Reingehört (547): The Fifth Alliance

The Fifth Alliance – The Depth Of The Darkness (2019, Burning World Records / Init Records / Consouling Sounds / Bharal Tapes)

„It’s the end of the world as we know it, and I feel fine“: Hier wird mal wieder unser schöner Planet von der Apokalypse heimgesucht, nach allen Regeln der Kunst und ohne jegliche Aussicht auf Erlösung, auch wenn’s im Intro der meisten Songs fürs Erste nicht so hoffnungslos scheint, wie es später im Höllenschlund eingekocht wird. Das Quintett The Fifth Alliance aus dem niederländischen Breda veröffentlicht Ende des Monats ihren dritten Longplayer „The Depth Of The Darkness“, und mit dem Titel ist im Wesentlichen bereits alles gesagt: Rabenschwarze Finsternis als das Ende vom Bach, den diese Welt in ihrem desolaten Zustand hinuntergeht. Kultur- und jeglicher anderer Pessimismus zu kompromissloser Tonkunst in fünf ausladenden Sätzen komponiert. Wo melancholisch getragene, hypnotische Postrock-Opulenz in düsterer Gemütslage eingangs zusammen mit Karl Valentin darüber grübeln lässt, ob es am Ende vielleicht doch nicht so schlimm kommt, wie es bereits ist, sorgt die Band im weiteren Verlauf des massiven Dräuens mit unzweideutiger, geballter Doom/Sludge/Black/Post-Metal-Ansage für ernüchternde Endgültigkeit: es wird zappenduster. Die beklemmend lärmenden Brachial-Kaskaden der Instrumental-Abteilung deuten bereits in Richtung finstere Kerker und schaurige Untergeschosse, das kehlige Röcheln und Grollen von Sängerin Silvia Saunders räumt letzte Zweifel aus, wo der Dämon haust und der Bartel den Most holt. Titel wie „Black“, „Hellfire Club“, „Aleister“ und verbales Pentagram-Gefuchtel vom Schlage „Love 666, the new Religion“ sind mit dem gebotenen Abstand zur Thematik und einem ironischen Grinsen zu konsumieren, bei fehlender mentaler Distanz zu diesem Teufelszeug suchen Sie bitte umgehend den nächsten Exorzisten Ihres Vertrauens auf.
„The Depth Of The Darkness“ erscheint am 30. August, und jetzt wird’s tatsächlich kompliziert: Als Vinyl im alten Europa bei Burning World Records, in USA bei Init Records, als Compact Disk bei Consouling Sounds, und im Cassetten-Format bei Bharal Tapes. Die Höllentore sind derer viele, aber das ist im Albtraum der Parallelwelt jenseits der Klangmalerei nicht anders…
(**** ½ – *****)

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Reingehört (526): No Man’s Valley

No Man’s Valley – Outside The Dream (2019, Tonzonen Records)

Ein Sound, dessen Herkunft man spontan am Rand einer kalifornischen Wüsten-Region verortet, für die Nachwelt festgehalten in flimmernder Hitze, die Hirnwindungen der Musiker von bewusstseinserweiternden Substanzen angeregt, auf den Spuren der bunt bebilderten Acid-Höhenflüge längst vergangener Tage. Wenn irgendwo in Europa vermutet, dann allenfalls als tonale Halluzinationen am Pariser Totenacker Cimetière du Père-Lachaise, dort als Geistergesänge dem berühmten Grab Nr. 740 in der Division 6 entwichen, Mr. Mojo Rising out of the grave.
Weit gefehlt: Die Kleinstadt Horst aan de Maas in den südlichen Niederlanden beheimatet die jungen Musiker von No Man’s Valley, die auf „Outside The Dream“ das Erbe des Sechziger- und Siebziger-Psychedelic- und Blues-Rock verwalten und für das Hier und Jetzt in eine zeitlose, entstaubte Form bringen. Mit schneidigen, scharf lärmenden Fuzz-Gitarren, vehementen Grunge- und Stoner-Erruptionen, in einem diffus lichternden und nachhallenden Sound-Gebräu inklusive schwer durch das Gewerk dröhnender Orgel. Und nicht zuletzt durch einen Sänger, der mit seinem inbrünstigen, waidwunden Wolfsgeheul und seiner gefährlich einschmeichelnden Blues-Crooner-Düsternis dem vor langer Zeit dahingeschiedenen Morrison-Jim hinsichtlich Tonlage und Stimmvolumen in nichts nachsteht. The Lizard King is gone, but he’s not forgotten, hat ein anderer, ewig junger Meister der Psychedelic-Gitarre einst gesungen. Oder irgend sowas ähnliches.
Selbst die Desert-Mystik, die durch die dichten, halluzinogen mächtig lichternden Songs weht, fügt sich in dem Kontext perfekt ins Bild, Assoziationen damit auch hier zuhauf zum rauschhaften, traumwandlerischen Trip durch die Mojave-Wüste des großen Jimbo in seinem experimentellen Film „HWY: An American Pastoral“. Und in der Nummer „From Nowhere“ wäre es nicht weiter überraschend, wenn Sänger Jasper Hesselink vom eigenen Text abweicht und urplötzlich von „Weird Scenes Inside The Gold Mine“ singen oder ödipales Begehr nach Vatermord und Inzest zum Ausdruck bringen würde, näher kam den vermuteten Vorbildern aus L.A. in jüngster Zeit kaum jemand an poetisch-morbider Inbrunst.
Größtenteils live im Studio in gerade mal vier Tagen eingespielt, das haucht dieser stilistisch ursprünglich in vergangenen Dekaden verhafteten Spielart der harten Rockmusik zusätzliches Leben ein, das Ungebändigte, Ungewaschene ist dem Klangbild alles andere als abträglich.
Hat sich doch tatsächlich einiges an Doors-Querverweisen breit gemacht in diesem Geschreibsel, aber das verhält sich mit den Reminiszenzen auf dem neuesten Tonträger von No Man’s Valley nicht viel anders, insofern: Take it easy baby, take it as it comes!
„Outside The Dream“ ist seit Ende März über das Krefelder Indie-Label Tonzonen Records erhältlich.
(**** ½ – *****)

Svartvit + Space Eating Dogs @ Pension Noise #13, Import/Export, München, 2019-02-10

Lärmende Nachmittags-Matinee der Galerie Kullukcu-Gregorian am vergangenen Sonntag: Zu ungewöhnlich früher Uhrzeit ab 16.00 Uhr luden die Veranstalter der Pension Noise mit einem experimentellen Doppelpack zur 13. Ausgabe der sporadisch stattfindenden Konzert-Reihe in die Räumlichkeiten im Obergeschoss des Import/Export.

Space Eating Dogs sind ein junges Noise-Duo aus München, die Local Heroes bestritten den ersten Teil der launigen Veranstaltung mit einer abstrakten Sinfonie aus geloopten und durch ein Arsenal von verzerrenden Effektgeräten gejagten Bass-Tönen, rhythmisch in Form gebracht vom Anschlag auf diversen Basstrommeln, der an wuchtiges Pauken-Gewitter im klassischen Kontext gemahnte und vor allem dem dunklen, bedrohlich wirkenden weißen Rauschen und Feedbacks Struktur gab wie rituell-hypnotisches Element. Der Flow der 50-minütigen Live-Komposition wurde multimedial verstärkt durch eine in grellen Farben gezeichnete Video-Installation, die verwackelte und kolorierte Bilder eines an der Wasseroberfläche schwimmenden U-Boots an die Wand warf. Ein mit virtuosen Ideen geizender und damit tendenziell etwas zu ausgedehnt vor sich hin mäandernder Monoton-Drone in maximaler Electronica-Verfremdung trifft auf analoges, rudimentäres Improvisations-Drumming, ein spannender Ansatz, der nach dringender Weiter-Entwicklung wie -Verfolgung verlangt.

Der Niederländer Kevin Jansen aus Den Haag, der seine Klangskulpturen selbst als „Harsh Noise Violence“ bezeichnet, brachte seine atonale Message im zweiten Teil der Pension-Noise-Veranstaltung mit seinem Solo-Projekt Svartvit in knapp bemessenen zwanzig Minuten kurz und bündig auf den Punkt, die hoffnungsvolle Aussage seines eingeflochtenen, verfremdeten Sprach-Samplings „Just Listen To Me, Everything Will Be Alright“ konterkarierte der Electonica-Artist mit einer wütenden, zu Teilen verstörenden Aufführung. Eine diffus pochende, abstrakte Industrial-Dunkelheit, einem Echolot aus finsteren, trüben Gewässern gleich, steckte den lautmalerischen Rahmen für die extrovertiert-erratische One-Man-Performance des Klangforschers, der das Klirren von Ketten in den Sound loopte wie die latent befremdlichen Geräusche seiner eigenen Körperfunktionen. Neben verzweifeltem Hardcore-Geschrei zur Befreiung der inneren Dämonen und Verarbeitung der auf wen oder was auch immer projizierten, aufgestauten Wut fixierte der Künstler Verstärker-Kabel mit grobem Klebeband in einer angedeuteten Selbst-Strangulation an seinem Hals, gab durch Versenken eines Knopf-großen Mikros im Mundraum beklemmende Würge-Laute von sich und bereicherte damit den bereits Grenzen-antestenden Charakter der erschütternden Lärmgebilde und die Form seiner Bühnenpräsenz um weitere unkonventionelle Faktoren.
Der ganzheitliche Radikal-Ansatz von Svartvit konfrontiert das Publikum mit reinigenden Elementen des Wiener Aktionismus, dem Feedback-dominierten, dumpfen und monotonen Geist des Proto-Industrial und der heftigen Raserei des Hardcore-Punk – eine atonal und mit engagiertem Einsatz auf den Punkt gebrachte Schrei- und Schmerz-Therapie, in einer kurzen Sitzung dem überwältigten Publikum als individuelle Körper/Geist/Seele-Erfahrung angedient. Selber einen gewaltigen Sprung in der Schüssel oder alternativ dazu bereits alles Erdenkliche an Absonderlichem aus der weiten Welt der experimentellen Vorführungen gesehen, das wären wohl die einzig denkbaren Ausreden, um nicht auf die ein oder andere Weise vom intensiven Herauskehren der inneren Befindlichkeit im Kurz-Seelen-Strip von Svartvit angerührt zu sein.

Reingehört (481): An Autumn For Crippled Children

An Autumn For Crippled Children – The Light Of September (2018, Consouling Sounds)

Zum Einstieg reibt man sich verwundert die Lauscher und schmeißt nochmal leicht irritiert zur Verifizierung einen Blick auf die Daten des Presse-Verteilers: Tatsächlich eine Veröffentlichung aus dem Hause Consouling? Gefälliger, Gitarren- und Keyboard-lastiger Indie-Rock, der gekonnt mit poppigen 80er-New-Wave- und Postpunk-Elementen spielt und in der stilistischen Ausgestaltung im schlimmsten Fall auch als Eröffnungs-Fanfare für ein neues New-Order- oder Cure-Album erklingen könnte, nach wenigen Minuten klärt sich jedoch das Bild des ersten Eindrucks, denn dann steigt der Sänger/Gitarrist mit dem kryptischen Namen MCHL ins Geschehen ein, mit seinem sich permanent verausgabenden, kehligen Doom/Black-Metal-Gebrüll, mit dem dann auch alle Zweifel zum veröffentlichenden Label ausgeräumt sind.
Im Sound des Trios aus dem niederländischen Franekeradeel kristallisiert sich auf „The Light Of September“ zusehends ein weiter gut ins Ohr gehender Shoegazer- und Postrock-Flow heraus, der von Stück zu Stück in der Intensität Steigerung erfährt und dessen atmosphärischer, melodischer, zu Teilen melancholischer Grundton sich immer wieder in euphorisierende Höhen aufschwingt. Kaum vorstellbar, und doch ist es so: das überbordende Klangbild wird in seiner Stimmungs-hebenden Opulenz tatsächlich noch vom sporadischen Herausgröhlen der morbiden Hymen des Frontmanns gesteigert. Das „Sanges“-Organ übertönt in keiner Sekunde das begleitende Post-Rocken und Schuhe-Glotzen, die kehlige Intensiv-Artikulation wird demokratisch auf das Lautstärken-Level der begleitenden Instrumente reduziert, entfaltet damit künstlich am Mix-Board zurückgenommen wohl bei weitem nicht seine ganze Wucht bis ins Extreme, und setzt doch experimentellen, radikalen Kontrapunkt zum weithin gefälligen Musizieren.
Die Texte bleiben in der Tonlage unverstanden, irgendwas wird er wohl beklagen, der aufgebrachte Vortragende, irgendeine Seelenpein thematisieren, möglicherweise echauffiert er sich auch über die Auslassungen der Fachpresse, die den Sound von AAFCC in die Nähe der Ergüsse der Franzosen-Kollegen von Alcest rückten, in der Tat ein etwas weit hergeholter Vergleich.
An Autumn For Crippled Children haben sich 2008 als Depressive-Black-Metal-Band aus der Taufe gehoben und pflegen heute eine Spielart des Post/Black-Metal, die sich schmerzlindernd für weitaus lieblichere Strömungen des Indie-Rock öffnet. Sind An Autumn For Crippled Children derzeit am Ende gar die besseren Deafheaven?
„The Light Of September“ erblickt das Licht der Veröffentlichung im September, wann auch sonst bei dem Titel, am kommenden Freitag, beim wunderbaren belgischen Experimental/Postrock-Label Consouling Sounds aus dem schönen Gent.
(*****)

Reingehört (414) – Aaron Martin & Machinefabriek

Aaron Martin & Machinefabriek – Seeker (2017, Dronarivm)

Der spanische Choreograph Iván Pérez hat 2012 beim niederländischen Soundtüftler Rutger Zuydervelt aka Machinefabriek angefragt, ob er zusammen mit dem US-amerikanischen Komponisten/Cellisten Aaron Martin die Musik zu seinem Tanz „Hide And Seek“ komponieren möchte, nicht ahnend, dass die Musiker bereits 2007 für die EP „Cello Drowning“ kooperierten, und so war es den beiden Klangartisten ein Leichtes, dem Begehr Folge zu leisten.
Auf der 2017 für die Tonträger-Veröffentlichung fertiggestellten Arbeit „Seeker“ nähern sich die beiden Künstler naturgemäß von unterschiedlichen Warten dem Gemeinschaftsprojekt an, der klassisch geschulte Aaron Martin entwirft gewichtige, profunde Arbeiten an Cello, Harfe und anderweitigem Instrumentarium in stilistischem Einklang zwischen Neu-Klassik, Minimal Music und meditativem Ambient, Nebel-verhangene, melancholische, sehr getragene und mitunter schwermütige Instrumental-Epen, die Rutger Zuydervel mit abstrakten, verzerrten, wenn nicht latent verstörenden, so doch irritierenden Electronica-Drones und digitalem Sampling aus seiner Machinefabriek Spannungs-befeuernd anreichert – ein Verweben von organischen und Technik-gestützten Interpretationsansätzen aus dem weiten Feld der experimentellen Musik, feinst aufeinander abgestimmt und zu einem durchgängig stringenten Konglomerat verwoben. Entstanden im wechselseitigen transatlantischen Austausch zwischen Rotterdam/Old Europe und Topeka/Kansas, die Kommunikationsmöglichkeiten der modernen Welt machen’s möglich.
„Seeker“ ist Mitte Dezember 2017 beim Moskauer Neoklassik- und Ambient-Label Dronarivm erschienen.
(**** ½ – *****)