The Thurston Moore Group + Rattle @ Strom, München, 2019-10-27

Als „The Ultimate Church Of Sound“ beschrieb einst in einem Interview der englische Throbbing-Gristle-/Psychic-TV-Weirdo Genesis P-Orridge die eruptiven Erschütterungen der Jimi Hendrix Experience, was der Gitarrengott aus Seattle für die Rockmusik der späten Sechziger im Alleingang leistete, darf sein Landsmann Thurston Moore zwanzig Jahre später für den No-Wave-, Noise, Experimental- und Alternative Rock vermutlich nicht ausschließlich komplett für sich selbst in Anspruch nehmen, maßgeblich mit stilbildend für den Indie-Sound ab den auslaufenden Achtzigern war er zweifellos mit seinem unverwechselbaren Gitarrenspiel bei der New Yorker Indie-Vorzeigekapelle Sonic Youth, die seinerzeit neben Moore mit Bandkollegen Lee Ranaldo einen weiteren Meister der krachenden sechs Saiten in ihren Reihen hatte.
Seit der Bandauflösung 2011 tummelte sich Thurston Moore in diversen Projekten, zwischenzeitlich mit Chelsea Light Moving in einem neuen, kurzlebigen, vielversprechenden Band-Format, davor und danach zuweilen in experimentellen Kollaborationen, dann wieder in konventionelleren Rock-Songs verhaftet wie auf seinen aktuelleren Alben „Rock n Roll Consciousness“ und „The Best Day“.
Seit Mitte September ist mit dem Tripple-Box-Set „Spirit Counsel“ sein jüngstes Werk in den (virtuellen) Plattenläden zu haben, und mit der Live-Aufführung der beiden ausladenden Instrumental-Nummern „ALICE MOKI JANE“ und „8 Spring Street“ kamen Thurston Moore, seine langjährigen Begleiter, die My-Bloody-Valentine-Bassistin Debbie Googe und der englische Gitarrist James Sedwards, plus ein neuer Mann an den Drums als Steve-Shelley-Ersatz einer experimentellen, modernen Variante der eingangs zitierten ultimativen Sound-Kirche sehr nahe.
Thurston Moore strebte mit dem kollektiven Improvisieren vertrauter wie avantgardistischer Gitarren-Tunes in perkussiver Begleitung einen spirituellen Geisteszustand an – Kontemplation und Energie, die ihre Kraft ungebremst vom Bühnengeschehen in Richtung Auditorium ausstrahlte. In der ersten Nummer würdigte der Noise-Großmeister die Jazz-Größen Alice Coltrane, Moki Cherry und Jayne Cortez, allesamt selbst Klangforscherinnen, die mit ihrer Musik die höheren Bewusstseinszustände anstreben.
„8 Spring Street“ ist die New Yorker Adresse des Apartments, in dem Thurston Moore seinem Mentor Glenn Branca in den späten Siebzigern zum ersten Mal zu einer gemeinsamen Probe begegnete. Der Geist des im vergangenen Jahr verstorbenen Minimal-/Drone-Pioniers schien über dem kompletten Set zu schweben, zuforderst in schier endlosen, minimalistischen, hypnotisch sich permanent wiederholenden Gitarrenriff-Schleifen. Branca, sein „Guitar Orchestra“ und Moores frühe Mitarbeit an den Ensembles des Avantgarde-Komponisiten wurden in einer ausgedehnten Zugabe als maßgeblicher Einfluss auf den späteren Klangkosmos des Sonic-Youth-Gründers gewürdigt.
Ein Klangkosmos, den Thurston Moore in seinen aktuellen, Gesangs-freien konzertanten Aufführungen grandios ergreifend offensichtlich zur Gänze entfaltet. Eingangs ruhige Ambient-Klänge, die sich nach minutenlanger Gitarren-Mediation in Richtung gängige Indie-Rock-Riffs mit dem vertrauten Sonic-Youth-Klirren und -Dröhnen entwickeln, um nach mehreren, wiederholten Improvisations-Mutationen in zwischenzeitlichen, übersteuerten Feedback-Orgasmen zu explodieren. Dazwischen, danach, wiederholt Postrock-artige Crescendi, lärmend-hymnische Soundwände, experimentelles Bleistift-Spreizen zwischen die Gitarren-Saiten zum Erzeugen exotischer, asiatisch angehauchter Drone-Töne. Die schiere Wucht und die Vielfalt der tonalen wie atonalen Ausdrucksformen auf Thurston Moores 12-saitigem Fender-Instrument, der seine Mitmusiker wie das Publikum gebannt konzentriert beiwohnen und folgen, ist mit Worten kaum zu beschreiben, ansatzweise ist es auf dem aktuellen Tonträger erlebbar, den Klang-forschenden Genius und die Kraft der ausladenden Stromgitarren-Kompositionen wird man voll umfänglich nur in der Live-Version erfassen. Wohl denen, die am vergangenen Sonntagabend im Münchner Strom diesem erschütternden Beben beiwohnen durften. Wer Songs erwartete, könnte ein langes Gesicht zur Schau getragen haben, wer weiß. Die mit den offenen Ohren und der unvoreingenommenen Herangehensweise ernteten reichhaltig, pures Gold gar.

The Thurston Moore Group live dieser Tage, dringende Empfehlung: heute Abend in Frankfurt/Main, im Das Bett. Weitere Termine im alten Europa:

31.10. – Antwerpen – Filter Festival
01.11. – Den Haag – Crossing Border festival
02.11. – Nantes – Soy Festival
03.11. – Berlin – Festsaal Kreuzberg
09.11. – Kortrijk – Sonic City Festival
10.11. – Salford – The White Hotel

Bevor Meister Moore und die Seinen zu fortgeschrittener Stunde am Sonntagabend die Bühne des Strom-Clubs beehrten, durften die beiden jungen Engländerinnen Katharine Eira Brown und Theresa Wrigley vom Postpunk-Duo Rattle aus Nottingham für eine knappe, verschwendete halbe Stunde ihre Trommelkünste demonstrieren. Allzuweit war’s damit nicht her, um es kurz zu machen. Eine gemeinsam bespielte, repetitiv-druckvolle Uptempo-Rhythmik an der Grenze zur schnörkellosen Monotonie, zu der die Ladies sich das Hi-Hat teilten und Katharine Brown angelegentlich ihre beschwörenden Gesänge anstimmte. This Heat für Arme, die Beschallung zum rituellen Hypnose-Tanz vollgedröhnter Halbnackter ums Feuer. Da im Saal weder ein Feuer loderte (durch diesen Sound schon mal gar nicht entfacht) noch irgendwelche sedierten Entblößten rumturnten, war’s ein sich schnell abnutzendes Unterfangen – beim dritten Gähnen war der Trommel-Workshop durchgefallen…

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Soundtrack des Tages (204): Glenn Branca

Späte Kerze: In Memoriam Glenn Branca. Der amerikanische No-Wave-/Neo-Klassik-/Experimental-Drone-Pionier und begnadete Krachmacher, Komponist, Bandleader und Musiker ist am 13. Mai in die ewigen Jagdgründe eingegangen. Der 1948 in Harrisburg/Pennsylvania geborene und später in New York City wirkende Branca hat mit seinen Drone- und Oberton-Klangforschungen, Einspielungen mit repetitiven, hypnotischen Noise-Elementen, offenen, oft atonalen Saiten-Stimmungen und avantgardistisch-erschütternden Gitarren-Orchester-Aufführungen mit bis zu einhundert Musikern zahlreiche nachfolgende, herausragende Bands wie Sunn O))), Sonic Youth und die Swans maßgeblich beeinflusst. Sonic-Youth-Gitarrist Lee Ranaldo war Musiker des Electric Guitar Orchestra von Branca, wie auch zeitweise sein späterer Band-Kollege Thurston Moore, Helmet-Chef Page Hamilton und Swans-Mastermind Michael Gira.
1982 gründete Glenn Branca sein eigenes Platten-Label Neutral Records, auf dem unter anderem Sonic Youth ihre Debüt-LP „Confusion Is Sex“ und die Swans ihren No-Wave-Klassiker „Filth“ veröffentlichten.
Von den Werken Glenn Brancas sind vor allem die ersten Alben aus den frühen Achtzigern „Lesson No. 1“ und „The Ascension“ essentiell und für die Nachwelt von nicht zu unterschätzendem Wert. Daneben hat Branca zahlreiche Symphonien, einzelne Experimental-Arbeiten und im Jahr 1982 zusammen mit dem Dichter und Warhol-Schauspieler John Giorno das Album „Who You Staring At?“ veröffentlicht.

Glenn Branca – „Lesson No. 1 For Guitar“ → vimeo-Link

Soul Family Tree (48): Cypress Hill

„Die Revolution hat gesiegt, es lebe die Routine! Hip Hop in ’93 befindet sich in einer Phase der Verfeinerung einmal erreichter Standards, die Szene ist geprägt von brillanten Technikern ohne Charisma. Allein Cypress Hill haben noch einmal das Kunststück geschafft, auf breiter Ebene einen neuen Stil durchzuboxen.“
(Oliver von Felbert, Spex, September 1993)

Bandjubiläum: Drei Dekaden Cypress Hill. Und in diesem Jahr soll der lange angekündigte Longplayer „Elephants On Acid“ erscheinen, es wäre das erste Studio-Album seit acht Jahren, indes: nichts genaues weiß man hierzu nach wie vor nicht.
Grund genug jedenfalls, an die frühen Jahre der Formation zu erinnern, in der sie mit ihren ersten Alben dicke Ausrufezeichen im amerikanischen Westcoast-Rap und Hip Hop setzten.

Die Hispanic-American-Formation Cypress Hill wurde 1988 von den beiden in Kuba geborenen Brüdern Senen „Sen Dog“ und Ulpiano „Mellow Man Ace“ Reyes, dem aus Queens/NYC stammenden Lawrence „DJ Muggs“ Muggerud und dem Rapper Louis „B-Real“ Freese in South Gate/Los Angeles gegründet, ursprünglich unter dem Namen DVX (Devastating Vocal Excellence). Mellow Man Ace verließ kurz darauf das Quartett für eine Solo-Karriere, worauf sich die verbleibenden Band-Mitglieder nach einer Straße in South Gate umbenannten.

Cypress Hill unterschrieben kurz nach Gründung einen Platten-Deal mit dem auf R&B- und Hip-Hop-Acts spezialisierten Columbia-Joint-Venture Ruffhouse Records, bereits das 1991 veröffentlichte, selbstbetitelte Debüt-Album „Cypress Hill“ ging kommerziell durch die Decke, das Erstwerk verkaufte sich über zwei Millionen Mal, vor allem bedingt durch das massive Airplay der Single „The Phuncky Feel One / How I Could Just Kill A Man“ im College-Radio wie auch bei großen Sendern, dabei war das Material des ersten Longplayers mit den experimentellen Loops, eingestreuten Gitarren-Riffs, einem nervenden Saxophon-Getröte und vor allem diesem für Cypress Hill typisch unfreundlich-quengelnden, hohen Vokal-Geleier alles andere als Hip-Hop-Mainstream.

Der frühe Cypress-Hill-Sound ist geprägt von B-Reals übertrieben nasalem Sprechgesang, einem schleppenden, oft in den Blues neigenden, düsteren Doom- und Down-Tempo-Groove, der in späteren Arbeiten durch das Sampling aus Melodien und Sounds von Prog-/Psychedelic-/Kraut-Rock- bis zu Filmmusik-Originalen noch verstärkt wurde. Die Band spielte von Anfang an bewusst mit finsteren Metal-Symbolen wie Totenschädeln, martialischen Tattoos und ähnlichem Firlefanz, wie man ihn sonst aus der Black-Sabbath-Ecke und Artverwandtem kennt. Seit jeher bekennen sich die Rapper zum Gras-Rauchen, die Forderung nach Marihuana-Legalisierung mündet bis heute in ihrer Befürwortung von Cannabis-Einsatz in der medizinischen Therapie. Das alles mag neben dem expliziten Sound zu einem Gutteil erklären, warum Cypress Hill auch bei Hörern anderen Indie-/Underground-Spielarten stets wohlgelitten waren und selbst bei beinharten Hardcore- und Grunge-Fans auf offene Ohren stießen. Ein bewusst vor sich her getragener Alles-egal-es-geht-eh-den-Bach-runter-Fatalismus und ein paar Deadhead-artige Rauschebärte reichten darüber hinaus völlig aus, um die Band Genre-übergreifend in der Outlaw-Subkultur zu etablieren, da brauchte es keine Körperverletzungs- und Totschlag-Delikte wie bei anderen Rap-Kollegas in jenen Tagen, und die paar Meilen von South Gate zum L.A.-Brennpunkt South Central spielten dabei wenn überhaupt auch nur eine untergeordnete Rolle.

„Black Sunday“, das zweite Album von 1993, toppte die Verkaufszahlen des Debüts um knapp eineinhalb Millionen Exemplare, der Tonträger stieg bereits in der ersten Verkaufswoche auf Platz 1 der Billboard-Charts ein und trug wesentlich dazu bei, dass Cypress Hill zu den ersten Latino-Hip-Hop-Superstars mit Multi-Platin-Seller-Status avancierten. Vor allem die erste Single des Albums, die Crossover-Nummer „Insane In The Brain“, erfreute sich auch beim klassischen Rock-Publikum großer Beliebtheit. Das Stück verwendet unter anderem Samples von James Brown, Sly & The Family Stone und den Youngbloods.

Die Band tourte in der Zeit mit Hardcore-/Punk-Bands wie Rage Against The Machine, 7 Year Bitch und den weißen Hip-Hop-Nachbarn von House Of Pain. 1993 nahmen sie auch zwei Stücke für den Rap/Metal/Grunge-Crossover-Soundtrack des Action-Thrillers „Judgment Night“ auf, „Real Thing“ zusammen mit Pearl Jam, und „I Love You Mary Jane“, einer Kollaboration mit der New Yorker Noise-Kult-Combo Sonic Youth, das Konzept des Filmmusik-Samplers war klar definiert: Jede Nummer wurde exklusiv von einem Hip-Hop-Act zusammen mit einer Formation aus der alternativen Rockmusik  aufgenommen. Der Kino-Streifen war laut Kritiken weit von einem cineastischen Meisterwerk entfernt, die Soundtrack-Beschallung erntete dagegen allseits wohlwollendes Lob, der amerikanische Rolling Stone merkte etwa an: „Judgment Night’s bracing rap rock is like the wedding of hillbilly and ‚race‘ music that started the whole thing in the first place….It’s an aspiring re-birth“.

Zwei Jahre später erschien mit „Cypress Hill III: Temples Of Boom“ Mitte der Neunziger das dritte Album, die Verkaufszahlen lagen wieder ordentlich im Millionenbereich, die Kritiken waren hingegen erstmals durchwachsen, obwohl die Band ihren Sound runderneuerte und auf ein tiefenentspanntes, nahezu Trance-artiges, dunkles Klangbild setzte, asiatisch-psychedelische Elemente in den Vordergrund stellte und bei den Samples tief in die Trickkiste griff, von Ravi-Shankar-Ragas über Ausschnitte aus Arbeiten der kalifornischen Acid-Rocker Iron Butterfly, Henry-Mancini-Filmmusik und Reggae-Tunes aus der Feder von Jackie Mittoo bis hin zur berühmten Ezekiel-25:17-Ansage von Samuel L. Jackson aus dem „Pulp Fiction“-Streifen wurde quer durch den Pop-kulturellen Gemüsegarten zitiert, daneben mischten bei einigen Stücken RZA und U-God vom New Yorker Wu-Tang Clan mit.
Etliche Fachblätter und Radiostationen konnten sich aber durchaus zu positiven Wertungen durchringen, und das wird diesem exzellenten Album mit All-Time-Favourites wie „Illusions“, „Boom Biddy Bye Bye“ und „Throw Your Set In The Air“ auch weitaus mehr gerecht.

Cypress Hill – „Throw Your Set In The Air“ → youtube-Link

Nach dem dritten Album beschäftigten sich DJ Muggs und der Rapper Sen Dog jahrelang mit eigenen Projekten wie dem losen Underground-Hip-Hop-Kollektiv Soul Assassins und der Rap-Metal-Combo SX-10, mit „IV“ veröffentlichten Cypress Hill 1998 nach 3 Jahren ein neues Werk, das qualitativ wie die weiter sporadisch bis 2010 veröffentlichten Longplayer nicht mehr an das Niveau der ersten drei Würfe heranreichte, die Band experimentierte in späteren Jahren mit zeitgenössischer Rockmusik, Punk und Reggae und entfernte sich damit von ihrem klassischen Sound, die Verkaufszahlen ließen entsprechend zu wünschen übrig, was 2010 zum Verlassen des Sony-Labels führte. Cypress Hill sind nach wie vor auf Sendung, vielleicht kommt irgendwann das lange angekündigte neue Album, ob es nochmal für einen großen Wurf reicht, wird sich dann zeigen. Bis dahin stehen die ersten drei Alben als Meilensteine des Rap im Black-Music-Kanon, und daneben seltsame Cover-Versionen von Cypress-Hill-Songs wie etwa die der britischen Indie-Rocker Kasabian…

Kaspian – „Insane In The Brain“ → youtube-Link

Reingehört (364): Jon Langford, Lee Ranaldo, The World Is A Beautiful Place And I Am No Longer Afraid To Die

The World Is A Beautiful Place And I Am No Longer Afraid To Die – Always Foreign (2017, Epitaph)

Hilft alles nix: Die Band aus Connecticut mit dem Kilometer-langen Bandnamen war schon mal weitaus beeindruckender und vor allem intensiver unterwegs in Sachen Postrock und Emo-Core. „Always Foreign“ ist über weite Strecken im Würgegriff von dominierendem Psychedelic-Beatles-Pop-Geschwurbel und Konsens-Indie-Geplätscher, quasi doppelt-plus-ungut, erst gegen Ende, in den abschließenden Stücken „Fuzz Minor“ und vor allem im finalen „Infinite Steve“ mag partiell sowas wie die beglückende Vehemenz berauschender Postrock-Gitarren-Dramatik aufkommen, gepaart mit den auf vergangenen Werken und im konzertanten Vortrag typischen Anlehnungen an den betörenden Emo-Post-Hardcore von Shudder To Think, für einen 40-Minuten-Longplayer unterm Strich bei weitem zu wenig für eine Band, auf die man einst große Stücke hielt.
(***)

Lee Ranaldo – Electric Trim (2017, Mute)

Ex-Sonic-Youth-Gitarrenmeister Lee Ranaldo ist auf „Electric Trim“ weit entfernt von früheren Feedback- und Rückkopplungs-Exzessen, der New Yorker gibt sich auf der jüngsten Solo-Arbeit betont entspannt, Song-orientiert, an etlichen Schwachstellen des Werks geradezu aufreizend gefällig. Dank vereinzelter Perlen wie dem coolen und gleichsam treibenden Neo-Prärie-Rocker „Uncle Skeleton“ oder dem eingangs saumseligen, von Sharon Van Etten gesanglich begleiteten, im zweiten Teil euphorisch explodierenden „Last Looks“ sowie einigen gelungenen Softcore-Balladen und Psychedelic-Pop-eingefärbten Indie-Rockern bleibt die Langweiler-Gelbe-Karte für dieses Mal in der Brusttasche stecken und wir belassen es für die eingestreuten tonalen Schlaftabletten im Geiste akustischen McCartney-Geplätschers und das belanglose Jazz-Gitarren-Gefrickel bei einer dezenten Verwarnung.
Unterstützt von Sonic-Youth-Spezi Steve Shelley an den Drums und Ausnahme-Gitarrist Nels Cline, der das partielle, Füße-einschläfernde Geschrammel bereits bestens von seiner derzeit schwer im Sinkflug befindlichen Hauscombo Wilco kennt. Fürderhin nutzloses Wissen vom Beipackzettel für das Literatur-Volk: Brooklyn-Romancier Jonathan Lethem hat die Entstehung etlicher Stücke beim Texten begleitet.
(****)

Jon Langford – Four Lost Souls (2017, Bloodshot Records)

Working Class Socialist und Mekons-Mitbegründer Jon Langford zieht mit seinem jüngsten Solo-Album stilistisch wie kaum anders zu erwarten schwer in Richtung Waco Brothers, seiner seit über 20 Jahren aktiven Chicagoer Alternative-Country-Combo, die Aufnahmen für „Four Lost Souls“ entstanden im legendären Muscle Shoals Sound Studio in Sheffield/Alabama, unter maßgeblicher Hilfe vom ehemaligen Elvis-Bassisten Norbert Putnam und von „Muscle Shoals Rhythm Section“-Mitbegründer David Hood. Die Beteiligung dieser tief in der amerikanischen Musiktradition verhafteten alten Kämpen mag den Umstand begründen, dass der Tonträger zwar mit der von Langford wie seinen Combos gewohnten, griffigen Alternative-Dramatik in „Poor Valley Radio“ eröffnet, im weiteren Verlauf aber zusehends den gängigen, Massen-kompatiblen wie austauschbaren Country-, Rock’n’Roll- und – in der ausgeprägten Form vom ollen Jon und seinen Gesangs-Duett-Mädels bisher so nicht vernommen – Soul-Mustern Tribut zollt und in einer Handvoll belangloser Titel völlig darin versumpft. Das Langford-typische Feuer ist in weiten Teilen nur ein schwaches Glimmen, mit seinem in der Vergangenheit hochgeschätzten leidenschaftlichen Vortrag ist es dieses Mal nicht weit her, schade, man hätte einen Guten wie ihn gerne wieder und grundsätzlich immer mit dickem Lob überzuckert.
Das Plattencover hat der profilierte Kunstmaler Langford naheliegend selbst gestaltet, wenigstens dafür uneingeschränkt Daumen hoch.
(*** ½)

Reingehört (308): Thurston Moore, The Afghan Whigs

Thurston Moore – Rock N Roll Consciousness (2017, Ecstatic Peace / Caroline Records)

5 lange aus der altbewährten Sonic-Youth-Schule. Thurston Moore schrammelt sich zu Beginn des fast 12-minütigen Openers „Exalted“ für seine Verhältnisse gefällig in Früh-Feelies-Manier hinein in seine über Jahrzehnte bewährte Spielart des Indie-, Alternative- und Experimental-Rock, um für den Rest der gut 40 Minuten dann dort zu landen, wo ihn die altgediente Hörerschaft seit jeher am liebsten sieht/hört: wandernd im versierten, abgeklärten, psychedelisch funkelnden Gitarren-Noise und Postpunk-No-Wave, das charakteristische Musizieren geprägt in jungen Jahren vom Minimal-Gitarren-Avantgardisten Glenn Branca und gemeinsam weiterentwickelt mit ex-SY-Bandkollege Lee Ranaldo, die Moll-lastigen, elegant dahinfließenden Klangschichten und dezenten Feedback-Verzerrungen nur sporadisch durch diese für ihn typischen, cool-unemotionalen Gesangspassagen ergänzend.
Bedingt durch die langen Laufzeiten der einzelnen Stücke drängen sich Vergleiche zur nahezu spirituellen Eleganz von Werken wie „Teen Age Riot“ oder „Total Trash“ vom Sonic-Youth-Meilenstein „Daydream Nation“ auf, Thurston Moore tritt erneut den Beweis an, dass kontemplatives, meditatives Versenken mittels krachig gespielter Stromgitarre keine unmögliche Übung sein muss. James Sedwards als zweiter Gitarrist, My-Bloddy-Valentine-Bassistin Debbie Googe und ex-Sonic-Youth-Drummer Steve Shelley assistieren formvollendet wie beim letzten „The Best Day“-Album und der 2014er-Konzertreise, dahingehend darf man in der Besetzung auf ein weiteres intensives Gitarren-Hochamt am 30. Juni im Münchner Strom hoffen.
(**** ½ – *****)

The Afghan Whigs – In Spades (2017, Sub Pop)

Mit der unsäglichen Eröffnungsnummer „Birdland“ unternimmt Herr Dulli den verkrampft-linkischen Versuch, das Erbe des verstorbenen Prinzen Rogers Nelson mit brachialer Überdrehtheit anzutreten, der in die Schockstarre treibenden, artifiziell verzerrten, ungenießbaren Electro-Soul-Nummer folgt Gottlob im weiteren Verlauf Qualitäts-steigernd der von den Whigs erwartetete, bewährte, Beton-harte Alternative-Rock-Grunge, der sich gerne und wie bei der anderen Dulli-Combo The Twilight Singers wiederholt vernommen in der schweißtreibenden Schwere des R&B- und Sixties-Soul-Grooves sowie den Bläsersätzen einer gediegenen Horn-Sektion als belebenden Beigaben bedient, den eine Spur zu oft in Indie-Stereotypen und im allzu bekanntem Gitarren-Mainstream verweilenden Songs steht dies mehr als gut zu Gesicht. Greg Dulli setzt sich in beschwörendem Lamentieren und mit intensiver Eindringlichkeit mit der Sterblichkeit, gescheiterten Beziehungen und den Abgründen der Drogensucht auseinander, unterm Strich eine passable Arbeit, die hinsichtlich Songmaterial leider nur sporadisch an alte Perlen der Band heranreicht, im Verbund mit bewährten Hauern etwa von den „Gentlemen“-, „Black Love“– oder „1965“-Alben sollten die neuen Nummern am 8. August in der Münchner Backstage-Halle allemal für einen gepflegten Krach-Abend herhalten.
(****)