Howie Reeve + 4Shades @ Café Schau Ma Moi, München, 2018-10-30

Gepflegtes Indie-Doppelpack am vergangenen Dienstag im Café Schau Ma Moi, dem Giesinger Wohnzimmer, Treff der alternativen „Löwen“-Fanszene und vermutlich kleinsten Münchner Konzertsaal im ehemaligen Bahnwärter-Häusl an der Tegernseer Landstraße: Den Auftakt des popmusikalischen Abends bespielten die Lokalmatadoren der 4Shades, die ihre Schatten dem eindeutigen Bandnamen zum Trotz auch zu dieser Veranstaltung – wie stets – zu dritt warfen, Clubzwei-Konzertveranstalter Ivi Vukelic an Gesang und halbakustischer Gitarre, Echokammer-Labelchef und Grexits/Weißes-Pferd-Musikant Albert Pöschl an den elektrischen sechs Saiten und Domhans-Drummer Martin Rühle schepperten, folk-rockten und schrammten sich in Trio-Besetzung durch ihren entspannten, unaufgeregten 45-Minuten-Set aus feinen, ansprechend melodischen Songwriter-/Indie-Pop-Perlen, flotten Surf-Rock-Instrumentals und die sporadischen Ausflüge in atmosphärische Desert-Gefilde, Alternative-Country-Reminiszenzen und ein inwendiges Grundverständnis für die beschwingte Psychedelic der Pop-historisch relevanten Spät-Sixties.
Die 4Shades sind stilistisch schwer zu greifen, kaum auf eine einzige Attraktion des alternativen Indie-Zirkus festzulegen, völlig anders als der nicht an die Wand zu nagelnde Joghurt dabei jedoch kaum beliebig und keineswegs austauschbar. Der Gesang vom hochgeschätzten Clubzwei-Organisator Ivi Vukelic wurde andernorts mit einer „sexy Ü40-Knabenstimme“ charakterisiert, vielleicht ist es auch nur die individuelle Interpretation von reduziertem, minimalistischem Soft Soul, wer mag das schon abschließend definieren?
Die 4Shades bewegen sich in einem weitläufigen Feld, innerhalb weit gesteckter Grenzen zwischen großen, ergreifenden Songwriter-Harmonien, grob die Ecke Go-Betweens/Robert Forster als Hausnummer, beseeltem Cosmic-American-Folkrock-Flow und verhallt scheppernder Pulp-Fiction-Beschallung a la Dick Dale, sie sind sowas wie die wandelnde, in Praxis umgesetzte Pop-Lexika-Theorie, und damit bei weitem mehr als die Summe der Erfahrungen, Fertigkeiten und kompositorischen Ideen ihrer einzelnen Protagonisten.
Geschmeidiges Alternative-Entertainment, notgedrungen auf engstem Raum ohne große Show-Elemente, dafür mit umso mehr musikalischer Substanz und Finesse, und zu der speziellen Gelegenheit der weitaus weniger sperrige Part des konzertanten Doppels.

Die zweite dreiviertel Stunde des Abends im Schau Ma Moi gehörte dem Schotten Howie Reeve, der Songwriter aus Glasgow, der in vergangenen Zeiten bereits mit seinem Folk-Landsmann Alasdair Roberts und dem ehemaligen Minutemen-/fIREHOSE-/Stooges-Basser Mike Watt zusammenarbeitete, ist ein fleißig durch Europa tourender Solist, der als DIY-Entertainer mit britischem Humor und unverstellten, konkreten Ansagen den direkten Draht zum Publikum sucht und die Hörerschaft weit aus der Komfort-Zone lockt, mit seinen eigenwilligen, hybriden, lustigen wie nachdenklichen Kleinoden in einem Crossover aus avantgardistischem Free-Folk und lärmendem Akustik-Postpunk.
Reeves Vokalvortrag ähnelt in seiner expressiven Art weit mehr dem Erzählen von kurzen Geschichten, Impressionen und Gedichte-Rezitationen im Rahmen eines spontanen Poetry Slam als konventionellem Liedersingen, der außergewöhnliche Barde wechselt erratisch Tempo und Lautmalerei seiner Sprechgesänge, dabei begleitet er sich selbst gleichsam unvermittelt in Extreme verfallend am Akustik-Bass mit filigranem Anschlag, schrammelnden Lagerfeuer-Akkorden, experimentellen Saiten-Übungen und brachialem, nachschwingendem Dröhnen der E-Saite. Zu diesem Spiel in losgelöster Form, als Ausloten der Möglichkeiten des Instruments, mit sprunghaften Tempi-Wechseln, zuweilen atonalen Exzessen und dem Bass-Anschlag fernab jeglicher Harmonie-Lehre mögen sich Assoziationen an Free Jazz, Canterbury-Progressive, American Primitive Guitar und an die Exerzitien verwandter Freigeister-Kollegen wie Eugene Chadbourne, Daniel Johnston oder Fred Frith durch die Gehörgänge und Hirnwindungen verirren, das dürfte für ausgewählte Momente seine Richtigkeit haben, und doch gelingt es Howie Reeve permanent, den britischen Akustik-Folk als Grundtenor ins Zentrum seines Schaffens zu stellen, freilich in einer reichlich weirden und angeschrägten LoFi-/Outsider-Ausgestaltung inklusive dissonantem Punk-Appeal.
Für eine kurze, deutsch besungene Dada-Nummer über Feuerwehr-Einsätze und die Liebe wechselte Howie Reeve ans Daumenklavier, eine launige Bereicherung des Solo-Programms, wie die spontanen Aktionen des lokalen Part-Time-Roadies Anton, der mit Handreichungen des Instrumentariums wie beim Trockenlegen der winzigen 3-Quadratmeter-Bühnen-Nische nach zwischenzeitlich auftretendem Wasserschaden glänzte und sich damit die verdienten Dankesworte und Song-Widmungen des schottischen Musikanten abholte, ein Leichtes für einen verkappten Profi wie den Anton, der im fernen Chicago bereits mit dem Bass des großen Willie Dixon hantierte… ;-)))
Die Songauswahl zu jedem Konzert legt Howie Reeve während des Gigs spontan fest, auch dahingehend großes One-Man-Improvisationstheater, damit bereitete es dem Schotten keine Probleme, zum Ende die ein oder andere zusätzliche, vom Auditorium gewünschte Experimental-Miniatur als Extra draufzupacken, trotz seiner sich zusehends verschlimmernden Erkältung in ungebremster Spiellaune und mit Lust am Feixen mit dem Publikum. Absolut unkonventioneller, grundsympathischer Typ, mit kleinem Equipment und einem Riesen-Koffer an überbordenden Ideen im Gepäck unterwegs, ein Unikat sondergleichen. Und im Verbund mit den Local Heroes von den 4Shades der Garant für ein ohne Abstriche einnehmendes Kontrastprogramm. Der Abend muss erst noch kommen, an dem man nach mittelprächtigem oder gar schlechtem Konzert-Entertainment aus dem Giesinger Wohnzimmer stolpert…

Die Tourplanung von Howie Reeve für die nächsten Tage und Wochen wird vom Musiker selbst wie folgt annonciert – vielleicht sollte der Anton aus seiner lokal begrenzten, sporadischen Tourbegleiter-Beschäftigung doch ins Vollzeit-Management wechseln zwecks konkreterer Kommunikation – jeweilige Veranstaltungsorte sind in dem Fall dann wohl der lokalen (Tages)presse zu entnehmen:

„Ok, here’s the next tour: Germany, Italy, Belgium, Holland. It would be so nice to fill those hmmmmms in…“

01.11. – Berlin
02.11. – hmmmmm…
03.11. – Leipzig
04.11. – Dresden
05.11. – Travel…
06.11. – Ferrara
07.11. – Venice
08.11. – Feltre
09.11. – Porcen
10.11. – Finale Emilia
11.11. – Finale Emilia
12.11. – Travel…
13.11. – hmmmmm…
14.11. – Hamburg
15.11. – Kassel
16.11. – Düsseldorf
17.11. – Leiden
18.11. – hmmmmm…
19.11. – Brussels
20.11. – Deux-AcrenSchau
21.11. – Dordrecht
22.11. – hmmmmm…
23.11. – Rotterdam
24.11. – Amsterdam

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Reingehört (490): Harps

HARPS – ORDERINCHAOS (2018, Self Release)

Give Paris One More Chance, der gute alte Jonathan Richman hat’s seinerzeit angemahnt, auch wenn er damals kein lärmendes Rockmusizieren im Sinn hatte mit seiner Aufforderung. Dem Trio HARPS aus der französischen Seine-Metropole sollte man dahingehend dringend eine Chance geben, und es wird wohl kaum eine zweite brauchen, da es beim ersten Reinhören bereits ordentlich funken sollte mit dem ohne jegliche Abstriche überzeugenden Postcore der drei jungen Musiker, alles andere dürfte auf dringend zu behandelnde Geschmacksverirrung oder schwere Taubheit beim jeweiligen Konsumenten hindeuten. Nachhaltiges Ohrensausen wäre indes nicht weiter verwunderlich nach Genuss des Debüt-Longplayers der Band, der raumgreifende, eindrückliche und satte Sound der „Harfen“ schreit förmlich nach Hochdrehen der Lautstärken-Regler auf Anschlag am jeweiligen Abspiel-Medium. Die Herren Julien, Matteo und Jérôme kredenzen im klassischen Bass/Gitarre/Drums-Outfit in sieben überwiegend längeren und in jedem Ton gründlich durchexerzierten Nummern eine überaus stimmige Mixtur aus DIY-Straight-Edge-Hard- und Postcore, majestätischem Postmetal, finsterem Doom, Brachial-Grunge mit psychedelischen Sludge-Elementen und einer zupackenden, ureigenen Variante des Noise-Rock, die die Band zu einem extrem harmonischen, austarierten und voluminösen Gebräu einkocht. Da kommt an Stilistischem zusammen, was zusammengehört, in einer Versiertheit und einer fundamentalen Unerschütterlichkeit, wie sie nur wenigen jungen Bands am Anfang ihrer Karriere gegeben ist. Nichts hört und fühlt sich nach Ausprobieren, alles nach Wissen um das eigene Tun an. Die Formation versteht es meisterlich, mit ihrem Verständnis der harten Rockmusik in einem eigenen Ansatz zu überzeugen, einiges mag an Einflüssen mitschwingen und wird doch in höchst individueller Umsetzung präsentiert. Emotionales, Herzblut-triefendes Singen und Schwadronieren, energisches, massives, differenziertes Rhythmus-Geben und ein kompromissloses wie inspiriertes Werkeln an der Gitarre zwischen nachhallendem Verzerren, dissonanten Einfärbungen und dunkel schwelenden Doom-Attacken verdichten sich zu einem hochspannenden, komplexen wie homogenen, dicken Ausrufezeichen im weiten Feld der Post-Irgendwas-Lärmerei.
Die Band veröffentlichte 2016 mit „Blueprint“ vom „Repeater“-Debütalbum ein Fugazi-Cover für den Sampler „Steady Gaze of Nothing – A Reverence to Fugazi“, der seinerzeit beim Tribute-Label The Blog That Celebrates Itself Records in Sao Paulo erschienen ist, die Verehrung für die Straight-Edge-Heroen aus Washington DC klingt immer wieder im leidenschaftlichen Hardcore-Gesang von Gitarrist Julien durch, am deutlichsten wohl im ausladenden, in die Knie zwingenden und mit großer Hingabe vorgetragenen „Gaza Gazers“, eine mehr als gelungene und überaus gern genommene Verneigung vor der Dischord-Legende um Bandleader Ian MacKaye, die seit fünfzehn Jahren ums Verrecken nicht aus dem Urlaub zurückkommen und was Neues für die weltweit darbende Fan-Gemeinde zur Erbauung veröffentlichen will – nach einer derart langen Zeit des Ausharrens ist tatsächlich jedes Derivat willkommen, in dieser Güte allemal.
Live im Studio eingespielt, entwickelt „ORDERINCHAOS“ eine direkte, ungefilterte Wucht und Dynamik, die von Nachbearbeitungen der Aufnahmen völlig unberührt bleibt, selbst nicht durch sporadisch eingestreute Spoken-Word-Samples aus dem Werk „Cosmos“ des US-amerikanischen Wissenschaftlers Carl Sagan in „Murmurs Of Earth“ und „Infinity Must Have Started Somewhere“ – gründlich, rau, unverstellt und zupackend, so, wie eine gute Produktion aus dem Bereich der härteren Gangarten der Rockmusik eben sein sollte. Dahingehend haben HARPS in der Tat alles richtig gemacht. Mehr nach außen transportierte, unerschütterliche innere Überzeugung hinsichtlich Formgebung und Gewahrsein des eigenen Tuns war in letzter Zeit selten bei einer Band. Die Hörerschaft sollte das mit gebührender Ergriffenheit und entsprechend entrücktem Mitzucken zu würdigen wissen, alles andere macht keinen Zopf.
„ORDERINCHAOS“ ist seit 7. September über alle gängigen Streaming- und Download-Plattformen im Netz erhältlich, guckst Du for example bei Bandcamp, orderst Du beherzt im Chaos oder wahlweise geordneten Zustand, machst die Band reich und tust damit noch was für die europäische Völkerverständigung.
(***** – ***** ½)

Reingehört (487): Mogwai, Emma Ruth Rundle, William Elliott Whitmore, Crippled Black Phoenix

Mogwai – KIN (2018, Rock Action Records)

Postrock als Filmmusik, gibt kaum was Naheliegenderes, „Cineastische Klangmalereien und Soundwände“, Ihr wisst schon. Mit den tonalen Ergüssen der PR-Großmeister aus Glasgow macht man dahingehend sowieso nichts verkehrt, haben die Schotten doch selbst das Kunststück fertig gebracht, den bewegten Bildern der grauenvoll langweiligen Fußball-Meditation „Zidane: A 21st Century Portrait“ immerhin musikalisch noch das gewisse Etwas zu verpassen. Die Mannen um Stuart Braithwaite sind zweifellos inzwischen ausgewiesene Experten im Beschallen von Filmkunst, der Soundtrack für den US-amerikanischen Science-Fiction-Streifen „KIN“ ist mittlerweile die sechste Music For Motion Pictures unter den aktuell fünfzehn Studio-Longplayern der Postrock-Pioniere aus den nördlichen Gefilden Kaledoniens. Etliches mag vertaut klingen in den episch ausladenden, mit Electronica-Trance verwobenen Klanglandschaften, der Schönheit der darüber schwebenden E-Piano-Elegien wird sich trotz allem kaum jemand aus der altgedienten Mogwai-Gefolgschaft entziehen können. Auch wenn das Zurücknehmen griffiger Gitarren-Riffs nicht Not getan hätte, und selbst wenn „We’re Not Done“ als hymnische, Alben-beschließende Gesangsnummer schablonenhaft dem Modell des Vorgänger-Albums „Every Contry’s Sun“ folgt – auch dort findet sich mit „Party In The Dark“ eine schmissige Shoegazer-/Indie-Post-Pop-Nummer mit Vokal-Anteil im ansonsten textfreien Instrumental-Werk – auf ein schwaches, überflüssiges Mogwai-Album wird man weiter warten müssen. „KIN“ dreht die Mogwai-Welt nur um wenige, kaum spürbare Grade weiter, ist aber weit von in jüngster Zeit vermehrt zu verzeichnenden Belanglosig- und Austauschbarkeiten im weiten Feld des Postrock-Genres entfernt.
(**** ½)

⇐    ⇔    ⇒

Emma Ruth Rundle – On Dark Horses (2018, Sargent House)

Konzertant überzeugte die kalifornische Düster-Schönheit Emma Ruth Rundle als princess of the night vor gut zwei Jahren mit ihren dunkel funkelnden Folk-Doom-Songs im Vorprogramm zu den Wovenhand-Geisterbeschwörungen von David Eugene Edwards, das Vorgänger-Werk „Marked For Death“ war im finsteren Seelen-Strip und Beklagen der eigenen Pein eine weitere hörenswerte, schmerzlich schöne Grenzerfahrung, denkbar weit entfernt von der Sonne der US-amerikanischen Westcoast. Auf dem aktuell erschienenen Longplayer „On Dark Horses“ klingt vieles nach Wiederholungsschleife, Vertiefen der Wunden, erschöpfendem Auskosten des Kummers und Verharren in ausweglos erscheinender, seelischer Bedrücktheit  – Repetition als Konzept, in der brandneuen Songsammlung für sich betrachtet wie auch in Referenz zum erwähnten 2016er Tonträger, das leiernde Wehklagen und pathetische Lamentieren, der voluminöse Downtempo-/Slowcore-Postpunk und der mystische Finsterwald-Ambient, serviert als verschleierter, schwermütiger Shoegaze-Folk, die würdevolle, emotionale, durch die Nacht tragende Melancholie: All das ist bereits seit mehreren Monden verinnerlicht und funktioniert doch in jedem Stück per se immer wieder aufs Neue prächtig und entfaltet damit große atmosphärische Wucht. Winken wir für dieses Mal ergriffen wie eh und je ohne Murren und Knurren durch, erhoffen für den nächsten Tonträger indes innovative Weiterentwicklung und sehen frohgemut (zu dem Sound natürlich der völlig verkehrte Gemütszustand) dem Konzert von Emma Ruth Rundle am 21. Oktober im Münchner Glockenbachviertel-Club Milla entgegen (die Hipster-Neighbourhood der geldigen Gentrifizierungs-Münchner passt selbstredend auch nicht als Austragungsort zur Schwermut-Forest-Beschallung der schwarz-gewandeten Emma, aber was soll’s, im feucht-dunklen Kellergewölbe kann man sich allemal der Illusion der Subkultur und der Reflexion der eigenen, innewohnenden Dämonen hingeben).
(**** – **** ½)

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William Elliott Whitmore – Kilonova (2018, Bloodshot Records)

Zehn Coverversionen von Nummern, die den Songwriter, Farmer und vornehmlich in amerikanischen Punk-Clubs auftretenden Alternative-Country-Haudegen William Elliott Whitmore aus Lee County/Iowa in der Zeit seines musikalischen Schaffens geprägt und befruchtet haben, die Palette der Originale reicht von Bad-Religion-Songs über den hier weiß Gott nicht zum ersten Mal neuinterpretierten Bill-Withers-Soulklassiker „Ain’t No Sunshine“, alten Country- und Blues-Nummern aus der Feder von Johnny Cash, Dock Boggs und Harlan Howard bis hin zur Verneigung vor dem großen Captain Beefheart, wobei man bei der Whitmore-Version von „Bat Chain Puller“ nicht weiß, ob man lachen oder weinen soll, der Barde erweist sich hier zwar als einer der ganz wenigen, die überhaupt erwählt sind, sich an das Werk des einzigartigen Captain heranwagen zu dürfen, auf der anderen Seite trifft Whitmore vor allem hinsichtlich grollender und jaulender Stimmlage das Van-Vliet-Original in der eigenen Kopie in jedem Ton derart exakt, dass der Nummer vom Magic-Band-„Shiny Beast“-Album aus dem Jahr 1978 nicht eine einzige neue Nuance hinzugefügt oder ein neuer, bis dahin verborgener Aspekt offen gelegt wird. Der große Rest: sehr brauchbares bis sehr beseeltes Alternative-Country- und Folk-Blues-Musizieren, mit leidenschaftlichem Bariton begleitet, der die Herzen der geneigten Cow-Girls und -Boys durchaus zur Größe eines Rinder-Herzens zu dehnen weiß. Etliches weitaus reduzierter als die jeweiligen Originale, was im ein oder anderen Fall die Dramatik der erzählten Geschichte steigert, den Kern der Aussagen schärft und den Protest dringlicher erscheinen lässt.
(**** ½)

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Crippled Black Phoenix – Great Escape (2018, Season Of Mist)

Die große Flucht des südenglischen Post-/Progressive-/Psychedelic-Rock-Kollektivs Crippled Black Phoenix um Meistergeist Justin Greaves schreitet auf dem neuen Werk im ausladenden Doppel-LP-Format weiter voran in Richtung des offensichtlich von der Band selbst so definierten Ideals der mittleren Pink-Floyd-Phase, ca. „Meddle“– bis „Wish You Where Here“-Ära. Ein alternatives Pink-Floyd-Ideal, wohlgemerkt, ohne das permanente Schielen zum Mainstream hin und zu den Charts-Platzierungen, wie es die Combo von Waters, Gilmour und Co spätestens seit diesem völlig überschätzten „Dark Side Of The Moon“-Gewäsch zusehends mehr kultivierte. Gepaart mit einer geschliffenen Stoner-/Postmetal-Härte, den für die Band typischen Endzeit-Visionen, einer Handvoll Midtempo-Prog-Rock-Balladen und einer exzellenten, austarierten Produktion zur Präsentation eines umfänglich voluminösen Breitband-Sounds liegt darin nichts Verwerfliches, altgedienten FreundInnen der Polit-Institution aus Bristol wird der opulente Tonträger indes kaum neue Hörerfahrungen offenbaren. Das Album hält in Songwriting und Umsetzung das Niveau jeder der zahlreichen sehr guten Vorgänger-Arbeiten, die Gitarren-Soli sind ausladend, die Texte pessimistisch, insbesondere die von CBP-Merchandise-Lady Belinda Kordic besungenen Balladen von einer dunkel funkelnden Schönheit, im besten Sinne bleibt alles beim Alten – on the other hand: im Wesentlichen eben nichts Neues unter der Sonne, allenfalls im Sound zu transparenterem Leuchten aufpoliert.
Großer Ennio-Morricone-Sport im Übrigen in beiden Teilen des finalen Titelstücks. Wem da der Colt nicht locker sitzt zum Showdown auf der staubigen Straße… When Chimes End, Pick Up Your Gun!
(**** – **** ½)