Raut-Oak Fest 2019 @ Riegsee, 2019-06-29

Der Samstag/Tag 2 des Raut Oak am Riegsee eröffnete mit einem heimischen Beitrag aus dem Münchner Hause Gutfeeling Records: Wo Kapellmeister Andreas Staebler aka G.Rag im vergangenen Jahr mit seinen Hermanos Patchekos das gute Gefühl beim sonntäglichen Faulenzen und den Genuss beim Blicke-Schweifen über das herrliche Bergpanorama im Grünen zusätzlich mit opulenten wie wunderbar schrägen Big-Band-Sounds beförderte, war heuer die schmale Trio-Besetzung der G.Rag/Zelig Implosion Deluxxe angezeigt. Zusammen mit Drummer Mikel „Mr. Zelig“ Jack und Electronica-Tüftler Fritz Fritzmann lieferte Gitarrist/Sänger Staebler den scheppernden Weckruf für die 2. Festival-Runde am frühen Nachmittag mit einem grundsoliden wie unkonventionellen Einstieg in das Konzert-Programm. Weit ab von rauem Blues und artverwandten Variationen bespielte die Band ihr hochgeschätztes Potpourri aus stoisch reduzierten No-Wave- und Postpunk-Perlen, elektronisch veredelten Cumbia-Rhythmen und experimentellen Ausflügen in die Drone- und Space-Welt des Geräte-schraubenden Synthie-Tüftelns, die Sänger G.Rag zuweilen mit verzerrter Singstimme und dadaistisch-minimalistischer Lyrik bedachte. Mindestens die vor der Bühne versammelten Lokalpatrioten wussten wie zu vielen anderen Gelegenheiten in der Vergangenheit den ewig jungen und frischen Punk/Wave-Swing der Münchner Indie-Institution schwerst zu goutieren und starteten den 2. ROF-Tag im Blauen Land mit einem – genau! – Gutfeeling.

Die nächste Runde gehörte den vier Ladies von The Darts aus Phoenix/Arizona, dort ist es nach Ansage von Sängerin Nicole Laurenne regelmäßig noch wesentlich heißer als am hochsommerlichen Riegsee, mehr als knappe Textilien im Bühnen-Outfit haben die Mädels trotzdem nicht aufgetragen für ihre Bad-Taste-Show im Geiste des Sixties-Trash und der Psychedelic-Garage. Krawalliges Uptempo-Gepolter mit Glam-Appeal, Punk-Drive, Horror-B-Movie-Potential und exzessivem Malträtieren der Weltraum-Orgel. Die Band ist beim Alternative-Tentacles-Label von Jello Biafra am Start und präsentierte am Samstag vorwiegend das Material des Ende Mai erschienenen aktuellen Longplayers „I Like You But Not Like That“. Wer’s braucht, war vorn am Bühnenrand, alle anderen im Schatten unter der Eiche oder am Bierstand. Lux Interior hätte sich bei der Wahl zwischen Weibsen oder Drinks wohl zerreißen müssen, aber dieses Dilemma ist ja eine altbekannte Geschichte…

Gritty Tails of the Essex Underworld: Feinsten britischen Pub-Rock zelebrierten Eight Rounds Rapid aus dem südenglischen Southend On Sea. Wer sich spontan an die schneidigen Gitarren-Riffs von Dr. Feelgood’s Wilko Johnson erinnert fühlte, lag goldrichtig und musste nicht lange nach den Wurzeln suchen: ERR-Gitarrist Simon Johnson ist als Sohn des einflussreichen Musikers familiär geprägt vom englischen Prä-Punk der Siebziger und hat sich dabei unverkennbar den ein oder anderen Griff vom Altvorderen abgeschaut. Die Band lieferte im feinen Zwirn bei brütender Hitze ein vollmundiges Gebräu aus der harten Rhythm’n’Blues-Mutation der englischen Kaschemmen und Reminiszenzen an die Aufbruch-Jahre des Punk-Rock auf der Insel vor gut vier Dekaden, mit Verweisen auf die Mod-Nummern des frühen Paul Weller mit The Jam, auf die ungestüme Energie der Pistols bis hin zum fortgeschriebenen PiL-Kapitel. Speziell die stilistische Nähe zu den Johnny-Rotten-Kapellen war durch den schneidenden, fordernden Vokal-Vortrag von Sänger David Alexander offenkundig. Exzellenter erster Eindruck einer bis dato in unseren Breitengraden weithin unbekannten Band, allein dafür ein großes Dankeschön an Organisator Christian Steidl für die Ausgrabung und Präsentation derartiger Perlen.

Großes Staunen und Kinnladen-Runterfallen beim Auftritt von Bones Shake aus Manchester. Sänger David Brennan hat bereits am Vortag mit seinem energischen Auftritt zusammen mit der Combo The Dee Vees mächtigen Eindruck hinterlassen, am Samstag legte er am Spätnachmittag noch eine ordentliche Portion an Bühnenpräsenz und beinhartem Rock’n’Roll-Entertainment drauf. Der rohe, harte und überdrehte Fuzz-Trash und Primitiv-Blues-Rock dröhnte rudimentär und reichlich dissonant mit Gitarre und Drums der Sheffield-Brüder Andy und David aus den Tiefen einer versifften Garage, aus der Brennan in seiner Rolle als sich völlig verausgabender Frontmann wie der sprichwörtliche Springteufel herauskrakeelte, schrie, jaulte und heulte, als seien die letzten Tage und das jüngste Gericht angebrochen. Ein Verrenken, Wälzen auf den Bühnenbrettern und manisches Predigen, das die ohnehin schon völlig kompromisslose Bühnenshow des australischen Bruders im Geiste und Beasts-Of-Bourbon-Vorturners Tex Perkins in seinen besten Zeiten um ein Vielfaches steigerte und auf die Spitze trieb. Mehr Intensität und frenetisches Fiebern beim Grenzen-niederreißenden Herauskehren der inneren Dämonen und wütenden Entladen der Energie ist kaum vorstellbar. Großes Underground-Blues-Kino und damit selbstredend einer der exzellentesten Momente der ROF-2019-Ausgabe. Das jüngst bei Abattoir Blues Record, dem Label von Bandleader David Brennan erschienene Vinyl „Sermons“ ist auch ein sehr feines Teil für alle Freunde der raueren Gangart des Blues.

Zum Auftritt von Repetitor darf das Kulturforum zur Abwechslung mal ganz unbescheiden aufs Blech hauen: Dezenten Hinweis auf das Glockenbachwerkstatt-Konzert der serbischen Postpunk-Granaten im vergangenen Herbst an ROF-Mastermind Christian Steidl gesteckt, der fand Gefallen und hat postwendend mit dem Vertrag gewedelt, das Publikum am Samstag war nicht minder angetan vom Auftritt des gemischten Trios aus Belgrad, alles paletti. Die furios aufspielenden Rhythmus-Musikerinnen Milena Milutinović und Ana-Marija Cupin und ihr in Sachen Intensität in nichts nachstehender Band-Kollege Boris Vlastelica an Gitarre und Gesang zündeten ein Feuerwerk an Postpunk-Vehemenz und progressiven Ideen im Uptempo-Drive ihrer ureigenen Interpretation des harten, lauten und schnellen Alternative-Rock. Virtuos treibende Bass-Linien, entfesseltes Getrommel, schwergewichtige Gitarren-Attacken und verzweifeltes Herausschreien in offensiver Bühnen-Präsentation versetzen große Teile des Publikums in euphorische Ekstase, für nicht wenige war der scharfe Balkan-Noise einer der herausragenden Sets des Festivals. Wer die Band bereits bei früheren Gigs erleben durfte, war nicht wirklich überrascht vom schwer für sich einnehmenden Auftreten der entfesselt aufspielenden Formation, die drei jungen Musiker_Innen haben im Postpunk und seinen zahlreichen Nebensträngen eine eigene Sprache gefunden, die frontal und mit überbordendem Spielwitz zum Vortrag kommt. Der exzellent abgemischte Sound tat das Seine zum herzerfrischenden, frenetisch beklatschten Repetitor-Orkan, zu dem selbst die gröbsten Feedback-Dissonanzen noch glasklar und differenziert vernehmbar waren. Mit derart beherztem Herangehen schreibt man wohl Raut-Oak-Geschichte. Nächstes Jahr gerne wieder.

Die Brüder Aled und Brenning Clifford aus Wales beeindruckten als klassisches Gitarren/Drums-Duo Henry’s Funeral Shoe durch erdigen Heavy-Blues, wuchtige Soul-Grooves und lärmenden Rock’n’Roll, die Mixtur zeigte in der Form auf dem Festival gewiss keine neuen Perspektiven des Genres im Raut-Oak-Standardformat auf, wurde aber energisch, im satten Anschlag und mit Herzblut durch das fein abgemischte Equipment gerockt und ist damit selbstredend eine lobende Erwähnung wert. Slide-Gitarrist Aled Clifford hat sein Handwerk vom langjährigen Van-Morrison-Musiker Ned Edwards erlernt, da ist unzweifelhaft so manche Unterrichtsstunde auf fruchtbaren Boden gefallen. Dieser Umstand und seine raue, voluminöse Bluesmänner-Stimme wie der druckvolle Trommelanschlag seines jüngeren Bruders Brenning sorgten allemal für ein breites Grinsen bei den Freunden ausladender E-Gitarren-Soli und grundsolider, harter Bluesrock-Kost.

In den Abendstunden des Samstags stand der bei weitem kontroverseste Auftritt beim diesjährigen Raut Oak an: Am durchgeknallten Gig des deutschen Duos Dÿse schieden sich die Geister, wo es zu vielen exzellenten Festival-Auftritten keine zweite Meinung gab, war zum Gewerk der Herren Dietrich und van Gohl dahingehend reichhaltige Diversität bei der Konsumenten-Schar geboten. Rammstein für Harzer? Helge Schneider goes Noise-Rock? Schwer erträgliches Blöd-Geblubber, wo man bekloppt von wird, einhergehend mit durchaus ansprechendem, lärmendem Rockmusik-Gewerk – oder tatsächlich genial-spontaner Dadaismus, mit schmissigem, schwerst gefälligem und brachial nach vorne abgehendem Trash-Metal orchestriert? Bis zur abschließenden Klärung dieser Fragen und dem Ausräumen aller etwaigen Unklarheiten: Sag einfach Hans zu mir… (Indifferent-Achselzuck und ab).

Mittlerweile Dauergäste beim Raut Oak sind Left Lane Cruiser aus Fort Wayne/Indiana, fortwährend gebucht und hochwillkommen wie der großartige Orgel-Wizard James Leg, der am kommenden Tag seinen großen Auftritt haben sollte, gehört das Trailerpark-Hardblues-Duo mittlerweile zum festen Inventar der Veranstaltung – und doch war nicht alles beim Alten zum 2019er-Gig: Fredrick „Joe“ Evans IV hat sich extra fein gemacht und war beim Bader („Barber Shop“ heißt der Friseur heutzutage bei den Rauschebart-Hipstern im Glockenbachviertel, in Williamsburg und allen anderen tot gentrifizierten Nachbarschaften), und eine Handvoll neue Songs wie einen neuen Trommler hatte er auch im Schlepptau. Pete Dio kümmert sich daheim in den Staaten um den Nachwuchs, dafür durfte Johnny Revers als Ersatz die Stöcke schwingen, weitaus defensiver und zurückgenommener als sein Vorgänger, was dem rauen und unverblümt aus der Hüfte geschossenen, hart und unverdaut vor die Front gerotzten Slide-Riffs und den Einsichten aus der prekären Welt der „Abgehängten“ im Mittleren Westen der US of A von Gitarrist/Sänger Evans etwas die schneidende Schärfe nahm. Als singender, Soul-infizierter Drummer im Geiste eines Levon Helm macht der Mann mit dem imposanten Bartwuchs in einer Handvoll an Nummern obendrein eine gute Figur. Evans der Vierte sorgte mit seinem permanenten „Fucking-dies-und-fucking-das“-Gefluche, polternden Knurren und Zuprosten zwischen den beinharten Trash- und Punk-Blues-Ausbrüchen dafür, dass es nicht allzu gemütlich wurde. Die hochgefahrene Lautstärke intensivierte den wie seit eh und je überwältigenden Auftritt der Blues-Berserker, eine schweißtreibende und herzerfrischende Angelegenheit, aber damit erzählt man der Raut-Oak-Gemeinde weiß Gott nichts grundlegend Neues, und das ist in dem Fall auch gut so.

Zu den Klängen von Radio Moscow ging es in Richtung heimatliche Gefilde, um Mitternacht war nach nahezu zehn Stunden konzertanter Beschallung, anregenden Gesprächen in den Umbaupausen und einem kurzen Abstecher an die Tiki-Bar der Almost Boheme die Aufnahmefähigkeit am Tiefpunkt, über die Psychedelic-Combo aus Iowa stand an dieser Stelle im Rahmen der Platten-Besprechung zum letzten Werk „New Beginnings“ folgendes zu lesen: „Bandgründer, Sänger und Multiinstumentalist Parker Griggs und die beiden anderen Langhaarigen hören sich auch auf dem fünften Radio-Moscow-Album so an, wie die Optik der Band mit dem ersten Gedanken spontan vermuten lässt: nach Heavy-Sound, Marshall-Boxen-Türmen, ausladenden Gitarren-Soli, rausgerotzten Rock’n’Roller-Weisheiten, säuerlichen Alkohol-Ausdünstungen am Tag danach, eingefangen in Biker-Garagen-Atmosphäre, die Luft geschwängert vom Motorenöl-Duft, Rauchwaren-Schwaden und dem Aroma von verschüttetem Bier“ – in der vernommenen ersten halben Stunde des ROF-Gigs des Power-Trios hat sich das nicht viel anders ausgenommen, die Band ist in den längst vergangenen Zeiten des Siebziger-Blues-Rock verhaftet, im ausgedehnten Ausleben der Gitarren-Exzesse zwischen Wah-Wah-Verzerrungen, psychedelischen Sound-Trips und endlosem Flow, getrieben vom wummernden Rickenbacker-Bass und einer latent zu schnellen, ausladenden Drum-Rhythmik, die das aus der Zeit gefallene Retro-Gebräu in Richtung Stoner-Härte drängt.
Zum Konzert des jungen spanischen Trash/Psychobilly-Duos Yo Diablo lassen sich mangels Anwesenheit nur die Zeugen vor Ort zitieren, es herrschte wohl einhellige Meinung, dass die Band mit ihrem zum orientalischen Swing neigenden Desert-Blues-Geschrammel völlig zu überzeugen wusste und damit jede/r das abrupte Ende des Auftritts um 3 Uhr morgens zwecks verordneter Nachtruhe schwerst bedauerte. Zweite Chance im nächsten Jahr, vielleicht?

ROF 2019 / Day 3 – coming soon…

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dunk!Festival 2019 @ Zottegem/Velzeke, Belgien, 2019-06-01

dunk!Festival 2019, the third and final report: Das Wetter präsentierte eitel Sonnenschein in Flanderns Auen und Fluren zum Start in den Juni und sorgte bereits vor den ersten Gigs für hochsommerliche Temperaturen, dafür war das gebotene Tagesprogramm beim Veranstaltungs-Finish umso durchwachsener. Den Weckruf zur letzten Runde bespielte das Trio Le Temps Du Loup aus Madrid mit ihrer Interpretation des melodischen Postmetal/Postrock-Crossover, mit ordentlichem Druck-Volumen und variantenreichen Tempi-Wechseln. Den instrumentalen Flow der Spanier hat man in der Form im großen Zelt sicher nicht zum ersten Mal gehört, zu überzeugen wusste die tonale Druckbetankung aufgrund grundsolide durchexerzierter Metal-Riffs, einem satten Klangbild und einhergehender, überwältigender Wucht nichtsdestotrotz.
Im Wald wartete als Opener für den finalen Reigen in der Natur mit Summit eine weitere spannende, noch weithin unbekannte belgische Instrumental-Band der jungen Generation, neben dunklen Postmetal-Riffs und energischen Gitarrenwänden glänzte das Quartett aus Gent in der Nummer „Icarus“ mit unerwartetem wie feinem Desert-Rock-Flow im Mittelteil des Stücks, das sich später zur euphorischen Postrock-Hymne aufschwingen sollte. Dem „Ethereal rock for body and soul“ der vier jungen Musiker bleibt für die Zukunft zu wünschen, dass er über die regionalen Grenzen Ostflanderns hinaus seine aufmerksame Hörerschaft findet.
In anderen Erdteilen, im asiatischen Raum bekannt sind bereits Paint The Sky Red, die Formation aus Singapur überzeugte im ersten Teil ihrer Aufführung mit angenehm gleitenden, tiefenentspanntem Gitarren-Flow, der zur repetitiven Ambient- und Trance-Hypnose neigte, mit Fortgang des Konzerts untermauerte die vierköpfige Combo eindrucksvoll, dass ihr die vehementere Gangart im Uptempo-Drive mindestens genauso leicht von der Hand geht. Sehr deutliche Ansage zum Thema Raubkopien im Übrigen auf der Bandcamp-Seite der Band, spread the word: „In a world of digital piracy which heavily affects independent bands like us, it speaks volumes if you choose to purchase our music in the best manner and to listen to it on vinyl which we guarantee will be the most immersive experience you can get from our music.“

Die belgische Avantgarde-Perkussionistin Karen Willems ist stets ein gern gesehener Gast auf der dunk!-Bühne, 2016 mit ihrem Projekt Inwolves, 2017 zusammen mit dem kanadischen Musiker Aidan Baker, und auch in diesem Jahr sollte mit ihrem Landsmann Jean D.L. ein unkonventioneller Gitarrist an ihrer Seite stehen. Kennern der belgischen Experimental-Szene war klar: Damit war freie Improvisation als Barriere-freies und Grenzen-sprengendes Motto des Auftritts angezeigt. Ulrich Stock zitierte in einem „Zeit“-Artikel über den legendären Gitarristen Fred Frith vor kurzem den amerikanischen Jazz-Saxophonisten Steve Lacy, der den Unterschied zwischen Komposition und Improvisation in 15 Sekunden erklären sollte und das Stakkato-schwadronierend auch schaffte: „Der-Unterschied-zwischen-Komposition-und-Improvisation-in-15-Sekunden-ist-wenn-man-eine-15-sekündige-Komposition-zu-schreiben-hat-kann-man-sich-dafür-so-viel-Zeit-nehmen-wie-man-möchte-und-wenn-man-eine-15-minütige-Improvisation-spielen-soll-hat-man-dafür-15-Sekunden“ – exakt derart spontan gestaltete sich auch das Zusammenspiel von E-Gitarren-Saiten und freiem Trommeln, Jean D.L. ließ seine abstrakten Gitarren-Drones völlig losgelöst von jeglicher gängigen Grifftechnik oder Noten-Lehre zum erratischen Takt von Karen Willems lichtern, die Perkussionistin wirbelte im freien Flow über Becken und Trommeln, schmetterte spontan tibetische Jodler in das Rund und untermalte mit Glocken, E-Bows und Klangschalen das freigeistige Musizieren. Der Vortrag des Duos forderte Aufmerksamkeit und belohnte reichlich mit neuen Hörerfahrungen und Horizonterweiterungen.

Der Auftritt des spanischen Prog/Post/Math-Rock-Quartetts Jardin De La Croix auf großer Bühne fiel notgedrungen dem Essenfassen zum Opfer, den folgenden Set im Wald bespielte die amerikanische Band Shy, Low aus Richmond/Virginia. Gitarrist Gregg Peterson war bereits im Jahr zuvor mit der US-Band Au Revoir beim Festival zugange, zusammen mit seiner Stammformation brachte er bei seiner Rückkehr frischen Wind in die Gitarren-dominierte Postrock-Landschaft. Im Bühnengebaren einer hart ackernden und extrovertiert agierenden Speed-Metal-Band drückten die Musiker schwer nach vorwärts gewandt ihre harten Riffs und brachialen Rhythmus-Anschläge durch die in der Lautstärke nach oben gefahrenen Boxen, die Postmetal-Wucht konterten sie selbst geschickt mit hymnischem, erhebendem Flow aus, heller Wohlklang und finsteres Dröhnen bedingten sich wie Licht und Schatten. Mit ihrem intensiven, emotional ausufernden Set und ihrem unverstellten, authentischen Auftreten bereicherte die Band die Riege der klassisch besetzten Postrock-Bands ungemein, es braucht nicht immer meterhoch aufgeschichtete Soundwände – Riff-dominiertes, straightes Abrocken kann so simpel, effektiv wie erfrischend sein im Postrock und weit aus der Masse herausragen lassen. Shy, Low lieferten mit dieser Rezeptur einen schwer begeisternden Auftritt und eines der unzweifelhaften Festival-Highlights.

Böse Zungen unkten im Vorfeld, dass zum Auftritt der französischen Band Silent Whale Becomes A Dream vermutlich große Teile des Publikums im Zelt einfach sanft entschlummern würden, ob das so stattfand, müssen die beurteilen, die dabei waren, von der Ferne vernommen war der entschleunigte Postrock-Sound mit sorgfältig getragener Langsamkeit und gedehnt anschwellender, entwickelter Intensität hin zum erlösenden Höhepunkt eine angenehme Nachmittags-Beschallung des Festival-Treibens und vor Ort erlebt vermutlich eine ergreifend emotionale Konzert-Erfahrung.
Das war ohne Zweifel auch der Auftritt der chinesischen Band Zhaoze 沼泽 auf der Waldbühne. Die Formation aus der südchinesischen Millionenstadt Guangzhou begeisterte bereits im Vorjahr im großen Zelt mit ihrer ureigenen Spielart des Postrock-Crossovers unter Verwendung traditioneller chinesischer Instrumente. Im Rahmen ihres Aufenthalts nahm das Quartett seinerzeit im Nachgang auf der Anlage der Waldbühne das aktuelle Album „Birds Contending 争鸣“ auf, ein 40-Minuten-Stück, das beim diesjährigen Gig in Gänze am Ort seiner Entstehung zum konzertanten Vortrag gebracht wurde. Die Band und allen voran Leader Hoyliang spielten sich in einen wahren Rausch, mit klassischer Postrock-Linie aus Bass/Gitarre/Drums und den einmal mehr faszinierenden Klängen der elektrisch verstärkten, traditionellen Griffbrett-Zither Guqin, die Meister Hoyliang neben konventionellem Spiel zuweilen mit dem Geigenbogen malträtierte. Daneben bezauberte er mit seinem Langflöten-Spiel in fernöstlichen Ambient-Folk-Variationen, einem wunderschönen, ergreifenden Soundflow, den er im Verbund mit der Band in die cineastische Breitband-Epik der instrumentalen, fernöstlich angehauchten Rockmusik ausufern ließ. Die Klangvielfalt der vier Chinesen kannte offensichtlich keine Grenzen, die Musiker scheuten sich nicht, selbst experimentelle Ausbrüche und Noise-Rock-artige Schlaglichter in den Wohlklang einzuflechten. Wo das Werk in der Studio-Aufnahme in getragener Euphorie zum Ende hin dem Licht in den Baumspitzen (und den dort nistenden Vögeln aus dem Album-Titel) entgegen strebt, trieben Zhaoze 沼泽 das Finale von „Birds Contending 争鸣“ live im minutenlangen Stakkato intensiv gesteigert der explodierenden Klimax entgegen. Mehr euphorisiertes Glücksgefühl ob des dargebotenen Auftritts war beim dunk! 2019 zu keiner Zeit, nirgends. Unzweifelhafte #dnk19-Kulturforums-#1 im diesjährigen Ranking. Hinsichtlich Intensität, Spielfreude, bunt lichternder, Ohren-schmeichelnder Klangvielfalt und experimenteller Wucht war der Auftritt allenfalls mit dem sensationellen Wald-Gig von Bart Desmet und seiner Postrock-Formation Barst beim dunk! 2017 vergleichbar, und so war es nur angezeigt, dass es für diesen herausragenden konzertanten Großwurf von Zhaoze 沼泽 minutenlange, hochverdiente Standing Ovations gab. Im Wald, da sind nicht nur die Räuber, da war beim #dnk19 auch die musikalische Exzellenz daheim…

Nach dem Auftritt von Zhaoze 沼泽 ging nicht mehr viel, da war die Luft hinsichtlich weiterem, aufmerksamem Konzert-Besuch einfach raus, die Nummer mit dem Aufhören, wenn’s am Schönsten ist, bewahrheitete sich einmal mehr. Was sollte nach einem derart überwältigenden Aufführung noch an Steigerung kommen?
Der Auftritt der wiedervereinigten US-Postrocker Gifts From Enola mit ihrer von scharfen Gitarrenriffs, in den Postmetal reichenden Spielart hätte unter anderen Umständen sicher mehr Aufmerksamkeit verdient, wie auch das bombastische, extrovertierte Experimentieren mit Progressive- und Noise-Sounds der australischen PR-Vertreter von Tangled Thoghts Of Leaving.
Freude kam noch einmal zum Auftritt der UK-Formation Bossk aus Kent auf, die Band präsentierte bei ihrem dunk!-Debüt eine facettenreiche Postrock-Mixtur aus nüchterner, wuchtiger Postmetal-Härte, herrlichen Trance-Elegien und psychedelischen Halluzinationen für die Freunde der Progressive- und Space-Trips. Damit entzog sich die Combo jeglicher Schubladen-Kategorisierung, wusste mit einem voluminösen, komplexen Klangbild völlig zu überzeugen und ließ damit die Bäume im Wald, das Publikum und die restliche Fauna ein letztes Mal erbeben.

Der Würdigung des allerletzten Konzerts vor Bandauflösung der britischen Formation Her Name Is Calla mögen sich andere in Ausführlichkeit hingeben, der saumselig-dick aufgetragene Weltschmerz-Postfolk beim finalen Gig im Wald mochte so wenig konvenieren wie der Shoegazer-Kitsch der Festival-beschließenden Headliner von Alcest, die Franzosen waren in der Funktion mindestens so diskussionswürdig wie die Hauptacts der Tage zuvor. Anyway, die Geschmäcker und Vorlieben sind bekanntlich verschieden, und selbst bei einigen Streich-Ergebnissen im Line-Up konnte sich in den drei Festival-Tagen niemand über mangelnde Vielfalt, exzellente Konzert-Beschallung, viele spannende Neuentdeckungen, die erwartet guten Auftritte alter Helden und die ein oder andere freudige Überraschung beschweren.
Sowenig, wie über die einmal mehr hervorragende Organisation, ein friedliches, angenehmes, fachkundiges und zumeist hochkonzentriertes Publikum, eine freundliche und zugewandte Festival-Crew, bestes Catering, einen grandiosen Job der Leute hinter den Soundboards und Lichtreglern – und selbst der Verantwortliche hinter den Wolken hat wieder mitgespielt, irgendeiner da oben muss ein Faible für dieses Festival haben, so soll es sein: Null Niederschlag, ein Traum.

Very special thanks an Joni Sadler von Constellation Records und Wout Lievens von der Festival-Organisation.

Eine Frage bleibt bis auf weiteres jedoch ungeklärt: Wo war Festival-Man? Sein Luftgitarren-Spiel wurde schmerzlich vermisst. War er auf einer anderen Veranstaltung zugange? Ist er hoffentlich wohlauf? Sachdienliche Hinweise nimmt jede Kulturforums-Diensstelle entgegen. Vielleicht ist er beim nächsten Mal wieder dabei, denn: Nach dem Festival ist vor dem Festival – das dunk! findet im kommenden Jahr von 21. bis 23. Mai 2020 an gewohnter Stelle statt, hinterm Vereinsgelände, in Ostflanderns grünen Auen und Fluren. Man darf schon gespannt sein. Wie die Luftgitarren-Saiten vom Festival-Man…

dunk!Festival 2019 @ Zottegem/Velzeke, Belgien, 2019-05-31

#dnk19, Tag 2: Kick-Off auf großer Bühne mit der belgischen Formation Mantis, die gefälligen Postrock mit viel Druck, Postpunk-Drive und einem ausgeprägten Gespür für das dramatische Momentum präsentierte, unterlegt mit synthetischen Keyboard-Wallungen, irgendwo eingependelt zwischen einschmeichelnder Melodie und geschliffener Härte, und damit sicher nicht die schlechteste Wahl für eine schwungvolle Auftakt-Veranstaltung. Hätten sie mit dem von ihnen selbst postulierten „PogoJazz“ ernst gemacht, wären sie aus der Masse der aufwartenden, klassischen PR-Bands weit heraus gestochen. Auf der Main Stage folgten später Baulta aus Finnland, die solide Postrock-Kost nach allen Regeln der Kunst lieferten, Laut-Leise-Emotionen, melodische Dramen, wummernde Bässe und sphärischen Flow, was eben so die gängigen Muster dieses Genres vorgeben. Für sich betrachtet völlig respektabel, aber eben auch hier das Problem der latenten Beliebigkeit, wie tags zuvor beim Auftritt der US-Band Coastlands. Und das sollte sich an diesem Nachmittag beim Gig der amerikanischen Landsmänner von Pillars aus Indianapolis nicht viel anders verhalten: dichte Soundwände, sphärische Klanglandschaften und heftige Wallungen, oft in der oder ähnlicher Form gehört und damit in der Falle der Austauschbarkeit gelandet.

Den Reigen im Wald eröffnete zwischenzeitlich die Formation Wanheda aus Leuven, die ihrer Spielart des Postrock neben unvermittelten Tempi-Wechseln, geschliffener Postmetal-Härte und einem Reichtum an Melodien vor allem durch unkonventionelle Elemente wie sporadische Indie-/Prog-Rock- und moderne Blues-Phrasierungen eine individuelle Note angedeihen ließen, da waren speziell mit den Gitarristen geübte Könner am Werk, die getragen von einer soliden Rhythmus-Abteilung und eingewebten Keyboard-Klängen die Varianz aller möglichen Soli und Riffs aus dem Effeff beherrschten. Wanheda nutzen die Gelegenheit zur Vorstellung ihrer tonalen Kunst vor großem Publikum optimal und präsentierten sich als junge, aufstrebende Band mit viel Spielfreude und Engagement für das eigene Gewerk, so, wie die bis dato weithin unbekannten, exzellenten Bands wie Black Narcissus und Am Fost La Munte și Mi-a Plăcut tags zuvor, die später folgende Formationen Statue oder Summit in der finalen Festival-Runde. Das dunk! wird mit diesen Acts nach wie vor dem Ruf gerecht, neben prominenten Musikern den lokalen belgischen und internationalen Newcomern der Szene reichlich Raum und Zeit zur Vorstellung ihrer Werke zu geben, weit davon entfernt, die Bands der neuen Generation als füllendes Vorprogramm zu verheizen, und damit wiederholt für angenehmste Überraschungen zu sorgen.

Mit entspanntem Rumlümmeln vor der Waldbühne und Berieseln-lassen vom entrückten Postrock-Wall-Of-Sound war es vorbei mit dem Auftritt des deutsch-belgischen Trios Go March aus Antwerpen. Die Band veröffentlichte 2018 ihr aktuelles Album „II“ und tourte bereits mit Postrock-Größen wie Maserati oder Trans Am, ihre instrumentale Vollbedienung wird andernorts als „Mogwai meets Kraftwerk“ beschrieben, und damit lässt sich ungefähr auf den Punkt bringen, was den Sound der drei Klangtüftler ausmacht: Erbauliche Krautrock-Melodien treffen auf exzellent fließende Space-Electronica, Uptempo-Trance und Ambient, selbst die Welt der Siebziger-Disco ist Go March nicht gänzlich fremd, wie ein Giorgio-Moroder-Tribute in den Streaming-Diensten zeigt. Massiv getrieben und befeuert wird dieser instrumentale, experimentelle Progressive-Crossover vom analog erzeugten 120bpm-Techno-Beat von Drummer Antoni Foscez, der mit seinem stoischen wie intensiven Anschlag jede maschinelle Beatbox in ihre Einzelteile zerlegt und somit obsolet macht. Damit war der Aufforderung zum Tanz unmissverständlich Ausdruck gegeben, der die jungen Hüpfer in vorderster Bühnenfront postwendend gerne abzappelnd nachkamen und damit die alten Säcke zum gefälligen Mitnicken in die hinteren Hügelregionen der Forest Stage verwiesen. Großer Trance- und Tanz-Sport und damit ein absolutes Festival-Highlight.

Repetitiven Trance-Flow ließen auch die sechs belgischen Musiker von Statue durch das Harz-verklebte Geäst des Open-Air-Areals vor der Waldbühne schallen, mit vier Gitarren, Bass und Schlagzeug erging sich die Band in ausladenden, ineinander greifenden Soli, rhythmisch angeschlagenen Riffs und stoischem Beat, im selbstredend schwer Gitarren-dominierten Sound fanden sich psychedelische Krautrock-Elemente, lärmende, abstrakte Post- und Noise-Rock-Drones wie der für die Siebziger urtypisch krachende, latent dissonant knarzende, scharfe Anschlag des Glamrock und Protopunk, die Combo verstand es meisterhaft, das Publikum mit diesem schier endlos vor sich hin mäandernden Konglomerat hypnotisch in ihren Bann zu ziehen. No-Wave-Altmeister wie Glenn Branca oder Rhys Chatham wären wohl vor Freude durch den Baumbestand getanzt, und ausgewiesene Gitarristen-Granaten dieser Preisklasse wie Lee Ranaldo, Thurston Moore oder Tom Verlaine in Polonaise wahrscheinlich gleich hinterher…

Mit Wang Wen 惘闻 aus der chinesischen Hafenstadt Dalian präsentierte das Festival am späten Freitag-Nachmittag alte Bekannte der asiatischen Postrock-Szene. Die Stars aus dem Reich der Mitte brachten frischen Schwung in das Zelt und untermauerten einmal mehr die These, dass in China in größeren Dimensionen gedacht wird, sei es geopolitisch, historisch oder eben in der reichhaltigen Komposition der instrumentalen Postrock-Epen. Die Band verwebte melancholische Gitarren- und Keyboard-Schichten zu einem voluminösen Klangteppich, der durch Bläsersätze und Glockenspiel bereichert wurde, sich zuweilen zu einer wuchtigen Tsunami-Front auswuchs und in den entschleunigten Momenten nicht selten von einer entspannten Jazz-Lounge-Eleganz dominiert wurde. Die Musiker waren bei ihrem Vortrag völlig bei sich, die sprichwörtliche Ruhe im Auge des Hurrikans. Eine ähnlich facettenreiche, weit über die Grenzen des Genres hinaus denkende Spielart des Postrock sollten nur noch die chinesischen Landsmänner von Zhaoze 沼泽 am folgenden Tag zuwege bringen. Wang Wen 惘闻 veredelten das dunk!-Festival mit einem herausragenden, individuellen und unkonventionellen Ansatz, wie sie das vergangene Konzertjahr mit ihrer München-Premiere in weitaus kleinerem Rahmen bereicherten.

Die Spanier von Malämmar bezeichnen ihr lärmendes Gewerk selbst als „instrumental doom/metal by 3 assholes“ – sympathisches Understatement, dabei gehört kaum eine andere Band so zwingend zu diesem Festival wie die drei Rabauken aus Barcelona, Gitarrist Xavi Forne ist neben seinem Engagement in der Band der kreative Kopf hinter dem Studio Error! Design, das für die Entwürfe der Festival-Poster und LP-Cover des dunk!-Unternehmens wie für viele andere kunstvolle, surrealistische Konzert-Plakate und T-Shirt-Logos von renommierten Postrock- und Indie-Bands verantwortlich zeichnet.
Beim diesjährigen Auftritt gaben Malämmar wie bereits in der 2017er-Auflage von der ersten Sekunde an mächtig Druck auf den Kessel, mit energetischem Punk-Rock-Gebaren und einer überbordenden Leidenschaft für das vorgetragene Gelärme preschten die Katalanen kompromisslos durch ihre Doom-Sludge-Instrumentals, die Grundfeste und das Wurzelwerk im Wald erschütternd, bebend und mit radikaler Wucht, wie die experimentellen Kuttenbrunzer von Sunn O))) in ihren dröhnendsten Momenten, dabei mit weit mehr kompositorischer Struktur und Uptempo-Drive unterwegs. Nach derartig dissonanter und platt wälzender Schwarzmetall-Breitseite konnten die Auftritte von A Swarm Of the Sun und Jozef Van Wissem beim besten Willen nicht funktionieren…

Beim sich schier endlos hinziehenden Zeitlupen-Postrock der schwedischen Formation A Swarm Of The Sun war Essenfassen und Biertrinken als genehmere Alternative angezeigt, man kann nur hoffen, dass bei diesem nahezu ereignislosen, in Selbstmitleid und abgrundtiefer Melancholie ertrinkenden Depressiv-Schub im großen Zelt niemand Hand an sich legte und zur finalen Selbstvernichtung schritt. Ein bunter Strauß an musikalischer Vielfalt wurde auch beim Auftritt von Jozef Van Wissem auf der Waldbühne nicht präsentiert, der niederländische Komponist brachte sein barockes Lautenspiel solistisch in meditativem Gleichklang ruhig dahinfließend zu Gehör, nachdem in den ersten zehn Minuten der Funken auf dem trockenen Tannennadel-Teppich partout nicht zünden wollte, war die Messe zu der Nummer schnell gelesen.

Für die Duisburger Zebras hätte es in der vergangenen Saison nicht schlimmer kommen können, Platz 18 in der Schlusstabelle im Unterhaus der Fußball-Bundesliga und damit ab in die Niederungen der 3. Liga mit dem Meidericher Spielverein, bei den Nachbarn von Kokomo muss man sich dagegen kaum mit Abstiegs-Ängsten plagen, die Auftritte der einzigen deutschen dunk!-Delegation zählen nach wie vor zum Top-Format der internationalen Speerspitze. Nach einigen Jahren der Abstinenz kehrte die Postrock-Institution aus dem Ruhrpott auf das Festival zurück, zu dem das Quintett zuletzt 2016 gleich zwei Gigs beisteuerte, neben dem regulären Zelt-Auftritt eine weitere spontan anberaumte, sensationell durch die Baumkronen gehende Show im Grünen, die vermutlich nicht unwesentlich zum Konzept und zur Etablierung der Waldbühne in den kommenden Jahren beigetragen hat. Der aktuelle Gig zu bester Sendezeit im Abendprogramm lässt sich mit den Worten „satte Wucht, schwere Geschütze, eine Handvoll neue Nummern“ auf den Punkt bringen, Kokomo verstehen es nach wie vor blendend, die oft ausgetretenen Pfade des Gitarren-dominierten Postrock weiträumig und breitflächig zu umgehen, mit drei Gitarren haben die Soundwände neben brachialen Erschütterungen auch immer die ein oder andere filigrane Nuance oder den sonst woanders nicht gehörten Riff im dunkel schimmernden Klangbild parat. Neben der charakteristischen, hymnischen Dramatik ihrer Nummern überzeugte die Band mit einem Indierock-artigen Song inklusive Gast-Gesangspart, ein löblicher, Genre-Grenzen-sprengender Ansatz, der spätestens mit dem finalen Abfeiern des grandiosen Live-Klassikers „Kaputt Finker“ zur reinen Lehre des instrumentalen Emotionsausbruchs zurückkehrte.

Mit dem letzten Wald-Auftritt des Freitags ging ein lange gehegter Wunsch in Erfüllung: Nachdem JR Robinson und Esther Shaw die Münchner Gestade auf Konzertreisen mit ihrem US-Experimental-Projekt Wrekmeister Harmonies konsequent weiträumig umschiffen, musste der Berg wohl zum Propheten nach Flandern reisen, um endlich dieser pastoralen Postmetal-Pracht im Live-Vortrag beizuwohnen. Der dunkle und fortgeschrittener Nachtzeit kühle und klamme dunk!-Wald bot die perfekte Atmosphäre für die tonale Reise ins Herz der Finsternis, zu der das Duo vor allem das grandiose Material des aktuellen 2018er-Albums „The Alone Rush“ präsentierte – schwermütige, erhabene Songs über persönliche Verluste, Einsamkeit und die Konfrontation mit dem unausweichlichen eigenen Verschwinden, in der Hoffnung auf das erlösende Licht, von Gitarrist Robinson abgeklärt als düsterer Desert-Blues-Prediger in tiefer, klagender Tonlage vorgetragen, begleitet vom ureigenen Postrock-Drone-Crossover, von geheimnisvollen Melodien und atonaler Doom-Dringlichkeit bipolar durchwirkt, mit tief ins Bewusstsein schneidenden, nachhallenden, schwarzen Metal-Gitarrenriffs, in Trance-artiger Versenkung und einer nahezu sakralen, ernsthaften Größe, zu der Esther Shaw mit ihrem musizierenden Gewerk maßgeblich beitrug – die zierliche Frau erdet mit melancholischen Keyboard-Klängen und einem exzellenten, getragenen Violinen-Spiel die resignierte Entrücktheit der Wrekmeister-Harmonies-Kompositionen, reduziert die Schärfe und lindert den Schmerz. Dabei ließ JR Robinson selbst in einer kurzen Ansage sowas wie Humor aufblitzen, mit der Anmerkung, dass die meisten Leute meinten, es tummelten sich nur reiche weiße Menschen im New Yorker Central Park, ihm wären die dort lebenden Kojoten jedoch bei weitem näher – eine nachvollziehbare Einschätzung. Die Waschbären im nächtlichen Stadtpark des Big Apple sind auch nicht zu verachten, by the way. Selten ist bei einem dunk!-Auftritt die Zeit schneller wie im Flug vergangen als beim ergreifenden Gig des kongenial agierenden, gemischten Doppels aus Chicago, ein untrügliches Zeichen für die exzellente Güte dieses tonalen Wandelns durch die dunklen Abgründe der inneren Befindlichkeiten. Zur Nachbearbeitung sei das herausragende Gesamtwerk von Wrekmeister Harmonies dringlich ans Herz gelegt, wie ergänzend auch die Roman-Lektüre der lesenswerten Inspirationsquellen zu „The Alone Rush“, „Lincoln im Bardo“ von George Saunders und „Eine kurze Geschichte von sieben Morden“ von Marlon James – schwere Kost zuweilen, gewiss, aber die exzeptionelle Klangwelt von Robinson und Shaw ist ja auch nicht zur Beschallung für den nächsten Kindergeburtstag gedacht…

Wie die Headliner-Ankündigung von Ufomammut führte auch die Bekanntgabe des Auftritts von Efrim Manuel Menuck als Main-Act bei Teilen der dunk!-Fans im Vorfeld zu kontroversen Diskussionen, das äußerte sich letztlich leider auch im spärlichen Besuch vor großer Bühne zur finalen Veranstaltung der zweiten Festival-Runde. Wie in vergangenen Jahren bei den Tages-beschließenden Sets der großartigen Noise-Götter Swans um Zeremonienmeister Michael Gira und Dylan Carsons zäh dröhnendem Drone-Doom-Trio Earth zeigte sich der Großteil des Publikums obstinat und blieb der Aufführung fern, nach dem Motto „Wenn’s keine Gitarrenwände zu bestaunen gibt, dann kann es nix taugen“, dabei hätte der Auftritt des kanadischen GY!BE/Silver-Mt.-Zion-Masterminds Efrim Menuck und seines US-amerikanischen Kollaborateurs Kevin Doria mit dem gemeinsamen „are SING SINCK, SING“-Duo-Projekt soviel mehr an Aufmerksamkeit und Zuwendung verdient, mit dem Material des jüngst bei Constellation Records veröffentlichten, gleichnamigen Tonträgers wussten die Musiker von Beginn an für ihre experimentellen Klangforschungen zu begeistern, Doria hochkonzentriert an den elektronischen Gerätschaften schraubend, Menuck lässig mit der Selbstgedrehten im Mundwinkel sporadisch die Regler am eigenen Synthie-Apparat justierend. Abstrakte, in warmen Klangfarben mäandernde Electronica-Drones, synthetischer Trance und Ambient-Loops, maschinelle Samples und Outer-Space-Soundlayer steckten den tonalen Rahmen ab für die imaginäre, irgendwo in der jüdischen Mystik verhafteten Klagemauer, die Efrim Menuck mit seinen Sangeseinlagen errichtete. Mit dem ihm eigenen, unverwechselbaren Lamentieren, in Endlos-Schleifen den Statements zum Leiden an den Machtverhältnissen, an den Verwerfungen der westlichen Zivilisation freien Lauf lassend, wie vorwärts gewandt in der Hoffnung auf Veränderung und die Wendung zum Besseren dem Aufruf zum Widerstand Ausdruck gebend. Speziell die Nummer „Fight The Good Fight“ ragt bereits auf der Tonkonserve in kaum fassbarer Schönheit aus dem Electronica-Drone-Geflecht heraus, konzertant gerät das Stück zur schwerst anrührenden Ballade, umlichtert von diffuser Elektronik, irgendwo zwischen herzergreifender Wehmut und entrückter Hymne, Efrim Menuck zog hier alle Register seines Sermon-artigen Vortrags. Wer mit dem Werk seiner beiden Post/Experimental-Rock-Institutionen aus Montreal vertraut ist, wird im Electronica-Flow der kanadisch-amerikanischen Kooperation nur unschwer erkennen, dass Menuck zusammen mit Kevin Doria das Konzept seiner Stammformationen bereichert und vor allem weiterentwickelt, auf eine andere Ebene hebt und damit dem eigenen kreativen wie dem Stillstand des Postrock-Genres an sich Gewichtiges entgegensetzt. „What We Loved Was Not Enough“ oder „Slow Riot for New Zero Kanada“ mit anderen, neuen Mitteln, wenn man so will. Ein mehr als würdiges Finale für einen exzellenten Festival-Tag. Diejenigen, die das ewig gleiche Gitarren-Laut-Leise vorziehen, waren in dem Fall dann tatsächlich woanders besser aufgehoben…

Toundra @ Orangehouse, München, 2019-02-27

Im letzten Jahr umschifften sie im Rahmen ihrer Promo-Tour zum 2018er-Album „Vortex“ Münchens Gestade in einem großen Bogen, am vergangenen Mittwochabend war es dann knapp drei Jahre nach ihrem letzten Gig vor Ort in den Feierwerk-Gemäuern endlich wieder soweit: Die Compañeros der spanischen Postrock-Band Toundra machten dem Isardorf ihre Aufwartung zur nachträglichen Live-Präsentation des aktuellen Materials nebst einer Auswahl an älteren Instrumental-Perlen aus ihrem reichhaltigen Fundus.

Über den Kampf zum Spiel, ein passender Aufhänger für jeden dieser extrem engagierten Toundra-Auftritte, und damit wären die Madrilenen dann wohl eher Atlético als Real, um thematisch beim Fußball zu bleiben, wenn auch ihre Darbietung am Mittwoch gleichwohl königlich war und das Herz von Gitarrero Esteban Girón unübersehbar weit mehr für den FC St. Pauli schlägt, aber auch am Hamburger Millerntor ist die Tugend für beherzten Spiel-Einsatz ausgeprägt und geschätzt wie selten sonst wo im kickenden Liga-Betrieb. Die Leidenschaft und das Brennen für den eigenen Sound sind bei den Vieren von Toundra Qualitäten, die weder zu übersehen noch zu überhören sind, damit gestalten sich die Auftritte der Band in der Form bereits annähernd zu einzigartigen Ereignissen im weiten Feld des Postrock und seiner Metal-Abwandlungen.
Das Quartett war als Einheit wie stets von der ersten Sekunde an auf den Punkt präsent: wo andere Postrock-Bands introvertiert am Sound feilen, sich in endlosen Elegien verlieren und im langen Fluss mit der Intensität spielen, um irgendwann den „Wall Of Sound“ in den Raum zu stellen, lassen Toundra von den ersten Tönen an die massiv donnernden Springfluten über das Auditorium hinweg brechen und halten in ihrem gut achtzig-minütigen Set im weiteren Fortgang das Energie-Level auf beispiellos hohem Niveau, selbst in den spärlich vorgetragenen, Tempo-reduzierteren, kontemplativeren Momenten entfaltet die Formation aus der spanischen Hauptstadt weit mehr Druck als so manch artverwandte Combo in ihren vehementesten Ausbrüchen. Das unter Hochdruck arbeitende, Takt-gebende Duo mit Alberto Tocados am Bass und Álex Pérez an den Trommeln, Lead-Gitarrist David López, der mit filigranen wie gleichsam überwältigend dichten Soli den Toundra-Sound in erster Linie charakterisiert, und sein Pedant Esteban mit treibenden Rhythmus- und flirrenden Gitarren-Crescendi-Riffs kennen im Wesentlichen nur eine Richtung – die nach vorne drängende, weit raumgreifende, alles mitreißende. Bei Toundra geht es nie um das Postrock-typische, Ambient-affine meditative Versenken im Klangbild, die Band lebt den ungebändigten Geist des Rock’n’Roll und ist dementsprechend physisch aktiv im ruhelosen, von ungebremster Spielfreude getriebenen Ausleben der Emotionen, im Hineinschmeißen in die großen Rockstar-Posen und Punkrock-Gesten des Bühnen-Entertainments, im Anfixen des Publikums, das an dem Abend zu dieser extrovertierten Gangart Schritt hielt und für München-Verhältnisse geradezu enthusiastische Reaktionen auf das Anheizen der entfesselt aufspielenden Musikanten folgen ließ.
Hart zupackend im Anschlag, in hoher Schlagzahl die Tempi variierend, offenbaren die Vier aus Madrid daneben stets ein untrügliches Gespür für erbauende Melodien und auf die Spitze getriebene, ergreifende Hymnik, damit bleiben sie trotz nahezu völlig fehlender Melancholie- und Düster-Elemente doch weit mehr im klassischen Postrock-Lager verhaftet als in der Metal- und Hardcore-Variante des instrumentalen Genres, und damit werden sie im kommenden Sommer die zahlreichen Hard- und Heavy-Festivals nicht unwesentlich bereichern, zu denen die Band aufspielen wird.
Frenetischer Applaus war den Spaniern nach dieser tonalen Tour de Force gewiss, die gegenseitige Zuneigung zwischen Musikern und Publikum war förmlich greifbar, und einer stand da ganz besonders im Fokus: Nachdem er jetzt mit der Combo ganz dicke ist, findet das nächste München-Konzert bei Freund Anton im Wohnzimmer statt, Termin wird dann rechtzeitig für eine handverlesene Schar bekanntgegeben. In der Zwischenzeit wappnen wir uns schon mal vor dem Wehklagen der Nachbarschaft über das laute Sound-Gewitter und die bröckelnde Zimmerdecke in der Wohnung darunter, wenn Derwisch Estaban einmal mehr den doppelt eingesprungenen Townshend hinlegt… It’s only Postrock’n’Roll but we like it!

Raut-Oak Fest 2018 @ Riegsee, 2018-06-08

This is how we do things in the country: Drei Tage Muddy Roots, Raw Underground & Deep Blues in the Spirit of Chris Johnson nebst einer Handvoll artverwandter stilistischer Vertreter links und rechts von der einzig wahren Ur-Suppe: Das lang herbeigesehnte Raut-Oak-Wochenende im schönen Murnauer Voralpen-Land, endlich war es da: 3 Tage Open-Air-Rundum-Glücklich-Vollbedienung vor herrlichstem Bergpanorama im Grünen der sanften Hügellandschaft hinter der 1200-Seelen-Gemeinde Riegsee und dem gleichnamigen Gewässer aus der Würmeiszeit, mit einer handverlesenen und kaum mehr zu toppenden Musikanten-Schar aufwartend, organisiert und präsentiert from the one and only Christian Steidl, Son of Riegsee, Father of AWay Concerts, Holy Ghost of So-stellt-man-das-rundum-grandioseste-Open-Air-Festival-zwischen-Auer-Mühlbach-und-Mississippi-auf-die-Füsse.

Der Start konnte nicht besser gelingen, bei herrlichem Sonnenschein und sommerlichen Temperaturen unterstrichen Christian Berghoff und Sebastian Haas einmal mehr mit ihrem Duo Pretty Lightning, dass der psychedelische Desert Blues auch im Saarland seine Kakteen-Blüten treibt und sich zu einem berauschenden Mescal-Gebräu destilieren lässt. Verzerrte Gitarren und ein harter Rhythmus-Anschlag verdichten sich bei Pretty Lightning zu diffus lichternder, gespenstischer Drone-Blues-Mystik und einem ureigenen, Spannungs-geladenenen Delta-Flow, der neben den experimentellen Halluzinationen die uralte Blues-Tradition nicht zu kurz kommen lässt. Der Soundtrack für die Schamanen-Beschwörung zu mitternächtlicher Stunde am Lagerfeuer am Rande der Wüste, am helllichten Tag im üppigen oberbayerischen Grün, und damit ungewollt irgendwelche Wettergötter oder andere bösen Geister wachgerufen und/oder geschmäht, denn dann kamen sie, die Unwetterwolken, so offensichtlich unausweichlich zu der Gelegenheit wie der noch anstehende jährliche Raut-Oak-Auftritt vom großartigen James Leg. Nimmt man den furiosen Sound-Orkan des ehemaligen Black-Diamond-Heavies-Musikers immer wieder gerne mit Kusshand, hätte man auf das aufziehende Gewitter am Freitagnachmittag wie auf alle anderen Sintfluten bei den vorangegangenen Riegsee-Festivals getrost verzichten können. Der Anglizismus vom „Showstopper“ dürfte selten treffender gewesen sein, heftigste Hagelschauer, Windböen, Dauerregen, Sturzbäche und überflutetes Geläuf brachten den Festival-Betrieb für die nächsten vier Stunden völlig zum Erliegen, Bühne und Beschallungs-Anlage wurden schwer in Mitleidenschaft gezogen, zwischenzeitlich musste mit komplettem Abbruch der Konzerte des verbleibenden Freitags-Programms gerechnet werden.

Viele helfende Hände brachten die Nummer nach etlichen Reparatur- und Entwässerungs-Aktionen dann doch wieder in trockene Tücher, das US-Trio Shotgun Sawyer aus Auburn/California konnte mit Verspätung den abrupt abgebrochenen Soundcheck fortsetzen, sodann das durchweichte Publikum mit ihrem lärmenden Uptempo-Blues beglücken und Howlin‘ Wolf mit dem Led Zeppelin fliegen lassen – roher und intensiver Krach-Blues, der ab und an etwas verschämt in Richtung Hippie-Psychedelic spechtete wie im Großen und Ganzen mit einer soliden Hart-und-Heftig-Show nichts anbrennen ließ, wenn auch der ein oder andere kritische Zeitgenosse mit wenig schmeichelhaften Vergleichen wie „Lynyrd Skynyrd auf Metal“ ums Eck kam, die jungen Westcoast-Burschen konnten es nicht jedem recht machen, auch unsereins sollte noch ein paar Gelegenheiten zum Naserümpfen finden, wie sich sogleich zeigen wird.

„This is Avalanche Party and nobody comes from where we come from“ – nach dem Raut-Oak-Auftritt der Engländer drängt sich die Vermutung auf, dass der Menschheit nicht allzu viel verlustig geht, wenn von der Sorte nicht mehr unterwegs sind. Ruppig-melodischer Brachial-Garagen-Rock’n’Roll/Blues im 70er-UK-Punk-Modus kredenzt, inklusive einem zur Dekade passenden, gehörig überdehnt-extrovertiertem Gepose, das die musikalische Substanz – sofern vorhanden – in die zweite Reihe drängte. Leidlich gefälliges Offensiv-Geschepper, das in der Form wenig bis nichts Neues zu bieten hatte und den Funken nicht zum Überspringen brachte, vielleicht wär’s mit ein paar Bieren mehr im Gesicht zur besten Showtime geschmeidiger reingelaufen. Zu der Gelegenheit schmerzte es wenig, dass der vorangegangene heftige Regenguss den Zeitplan straffte und für die ursprünglich nachmittags angesetzten Gigs die Konzertdauer auf eine halbe Stunde eindampfte, das abtanzende und abfeiernde Publikum vor der Bühne hat’s gleichwohl zweifellos anders empfunden, und so soll es auch sein – Hauptsache, Ihr habt Spaß! ;-))

Nach den jungen Briten wären die Landsmänner vom Garagen-Blues/Psychedlic/Punk-Duo Green Fuzz geplant gewesen, Gitarrist/Sänger Timothy Oxnard (ex-High Plane Drifters/Magick Godmothers/The Approved) hat alternativ vor ein paar Wochen das Trio The Oilbirds formiert und ist ersatzweise mit dieser Combo zum Raut Oak angetanzt, den Platz in der Garage füllte die jüngst aus der Taufe gehobene Band nicht minder einnehmend, der stoisch monoton treibende Trommelanschlag von Sophie Gatehouse, der Bass vom mindestens optisch aus der Zeit gefallenen Glam-Rocker Michael Cooper-Gers und Oxnards rauer Gesang wie trashiger Saitenanschlag formten sich zu zupackendem Blues-Psych-Punk, der zu gefallen wusste, seine ganze Pracht aber vermutlich noch weit mehr mit einem frischen Pint in der Hand zu vorgerückter Stunde im verrauchten Pub (verrauchte Pubs gibt’s nicht mehr, I know) entfaltet hätte.

Die drei Ladies von L.A. Witch aus – genau – Los Angeles hatten zu Beginn ihres Gigs mit der Technik zu kämpfen, der Gesang von Sade Sanchez wurde von ihrer eigenen, wunderschön verhallten Gitarre verdeckt, nach etlichen Nummern waren die Regler dann für ein rundum zufriedenstellendes Klangbild justiert und das Trio konnte ihren Versuch, mit dem Sex-Appeal von Susanna Hoffs und der unterschwelligen Erotik von Hope Sandoval den guten alten Gun Club in einer Kaschemme irgendwo in Downtown L.A. nach ein paar harten Drinks zu umgarnen, endlich vollumfänglich ausleben. Psychedelischer, atmosphärisch-dunkler Prärie-Blues-Punk auf Valium mit femininer Note, nachdem es hintenraus endlich funkte zwischen Bangles-Schönheit und Ramblin‘ Jeffrey Lee, war’s der kurz anberaumten Gig-Dauer geschuldet leider schon wieder vorbei mit den weiblichen Reizen und dem Wüsten-Spuk, und so müssen wir die Verifizierung oder Verwerfung dieses ganzen Presse-gestreuten Lynch/Manson-Family/City-Of-Broken-Dreams/Lost-Angels-Blablas auf ein andermal vertagen.

Mit Guadalupe Plata alte und gern gesehene Raut-Oak-Veteranen aus dem andalusischen Úbeda: Das Trio mit dem selbstgebauten Bass-Instrumentarium brachte den zähen Delta-Blues im steten Trance-Fluss zum Swingen. Mit hypnotischem Bottleneck-Sliden auf der Halbakustischen, steter, versierter Rhythmus-Arbeit und dem für die Band urtypisch charakteristischen, mit viel Hall vernebelten Spanier-Gejaule versetzten die iberischen Blues-Männer das Publikum in sanft wogende Glückseligkeit und sorgten so für ein erstes dickes Ausrufe-Zeichen im Festival-Line-Up. Tausende an Meilen von Clarksdale or elsewhere outside the Mississippi Delta entfernt spüren Guadalupe Plata wie nur wenige Europäer dem Geist der rohen, unbehandelten Blues-Energie der alten Tage nach und packen das Erbe in ein zeitloses Gewand, allein dafür eine Handvoll Robert-Johnson-Heiligenbilder zur Belobigung. Die Band war in der vergangenen Freitag-Nacht im Flow und musste in ihrer Spielfreude weit nach Mitternacht von Sound-Guru Jay Linhardt händeringend und flehend zum finalen Abgesang genötigt werden, man mag sich nicht ausmalen, was ohne nachmittäglicher Sintflut noch angestanden wäre an beherztem Blues-Groove aus südeuropäischen Gefilden mit entsprechender Zeit zum tonalen Auleben, hintenraus.

Da im fernen Russland demnächst die mediale Großereignis-Nummer angezeigt ist, bei der jeweils 22 Deppen vier Wochen lang einem Ball hinterherrennen, sei der Vergleich erlaubt: In Fußball-Ultra-Kreisen würde man den Frust mit einem beherzten „Wenn das Bayern-Blut auf die Kutte spritzt, ist alles wieder gut, ist alles wieder gut!“ wegwischen, spätestens mit dem grandiosen Raut-Oak-Auftritt von Slim Cessna’s Auto Club war der Unwetter-Spuk vom Nachmittag vergessen, wenn auch notgedrungen nicht mehr als eine gute Dreiviertelstunde blieben für Slim, Munly Munly und Co, um ihre Visionen von großartigem Bühnen-Entertainment, der Christianisierung des amerikanischen Hinterlands, so-called Alternative Country, Erweckungs-Predigten für ein Gott-gefälliges Leben und ihre morbiden Geschichten über Suff, Gewalt und kaputte Beziehungen im Geiste Faulkners und Pollocks mit dem Volk zu teilen. Dem knappen Zeitrahmen geschuldet hielt sich die Southern-Gothic-Institution aus Denver/Colorado nicht lange mit Vorgeplänkel und präliminarem Heranführen der Errettungs-würdigen Seelen an den Kern der Wahrheit auf und begann umgehend mit Taufe, Handauflegen und Seelen-Einsammeln mittels apokalyptischem Country Folk Gospel in intensivster Show auf und vor der Bühne in Interaktion mit der schwerst animierten und hingebungsvoll betenden Kirchengemeinde. Maximalst-Rampensau-Absolution im Geiste Roger Williams‘ und aller dahingeschiedenen Country- und Hillbilly-Heiligen. Die rasante Gangart an der frischen Luft zauberte selbst einem Munly Munly sowas wie einen Hauch von Farbe ins Gesicht, durchaus ein selten erlebter Umstand, Denver-Sound-Pionier Jay gleicht ansonsten kreidebleich dem sprichwörtlichen Tod von Altötting in seiner Duett-Darbietung mit Sanges-Partner Slim.
Gab es früher und gibt es – wie beim jüngsten Raut-Oak Fest erlebt – nachweislich auch noch heute, die Gelegenheiten, zu denen man Slim, Munly, Rebecca Vera, Lord Dwight Pentacost und die begleitenden Laienprediger mindestens unter Vollbedienungs-Entertainment-Aspekten schlichtweg für die beste Live-Band ever dieser und anderer Welten durchgehen lässt, Friday Very Late Night am Hügel unter der Eiche vorm Wettersteingebirge war ganz sicher so einer, und damit war das Schicksal der tatsächlich sehr guten, bereits im Vorjahr schwerst überzeugenden Psychedelic-Griechen von Screaming Dead Balloons besiegelt, keine Band dieser Welt kann nach einer derart überwältigenden Slim-Cessna-Show bestehen, in Sachen undankbarer Job haben die Hellenen dahingehend die sprichwörtliche A-Karte gezogen, zumal der Großteil der Festival-GängerInnen im Zweifel zu weit vorgerückter Stunde der Kräfte-regenerierenden Horizontalen den Vorzug gab.

Raut-Oak Fest 2018-06-09 / Tag 2 – coming soon…