnlichen Motto hinsichtlich Superlativen halten es scheint’s auch die fünf Italiener von Noise Trail Immersion: Laut und schnell ist ihr liebstes Gebell, oder so ähnlich. Den Bandnamen kauft man der Combo sofort ab, die fünf jungen Musikanten aus Turin wandeln ausgiebigst auf dem Lärm-Pfad, „Sänger“ Fabio Rapetti brüllt sich die Seele inklusive einer Legion quälender, wie auch immer gearteter Dämonen aus dem Leib, als gäbe es kein Morgen mehr, vor allem keines, zu dem noch irgendwelche funktionierenden Stimmbänder vonnöten wären. Bereits mit dem Opener „Mirroring“ des neuen Albums „Symbology Of Shelter“ stürmt die Band mit der vielzitierten Tür ins Haus, ohne jeglichen Prolog oder heranführende Vorbereitung auf die kommenden Erschütterungen berserkert sich die Combo mit Irrsinns-entfesselnden Schrei-Attacken und virtuosen Highspeed-Mathcore-Breitseiten in die vorderste Front, die mit weiterem Toben des Orkans Einflüsse aus finsterstem Black/Death-Metal-Grollen, zentnerschwerem Noise-Rock und dissonantem Grindcore zu erkennen gibt, amerikanisches Liedgut wie der Post-Hardcore von Converge oder der experimentelle Metal/Mathcore von The Dillinger Escape Plan standen hier mutmaßlich Pate und steuern ihr Scherflein bei, um die schwarze Saat zwischen technischer Brillanz und völlig aus dem Ruder laufendem Chaos zum Blühen zu bringen.
Hat sich die Band in den ersten Würfen ergiebigst ausgetobt, fließt der Malstrom im Zweiteiler „The Empty Earth“ in etwas ruhigeren, jedoch kaum weniger intensiven Fahrwassern, in der sich das Quartett in gedehnten, dräuenden Postmetal-Passagen und schemenhaften Doom-Nebeln weidet und damit zu Gelegenheiten andeutet, dass auch atmosphärische Harmonien und ein Gespür für Melodik keine kompletten Fremdwörter im Band-Kanon sind.
Easy Listening ist mit Noise Trail Immersion in keiner Sekunde zu haben, wer sich jedoch auf diese mehrdimensionale Schocktherapie einlässt, wird außer herausgekehrter Misanthropie, komplexen Indizien des Wahnsinns und markerschütterndem Krach wohl auch Kontemplation, Katharsis und Läuterung finden.
Am Donnerstag ist noch Allerheiligen-Ruhe angezeigt, am Freitag sodann das Verfallen ins komplett andere Extrem: „Symbology Of Shelter“ erscheint am 2. November beim Hamburger DIY-Hardcore- und Punk-Label Moment Of Collapse Records.
(**** ½ – *****)

Reingehört (477): Petrolio

Petrolio – Intramoenia: Noises For Angela (2018, Low Noise Productions)

Das Noise-Projekt Petrolio ist ein Kind des Soundtüftlers Enrico Cerrato, der Musiker und Mixer aus der Piemont-Stadt Asti war/ist in diversen weiteren, vor allem im italienischen Musik-DIY-Underground bekannten Metal-, Industrial- und Jazz-Noise-Formationen wie Infection Code, Gabbiainferno und Moksa engagiert, umfängliche Erfahrungen, die er in die drei experimentellen Elektro-Noise-Entwürfe der EP „Intramoenia: Noises For Angela“ einfließen lässt, einer gut 18-minütigen klanglichen Untermalung für avantgardistische Theateraufführungen der Performerin Angela Teodorowsky.
Pochende Industrial-Kälte, verfremdete, verhallte, semi-melodische Synthie-Kraut-Mixturen, Sprach-Samplings, rudimentäre, vom Noise verdeckte Elektro-Pop-Elemente und synthetischer Trance-Flow greifen ineinander und verflechten sich zu einer komplexen Mixtur, die ein weites Klangfeld aufspannt von abstrakten Krach-Interferenzen und Strukturen-auflösenden Lärm-Soundwänden über den Ohren-schmeichelnden Wohlklang der italienischen Sprache in Spoken-Word-Beimischungen bis hin zu tanzbaren, mindestens zum Mitzucken animierenden Techno-/Industrial-Beats.
Trotz aller Künstlichkeit der abstrahierten Soundgebilde wirkt der Verbund der drei experimentellen Arbeiten wie ein natürlicher Organismus, der permanent mutiert und in der Weiterentwickelung immer neue Evolutionsformen annimmt. Die drei mittellangen Nummern funktionieren als stand-alone-Klanginstallation ordentlich und entfalten ihren ganzen Reiz vermutlich erst im multimedialen Kontext als Soundtrack zur zugedachten Bühnen-Performance der in der Widmung bedachten Angela.
(**** ½ – *****)